En Escena... APUNTES

Avanzamos... Batman: The dark knight

2008-02-10T17:43:00.000+01:00

El Caballero Oscuro volverá a las calles de Gotham City el próximo verano. Tiene dos retos pendientes: acabar con Joker y medirse en la taquilla frente a Iron Man y Hulk, otros héroes de cómic.

Siempre han soltado con cuentagotas las pinceladas acerca de cada nueva entrega y la promoción de ésta, la sexta, irá por el mismo camino, aunque con un plus de morbo garantizado: si ya todos apuntaban que el fallecido Heath Ledger había dotado de un cariz distinto al personaje que inmortalizó Jack Nicholson, la repentina muerte del australiano otorga un mayor halo de interés a este esperadísimo estreno.

La nueva era del hombre-murciélago se materializó en 2005 con Batman begins, el deseo de Warner por resucitar en el cine a un personaje que, bien entrados en los años noventa, estaba de capa caída: ni Val Kilmer ni George Clooney, ambos a las órdenes de Joel Schumacher, pudieron remontar el vuelo del personaje que cayó en manos de un desconocido Michael Keaton en 1989.

Puede que Christopher Nolan cuente con el honor de ser el único cineasta que sobrevive a Batman, aunque eso lo sabremos justo después de la llegada a las salas de las nuevas aventuras del personaje creado por Bob Kane. Por ahora, el director de Memento, Insomnia y El prestigio. El truco final ha conseguido emular a sus predecesores en el cargo, Tim Burton y Joel Schumacher. El enfoque que aporta a la serie es diferente, ya que su anterior propuesta fue concebida como el inicio de una pre-saga.

Del argumento de esta nueva película nada se sabe, más allá de que aparece el enigmático Joker. De lo que sí estamos seguros es de que Christian Bale volverá a enfundarse con el traje negro pero no será el único que repita a las órdenes de Nolan: Michael Caine como el fiel mayordomo Alfred, Gary Oldman en la piel del teniente de policía James Gordon, Morgan Freeman demostrando sus dotes como científico... También está en el reparto Cillian Murphy (también visto en la anterior), Aarón Eckhart y... ¿Katie Holmes? No. La señora de Cruise le ha cedido el puesto a Maggie Gyllenhaal, que se incorpora como chica-murciélago (ya lo fueron Kim Bassinger, Nicole Kidman y Elle Macpherson).

Batman: The Dark Knight nos legará una de las interpretaciones póstumas de Ledger (falta por ver también su trabajo en I´m not there, atípica cinta sobre Bob Dylan). El actor, que nos dijo adiós a comienzos de 2008 con tan sólo 28 años, engrosa la lista de los que fallecen muy jóvenes, como River Phoenix y Brad Renfro, y también la de intérpretes que estrenan tras su muerte, caso de James Dean (Gigante) y Brandon Lee (El cuervo). La leyenda negra se apoderado así del estreno de la nueva de Batman, uno de los personajes con más empaque del cómic y el cine, un héroe sin superpoderes que regresa con un presupuesto de 150 millones de dólares... Casi nada.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crónica de unos Goya diferentes

2008-02-10T17:40:00.000+01:00

Y sorprendentes, lógicos, esperanzadores... Calificativos que describen los XXII Premios Anuales de Cinematografía, que encumbraron a La soledad y reconocieron la valía de títulos que en su estreno pasaron desapercibidos.

Pastel hubo para todos, para los equipos de El orfanato, Bajo las estrellas, Las 13 rosas, Siete mesas (de billar francés) y La soledad, una cinta de la que sólo han disfrutado hasta el momento 40.000 espectadores. Resultó curioso que se polarizasen los galardones más esperados entre la propuesta menos vista –pero no por ello menos interesante- y el éxito del cine español, la ópera prima que le ha valido a Juan Antonio Bayona el Goya a la mejor dirección novel y a Sergio G. Sánchez el reconocimiento por escribir el mejor guión original y eso que, como apuntó a la hora de subir al escenario, "era una copia mala de Los otros".

Fue uno de los últimos en conocer sus premios, al mejor director y la mejor película, pero el realizador y guionista Jaime Rosales fue el más perseguido. El que debutó con Las horas del día destacó que era importante la decisión de los académicos porque "sacaba a la luz un cine al que hay que tener en cuenta". Ahora sólo falta, en palabras de Rosales, "ver qué pasa en los próximos años con todo el talento desaprovechado en este país y si los productores y los exhibidores se nutren de este ímpetu cinematográfico", que caracteriza a otros como José Luis Guerín, Marc Recha e Isaki Lacuesta.

Sorpresa para algunos, premios merecidos para todos, los galardones que recayeron en La soledad no se olvidaron de José Luis Torrijos, mejor actor revelación y único intérprete de la película con opciones a premio, aunque en la ceremonia estuvo arropado por sus compañeros Petra Martínez, Juan Margallo y Nuria Mencía, a los que podemos ver en acción gracias a la edición en DVD de la película.

Otra de las pequeñas joyas de 2007 fue Bajo las estrellas, la adaptación de El trompetista del Utopía, de Fernando Aramburu, hecha por Félix Viscarret (Goya al guión adaptado) y lista también para disfrutar en casa, junto a los cortos de este debutante en la dirección con mucho por contar. Sus tres actores protagonistas, Alberto San Juan, Emma Suárez y Julián Villagrán, eran candidatos por sus interpretaciones, pero sólo San Juan, que ya optó al Goya con El otro lado de la cama, se alzó con el premio en un reparto de galardones que denota que en el cine español hay propuestas para todos los gustos.

Lo que es una pena es que no se den premios ex aequo porque, de lo contrario, Blanca Portillo y Maribel Verdú hubiesen compartido el Goya a la mejor actriz. Aún así, este año ya le tocaba a la que se había ido hasta cuatro veces de vacío de estas galas a pesar de sus trabajos en Amantes, La celestina, La buena estrella y El laberinto del fauno. Su otra compañera en Siete mesas (de billar francés), Amparo Baró, se alzó con el premio como mejor actriz de reparto, un análogo masculino que fue a parar al uno de los dos actores con posibilidades de Las 13 rosas: el veterano José Manuel Cervino. El otro premio pudo haber ido para la joven Nadia de Santiago, pero el Goya a la mejor actriz revelación pasó de largo por las aspiraciones de ella, de Bárbara Goenaga, por Oviedo Express, y de Gala Évora, por Lola, la película, y fue a parar a las manos de Manuela Velasco, que nos guió por el macabro edificio donde se ambienta [REC].

Las ausencias de Pudor, Mataharis y Oviedo Express en el reparto de premios; el Goya a la música de Las 13 rosas, el primero para una partitura compuesta por Roque Baños; el reconocimiento a la argentina Lucía Puenzo por su XXY; la (reconfortante) puesta de largo de los cortometrajistas; el momento de incertidumbre que nos hizo pasar Alfredo Landa al recoger su Goya de Honor... La noche del 3 de febrero de 2008, la de los Goya menos previsibles y, en cierto modo, más osados, será recordada por todos los que piensan que no todo es igual en el cine español.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Una ventana a Oriente Próximo

2008-01-19T14:04:00.000+01:00

Hay una esquina del Mediterráneo en la que coexisten –que no conviven- tres culturas y muchos cineastas con un marcado sello personal, como los israelíes Eytan Fox y Amos Gitai y el palestino Elia Suleiman.

Un goteo limitado pero constante permite que, con cierta frecuencia, tengamos en las carteleras alguna película israelí y, con mucha suerte, alguna propuesta libanesa o palestina.

Lo que llega a España tiene calidad, ya que ha pasado los filtros de las distribuidoras y cosechado algún premio en festivales, pero la escasa promoción o el deseo de afrontar un mínimo riesgo por parte de los exhibidores hace que estas cintas se estrenen, si lo hacen, con mucho retraso. Va a ocurrir por ejemplo con dos producciones israelíes, Las medusas (Meduzot), proyectada en San Sebastián, La banda nos visita, vista en Valladolid, y uno de los éxitos del pasado Festival de Sevilla, La burbuja, la última propuesta de Eytan Fox, rodada hace dos años y aún pendiente de estreno.

Este joven cineasta, con dos películas más en su haber, Yossi & Jagger y Caminar sobre las aguas, se ha convertido en representante de la nueva hornada de cineasta exportables, aunque todavía está muy lejos de Amos Gitai, autor indispensable en las estanterías de los videoclubs más selectos de toda Europa. Su extensa filmografía, desde Alila hasta Kedma, pasando por Kadosh, Kippour, Zona libre y Tierra prometida, siempre invita a la reflexión y desde aquí la recomendamos a todo aquel que sienta un mínimo interés por la sociedad hebrea.

Tanto Gitai como Fox tocan de soslayo temas espinosos, los que hacen que esa región sea noticia a diario, pero exceptuando títulos como Paradise now, en el terreno de la ficción no siempre hay historias terribles, con el drama de la ocupación, el terrorismo o el exilio de fondo. Eso queda para el campo del documental, donde hay propuestas que nadie debería perderse, trabajos que ahondan en el conflicto israelo-palestino, como la mirada de siete niños al enfrentamiento entre pueblos en Promises, la crítica vertida en Checkpoint y Los niños de Arna, un trabajo de Guiliano Mer Khamis un ex miembro de las Fuerzas Especiales de Israel que aborda el drama de los refugiados en Yenin.

Otro cine es posible, aunque subsistan denominadores comunes como la necesidad de búsqueda, la pérdida de identidad, las diferencias sociales y políticas... La libanesa Nadine Labaki, directora de Caramel, da en la diana al hablar de la mayor parte de las películas libanesas, que tratan la convivencia entre religiones: "existe por nuestra parte una necesidad vital de hablar de la guerra, de profundizar en lo que ocurre... pero siempre es más enriquecedor dar una visión diferente o abordar otros enfoques, desde los problemas que afectan a todo el mundo". Y los cineastas que pueblan Oriente Próximo han encontrado un enfoque idóneo, sólo tienen que ciertos sectores les abran las puertas hacia el exterior.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

2008: Lo que viene

2008-01-19T13:55:00.000+01:00

La previsión para 2008 apunta, como en el pasado año, corrientes de secuelas venidas del oeste y precipitaciones en forma de remakes. Se espera alguna que otra tormenta cinematográfica que dará que hablar, sin olvidar al fenómeno Indy.

Tom Cruise en la piel de un nazi (Valkiria), Roland Emmerich (Independence Day) dispuestos a sombrarnos con 10.000 a.C. y el desafio del creador de Perdidos, J.J. Abrams, al plantear la simiente de la saga Star Trek...

El nuevo año viene repleto de citas ineludibles, aunque llevamos casi 20 años esperando un encuentro que tendrá lugar en mayo: Indiana Jones regresa a las pantallas después de darlo casi todo en la última cruzada. Han pasado dos décadas y el héroe se ha hecho mayor. En esta ocasión a Harrison Ford no le acompañará su padre en la ficción, Sean Connery, pero tendrá que vérselas con Shia LaBeouf y Cate Blanchett en el Reino de la Calavera de Cristal. Otros maduros que vuelven son Silvestre Stallone, con John Rambo, y Pierce Brosnan, que dará el cante junto a Meryl Srteep en ¡Mamma Mía! Parece que el que tuvo licencia para matar ha superado el hecho de dejarle el esmoquin de James Bond a Daniel Craig, que prepara su segunda película como 007, con la que tendremos ya 22 piezas para coleccionar.

Los productores se relamen los dedos aseguran que son los estrenos más esperados de este año, pero además de estos hay otros que desde aquí queremos recomendar, caso del cine de autor de Won Kar-wai (My blueberry nights), Paul Haggis (En el valle de Elah), Woody Allen (Vicky Cristina Barcelona) y Francis Ford Coppola (Youth without you). Y entre los que rodarán, el irreverente Gus Van Sant, el inconformista Terrence Malik (La delgada línea roja, El nuevo mundo) y Lars Von Trier, que pretende cerrar su trilogía con EE.UU. en el punto de mira, después de Dogville y Manderlay.

Guillermo del Toro, concentrado en la segunda entrega de Hellboy, última los detalles de la versión hollywoodiense de El orfanato y otra mente inquieta, la de Tim Burton, se vislumbra en el horizonte: se apunta al carro de las adaptaciones con una muy personal de Alicia en el país de las maravillas y promete alargar su corto Frankeweenie, aunque lo próximo es una nueva historia de terror gótico. Se trata de Sweeny Todd y cuenta de nuevo con Johnny Depp, su actor fetiche, y su esposa, Helena Bonham Carter.

El verano será la época de las grandes producciones como Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspián, con Alicia Borrachero en su reparto, y The dark knight, segunda oportunidad para ver a Christian Bale embutido en el traje de Batman y a Heath Ledger como Joker, intentando superar el listón impuesto por Jack Nicholson en 1989. Parece que al galés le va eso de rescatar sagas que parecían agotadas: Bale protagonizará el cuarto título de la saga Terminator, un episodio premonitorio de similares características al que devolvió a la palestra al hombre murciélago. Regresa Batman y con él algún que otro superhéroe, como Hulk, con Edward Norton bajo el músculo verde, e Iron Man, al que dará vida Robert Downey Jr. Por la pantalla grande pulularán dos agentes que se quedan en 'super' a secas, Superagente 86 y su compañera 99, papeles que han recaído en Steve Carell y Anne Hathaway.

En el terreno nacional, con vocación transfronteriza, Alejandro Amenábar anunciará proyecto y aseguran que lo llevará a cabo con Rachel Weisz (El jardinero fiel); Isabel Coixet estrenará Elegy, donde ha cambiado a Sarah Polley por Penélope Cruz; y la madrileña volverá a ponerse, por cuarta vez, en manos de Pedro Almodóvar, que comenzará a rodar Los abrazos rotos que recibirán, entre otros, Blanca Portillo y Lluís Homar.

También en casa Fernando Trueba adaptará una novela de Antonio Skármeta, El baile de la victoria; Daniel Sánchez Arévalo demostrará con Gordos que lo de AzulOscuroCasiNegro no fue flor de un día y Agustín Díaz Yanes regresará al cine más alejado de las grandes producciones. Lo hará con Sólo quiero caminar y en el proyecto se rodeará de cuatro de sus actrices favoritas: Ariadna Gil, Victoria Abril, Elena Anaya y Pilar López de Ayala.

El cine europeo se dejará ver en sus dos vertientes, la que aspira a hacer más taquilla, con títulos como la coproducción Astérix y los Juegos Olímpicos –nuestro chicos de tebeo, Mortadelo y Filemón, también volverán a las andadas-, y la faceta más intimista, de autor, con trabajos como Un mundo libre, de Ken Loach, El último tren a Auschwitz, de Vismaier y Vávrová, y 4 meses, 3 semanas y 2 días, con el que el rumano Cristian Mungiu se alzó con la Palma de Oro de Cannes y el Premio a Mejor Película del Cine Europeo. Y veremos curiosidades, como la libanesa Caramel, las israelíes La banda nos visita, Las medusas y La burbuja (del director de Caminar sobre las aguas), sin olvidar la versión estadounidense que el díscolo Michael Haneke hace de si mismo y su magistral Funny games.

Suculento material literario llegará al cine: la mítica serie de libros protagonizada por el pequeño Nicolás y El niño del pijama de rayas, uno de los últimos éxitos de ventas. La animación vendrá representada por dos títulos para niños y adultos, Horton, un elefante con la habilidad de hacerse preguntas existenciales, y Wall-E, acerca del último mini-robot de la Tierra programado para recoger basura y descontaminar nuestro planeta. Un nuevo obsequio de la factoría Pixar.

Y ya que estamos con cine de consumo casi estrictamente juvenil, no pasamos por alto lo nuevo de los hermanos Wachovski (Matrix), Speed Racer, o lo que es igual, actores como Christina Ricci, Matthew Fox (Perdidos) y Susan Sarandon al volante. También llegará la sexta entrega de Harry Potter y todos conoceremos al Príncipe Mestizo. Eso será en noviembre, hasta entonces queda aún mucho cine (nuevo) por ver.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

2007: Crónica de un año

2008-01-19T13:50:00.000+01:00

La conquista de Estados Unidos por el cine español, la casi obligada necesidad de realizar nuevas adaptaciones y el paro indefinido de las mentes más creativas de Hollywood marcan el repaso de un año cargado de cine.

A los regresos esperados de Ang Lee (Deseo, peligro) y David Cronenberg (Promesas del este), se sumaron las sorpresas de dos adaptaciones de cómic, 300 y Persépolis, y los homenajes y las versiones remasterizadas de títulos ya clásicos que cumplían años: 25 en el caso de Blade Runner, Poltergeist y Víctor o Victoria y los 30 de La guerra de las galaxias y Encuentros en la tercera fase.

Ya que estamos con los años, en 2007 se celebraron los cien primeros de los nacimientos de John Wayne, Lawrence Olivier y Katharine Hepburn. En el año en que se cumplieron 30 años de la desaparición de Charles Chaplin, Charlot, nos dijeron adiós estrellas como Deborah Kerr, produtores como Carlo Ponti y dos creadores que nos tocan muy de cerca: Emma Penella y Fernando Fernán-Gómez.

El pasado fue el año de las secuelas: tuvimos tercera parte de Bourne, Piratas del Caribe y Spider-Man, cuarta entrega de La jungla de cristal (con el veterano Bruce Willis) y una quinta de Harry Potter. En esta aspecto 2008 no se quedará atrás: gracias al anuncio de dos rodaje comprobamos como Harrison Ford se hizo de nuevo con el látigo y su sombrero más característico con motivo de la cuarta entrega con las aventuras de Indiana Jones y Christian Bale se enfundó de nuevo en el traje de Batman en The dark knight, y ojo a un Joker interpretado por Heath Ledger.

Son dos de los estrenos más esperados del nuevo año, esos y el de Vicky Cristina Barcelona, la aventura española de Woody Allen, que desilusionó, y mucho, a los que esperaban una vuelta de tuerca al género de suspense con El sueño de Casandra, tercer punto del acuerdo suscrito entre el cineasta neoyorquino y la industria británica, protagonizado por Ewan McGregor y Colin Farell. Veremos si ha sabido sacarle partido a un reparto en el que figuran nombres como los de Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Rebecca Hall y Javier Bardem.

El actor es uno de los que más han sonado en los últimos meses: fichaje estrella de Allen, a las órdenes de los Coen en No es país para viejos, candidato a casi una decena de premios, El amor en los tiempos del cólera también pendiente de estreno… Es el mejor ejemplo del empuje español al otro lado del Atlántico, el que se cuela a través de la veta abierta por la avanzadilla liderada por Antonio Banderas y Penélope Cruz.

Todavía sin el tirón de ellos pero con la esperanza de dejar una profunda huella también, en esa lista de preferidos están Juan Carlos Fresnadillo, que salvó la secuela de 28 días después, convirtiendo las jornadas en semanas, Maribel Verdú, requerida por Francis Ford Coppola para su proyecto argentino, Alicia Borrachero, a quien veremos en la segunda entrega de Las crónicas de Narnia, y Paz Vega, con tres películas en la nevera. Y no nos olvidamos del debut en el largo, allí, de españoles que hicieron sus primeros cortos aquí, como Luis Berdejo y Àlex Pastor.

Seguro que sus proyectos, ya en marcha, no se verán afectados por el mal de 2007: ha acabado el año y continúa la pertinaz sequía de argumentos originales acuciada por la huelga de guionistas en la meca del cine que sigue paralizando la puesta en marcha de proyectos de cine y televisión. Por no poder, los escritores son incapaces incluso de rumiar nuevas versiones de títulos, ya sean clásicos o de reciente factura en Europa y Asia: así este año hemos podido ver La ventana indiscreta, Invasión (ya saben, sobre seres extraterrestres que se apropian de nuestros cuerpos), Soy Leyenda y Sin reservas, casi calcada a la alemana Deliciosa Martha, y no desgranamos por falta de espacio la oleada de remakes de cintas orientales.

La falta de ideas no es la razón principal por la que en Hollywood están pendientes de la nueva cosecha de cine de terror y fantástico plantada por Juan Antonio Bayona y Sergio G. Sánchez (El orfanato), Jaime Balaguero y Paco Plaza ([REC]), Nacho Vigalondo (Los cronocrímenes), Gonzalo López-Gallego (El rey de la montaña) y Guillem Morales (El habitante incierto). Van camino de abrir brecha en el cine de autor de la misma forma que forma que lo hicieron en su día otros como Gonzalo Suárez (Oviedo Express), Julio Medem (Caótica Ana) y dos mujeres que concurrieron por la Concha de Oro en San Sebastián, Gracia Querejeta, con Siete mesas (de billar francés), e Iciar Bollaín, con Mataharis. Y esto es sólo un pequeño relato de lo que ha dado de sí 2007.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Candidatos a los Goya 2007

2008-01-19T13:31:00.000+01:00

El orfanato, Las 13 rosas, La soledad y Siete mesas (de billar francés), cuatro aspirantes al título de mejor película del año. Pero en el reino de los Goya hay una reina y muchos nobles, tantos como categorías, 27.

Parece que de cara a los XXII Premios Anuales de Cinematografía han querido apostar por el cine de autor de directores como Jaime Rosales (La soledad), Gracia Querejeta (Siete mesas...) e Icíar Bollaín (Mataharis) y la veteranía, respaldada por Emilio Martínez Lázaro (Las 13 rosas), Gonzalo Suárez (Oviedo Express) y Mario Camus (El prado de las estrellas), sin olvidar el empuje de los que llegan: Juan Antonio Bayona (El orfanato), Félix Viscarret (Bajo las estrellas), Tomás Fernández (La torre de Suso) y los hermanos David y Tristán Ulloa (Pudor).

Las candidaturas dan idea de la diversidad de la cosecha recogida en 2007 y nadie se ha llevado sorpresas: se esperaban las 14 opciones a premio conseguidas por el terror construido mano a mano entre Sergio G. Sánchez y Bayona -terror prefabricado según algunos, genial para otros- y el drama ‘rebajado’ de las jóvenes asesinadas en cuanto Franco se convirtió en dictador. Se preveía la presencia en ese listado privilegiado de los dramas urbanos de Querejeta y Bollain, dos cintas seleccionadas para el pasado Festival de San Sebastián. Más curiosa ha sido la inclusión de La soledad y Bajo las estrellas en ese sexteto, pero esa es una de las virtudes de estos galardones, la posibilidad de rescatar del olvido títulos interesantes que en su estreno en salas pasaron desapercibidos: ¿se acuerdan de Tesis?

Los Goya deparan sorpresas y curiosidades por partes iguales: el 3 de febrero de 2008 veremos por primera vez a dos mujeres acariciando el galardón a la mejor dirección, aunque Martínez-Lázaro y Rosales tienen las mismas oportunidades. Por cierto, no en todas las categorías son cuatro los aspirantes a premios, sino cinco, algo ocurre en el caso del premio a la mejor interpretación masculina de reparto, al que concurren Raúl Arévalo (Siete mesas), José Manuel Cervino (Las 13 rosas), Julián Villagrán (Bajo las estrellas), Emilio Gutiérrez Caba (La torre de Suso) y Carlos Larrañaga (Luz de domingo).

Ya que hablamos de actores, en la carrera por el Goya al mejor protagonista están Álvaro de Luna (El prado de las estrellas), Alberto San Juan, con muchas opciones por Bajo las estrellas y Tristán Ulloa, por Mataharis –que lo tendrá difícil para llevarse el Goya a la mejor dirección revelación, ya que ahí está un más que promocionado Bayona-. El cuarto actor es Alfredo Landa (Luz de domingo), que podría hacer doblete ya que, sin olvidar a Ricardo Navarrete que se alzará con el Premio Segundo de Chomón, es el único candidato que sabe que saldrá de la ceremonia con un Goya, el de honor.

En el terreno femenino la cosa estará entre Belén Rueda (segunda película y segundo Goya posible), Emma Suárez, rescatada en Bajo las estrellas, y los dos pilares de Siete mesas, Blanca Portillo y Maribel Verdú. Nuria González y María Vázquez, dos de las tres Mataharis (falta Nawja Nimri) harán frente a la larga experiencia (y su corta presencia en El orfanato) de Geraldine Chaplin y Amparo Baró (Siete mesas).

Entre los olvidados están los actores que integran los repartos de Pudor, La carta esférica y Lola, la película, con la excepción de Gala Évora, una interpretación inolvidable de Lola Flores que tiene como competidoras a Bárbara Goenaga (Oviedo Express), Nadia de Santiago (la única de las rosas con opción a premio) y Manuela Velasco (por sus gritos en [REC]), aunque otra Manuela, Vellés, no se ha salvado de la quema de Caótica Ana, de Julio Medem.

Concurrían 142 películas rodadas en cualquier idioma del estado. Son muchas pero pocas las elegidas por nuestros académicos, que este año no podrán elegir a la mejor película europea, aunque si verán como sus votos a los cortometrajes se convierten en protagonistas de una gala a la que hace unos meses sus organizadores habían negado la entrada. Y ahora ya saben qué toca: hacer quinielas, que hay tiempo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Los (deslucidos) Globos de Oro

2008-01-19T13:25:00.000+01:00

La huelga de guionistas se ha cobrado su primera gran víctima mediática; una cita sin glamour que ha dejado un camino incierto hacia el Oscar, ya que ninguna película se llevó a casa más de un par de estatuillas.

En 65 años nunca se había suspendido una gala que, en los últimos tiempos, había cobrado fuerza y crédito, haciéndose con el espíritu crítico del que carece la entrega de los Oscar. Muy a su pesar, al de los que hacen caja desde las cadenas de televisión, el ir y venir de estrellas, el paseo de las mesas al escenario, se transformó en una pobre rueda de prensa donde los presentadores se limitaron a leer el palmarés.

'A dos, señores, a dos por barba'... Seguro que fue la frase más oída, castellanizada y algo exagerada por supuesto, en el mercadillo de los globos desinflados en que se convirtió la fiesta organizada por la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Expiación. Más allá de la pasión, en la categoría de drama, y Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet, en la de comedia o musical, se consagraron como las mejores películas. Y aunque pocos lo aventuraron al final Julian Schnabel se impuso sobre Tim Burton, los hermanos Coen –no se fueron de vacío gracias al Globo de oro al mejor guión-, Paul Thomas Anderson y Ridley Scott. Schnabel se alzó con el galardón al mejor director por su trabajo en la francesa La escafandra y la mariposa, también elegida mejor película extranjera. No nos olvidamos de la animación, con Ratatouille como mejor película.

Cate Blanchett por dar vida a Bob Dylan, según Todd Haynes en I'm not here, fue galardonada con el premio a la mejor actriz secundaria. Ella optaba a otro Globo, en este caso por su trabajo en Elizabeth, en la categoría de protagonista en drama, pero la veteranía de Julie Christie se impuso y de esta forma se cumplieron todos los pronósticos que vaticinaban ese Globo de Oro para la protagonista de Lejos de ella. En el terreno masculino, Daniel Day-Lewis (Pozos de ambición) y Johnny Depp (Sweeney Todd) se hicieron con el galardón que reconoce al mejor actor en cada categoría.

Por su interpretación protagonista en un musical (o comedia), Edith Piaf en La vie en rose, la francesa Marion Cotillard ganó el premio que esperaban Helena Bonham Carter (Sweeney Todd) y Ellen Page (Juno). Como ya sabemos, desde que desayunamos el lunes con la noticia, la francesa no fue la única 'excepción' entre tanto anglosajón: con Javier Bardem cobró fuerza lo de que a la tercera... Después de ser candidato en dos ocasiones anteriores, en 2000 por Antes que anochezca y en 2005 por Mar adentro, fue reconocido con el ansiado premio por su interpretación en No es país para viejos. Quien no tuvo tanta suerte fue el otro español aspirante a un Globo de Oro en el apartado de banda sonora: Alberto Iglesias concurría por The Kite Runner –ya lo hizo con El jardinero fiel-, pero el galardón acabó en manos del italiano Darío Marianelli, compositor de la banda sonora de Expiación.

Habremos oído y leído mil veces que la ceremonia de entrega de los Globos de Oro es la antesala de los Oscar. Como sea así, ya pueden meterse prisa los organizadores del fiestón previsto para el 24 de febrero en el Teatro Kodak de Los Ángeles porque amenaza tormenta y poco sitio hay para resguardarse. Eso sí, Bardem va con chubasquero dispuesto a lograr el primer Oscar para un actor español, a resarcir el feo que le hicieron el año pasado a Penélope Cruz, que se quedó sin el suyo por Volver.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Dile a mi hija que me fui de viaje

2007-11-09T14:22:00.000+01:00

A veces llegas al teatro y, aún sabiendo con lo que te vas a encontrar, recibes agradables sorpresas... Y eso que durante la representación te sueltan más de una bofetada emocional.

Sobre las tablas, dos mujeres con mucha experiencia: Maria José Goyanes pertenece a una de las sagas de intérpretes más notorias de nuestro país; Marta Belaustegui es muy conocida gracias al cine, pero es patente su pasión por el teatro: la compañía que dirige junto a Jesús Salgado, Teatro del Duende, está a punto de cumplir sus primeros quince años de vida y en su haber cuenta con la puesta en escena de textos como La tinaja, de Pirandello, La cabeza del dragón, de Valle Inclán, Roberto Zucco, de Koltés, y Vivir como cerdos, de Arden.

En una charla previa al estreno en el Teatro Galileo, la actriz y productora nos revelaba cómo llegó hasta ellos el texto de la francesa Denise Chalem, ganadora del prestigioso premio Moliere de teatro hace dos años: preparaban la adquisición de derechos de su anterior producción, La comedia del bebé, y les pusieron el texto encima de la mesa, impactándoles tanto que quedaron noqueados. Salgado añade que "con los textos tienes que tener una relación amorosa" y esta función hecha por mujeres y protagonizada por mujeres, presenta un tortuoso aunque rico vis a vis, con temas inherentes a la mujer, pero también al hombre.

La compañía, a la que hay que seguirle el rastro, nos convierte en mirones, nos permite indagar en la realidad de dos mujeres encarceladas que deben decidir si quieren comunicarse o no. Ellas, en su prisión, son libres de entablar un diálogo y así hacer más llevadera su pena, o de tirar cada una por su lado, aunque esto deban hacerlo en menos de 15 metros cuadrados y entre cuatro paredes. "Viven entre secretos y naufragios y de sus conversaciones van saliendo las grandes verdades de la vida", en palabras de Belaustegui.

La actriz da en la clave y responde al hilo de lo que avanzábamos al principio: "en la vida estamos acostumbrados a lanzar juicios de valor con quien podemos relacionarnos, pero el conocimiento de ciertos individuos siempre te depara sorpresas". Todo se refleja en un texto valiente y sincero, traducido del francés por Lourdes Ortiz, y en el que retumba la palabra con la fuerza de la verdad. Un cara a cara repleto de humanismo y sensibilidad, parámetros que se recrean con los mínimos elementos necesarios... Es la magia de la escena, la que transmiten cada noche desde el escenario tres mujeres –no nos olvidamos de Marina Andina- que dan la cara y todo un equipo que disfruta con el trabajo bien hecho.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... El sueño de Casandra

2007-10-07T15:26:00.001+02:00

Da la sensación de que Woody Allen sólo saca tiempo para rodar su más reciente proyecto en España, pero lo cierto es que el geniecillo neoyorquino tenía esta película en la nevera.

Ewan McGregor y Colin Farell, de los últimos en llegar al universo Allen, son los protagonistas de una historia de 'dos personas muy agradables que acaban abocadas a una situación trágica', en palabras del director.

La cinta, rodada durante el verano de 2006, cierra lo que se ha venido a denominar ‘trilogía londinense’, iniciada con Match Point y continuada por Scoop, y tiene en el reparto a los británicos Tom Wilkinson y Hayley Atwell, a falta de su última musa.

No es tan fácil cumplir los sueños. Es la moraleja de esta película que se inicia con los anhelos de dos hermanos: navegar en un velero, en su propio velero. Y nos preguntamos, ¿un barco en el Támesis? Habrá que descubrirlo en la sala de cine, porque Allen sólo se ha referido a la historia con alusiones al rodaje en la capital británica, ‘una ciudad cuyo clima es perfecto, no sólo para mi manera de rodar, sino también para mi temperamento’.

El sueño de Casandra le mantuvo de nuevo alejado de su hogar, donde no rueda desde que se encargó de Melinda y Melinda, en 2004. La película articula el mundo de los enredos y los juegos sentimentales tan habituales en el cine del director de Manhattan, Annie Hall y Todos dicen I love you, por mencionar algunas piezas de su extensa filmografía con más de 40 títulos. Los ingredientes de su vuelta al drama vienen cocinados por Angela Stark, una joven cazafortunas recién llegada a Londres, en cuyo camino se cruzan dos hermanos de clase trabajadora... ¡Y hasta ahí podemos contar!

Se proyectó en los festivales de Venecia y Toronto, pero su estreno mundial tuvo lugar en la ciudad asturiana de Avilés, quizás como deferencia ante una región que finalmente no acogió el grueso del rodaje de lo último de Allen, que ya no es este drama fraternal, sino Midnight in Barcelona, el aún conato de cinta protagonizada por Scarlett Johansson, Javier Bardem y Penélope Cruz.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... El orfanato

2007-10-07T15:22:00.000+02:00

Falta muy poco para que llegue a las carteleras uno de los títulos más esperados de la temporada con el que además se pretende inyectar sangre nueva al género de terror.

Belén Rueda no se lo pensó demasiado para seguir en la brecha del cine después de su exitoso paseo junto a Alejandro Amenábar y los suyos en Mar adentro. Aunque lo cierto es que un largometraje de suspense con sobresaltos y ribetes psicológicos no es una plaza fácil para una debutante que da sus primeros pasos.

Los productores pensaron que si Nicole Kidman pudo hacerlo en Los otros, nuestra compatriota, después de lidiar con Los Serrano, también estaría a la altura. Los que vieron El orfanato en el Festival de Cannes corroboran el acierto de los responsables de la cinta, Guillermo del Toro al frente de todos ellos: aseguran que Rueda no sólo es capaz de guiarnos por esos terrenos resbaladizos de la mente humana, sino que impregna una inusual cordura a un personaje que puede caer en cualquier momento.

Llegados a este punto más de uno se preguntará... ¿de qué va El orfanato? Una mujer regresa con su familia al lugar donde creció con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. Su hijo comienza a dejarse llevar por unos extraños juegos que generan en ella una gran inquietud, ya que dejarán de ser una mera diversión para convertirse en una amenaza.

En palabras de su productor, sobre el papel no era un refrito resultón de los elementos emblema del género, como casas encantadas y universos paralelos, sino que tenía una profundidad tan insólita como valiosa. Ya en imágenes, con un Guillermo del Toro que se reafirma aún más en su buen ojo, la película tiene para él un ritmo impecable, ideas visuales extraordinarias, no abusa de los efectismos para provocar sobresaltos y relee de forma personal los lugares comunes del género.

En este proyecto se daban los condicionantes necesarios para que nadie dijese 'no' desde el primer momento: J.A. Bayona había cogido destreza después de dirigir los cortometrajes Mis vacaciones y El hombre esponja, y Sergio G. Sánchez, el guionista elegido para dotar de entereza el esqueleto de este filme, sigue teniendo un cerebro en ebullición, una maquinaria engrasada de la que salió otro corto, 7337, un relato lóbrego e interesante protagonizado por Marta Belaustegui.

El reparto de El orfanato está formado por Rueda, que tuvo que perder casi diez kilos, y por un buen número de intérpretes que, caso de Mabel Rivera, Andrés Gertrúdix y Fernando Cayo, se han curtido en el cine y el teatro. Y no nos olvidamos de dos mujeres veteranas: Montserrat Carulla y Geraldine Chaplin. Todos se pasearon por los alrededores de Llanes, en Asturias, y, en concreto, por los pasillos y dependencias del palacio de Partarríu, convertido aquí en un tenebroso hospicio.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

¡A por el Oscar!

2007-10-07T14:46:00.000+02:00

Es el objetivo de todos los que están detrás de El orfanato: traerse el quinto Oscar a la mejor película extranjera. Tiene opciones pero a juzgar por los rivales ya confirmados, no lo tendrá nada fácil.

El riesgo y el terror psicológico han dejado en el camino a los dramas de los veteranos José Luis Garci (Luz de domingo) y Emilio Martínez Lázaro (Las 13 rosas) en la carrera que empezó el pasado jueves 27 de septiembre nada más salir por la boca de Carmen Maura el título de la ópera prima de Juan Antonio Bayona.

Muchos elevan la voz para decir que la propuesta se parece a Los otros, sin Nicole Kidman pero con Belén Rueda pasándolo de miedo en una destartalada mansión que hizo las veces de hospicio y cuyas dependencias y pasillos conoce bien el personaje. Comparaciones a un lado, lo cierto es que El orfanato puede seguir el camino recorrido ya por Volver a empezar (1982), Belle Epoque (1993), Todo sobre mi madre (1999) y Mar adentro (2005).

Bayona y Rueda encabezan la trouppe que, después de pasar por los festivales de Cannes, Toronto, Nueva York y Sitges, ya está recorriendo los círculos cinematográficos de EE.UU. para promocionar nuestra candidata. No estaría mal que los pases de la cinta viniesen acompañados de la proyección de 7337, un extraordinario corto, protagonizado por Marta Belaustegui y escrito y dirigido por Sergio G. Sánchez, responsable del guión que ha atemorizado a un reparto completado por Fernando Cayo, Geraldine Chaplin, Mabel Rivera y Andrés Gertrudix.

Todos están al servicio de este drama sobrenatural que 'empieza como una cinta de terror y acaba como un melodrama clásico de Hollywood', en palabras de Bayona. El padre de la criatura destaca el tremendo viaje emocional que realiza Rueda, ya que para él 'pocas actrices pueden soportar tanta presión'. Eso durante el rodaje, porque ahora toca batirse en duelo con las competidoras, a las que vamos conociendo: la colombiana Satanás, la chilena Padre Nuestro, con Cecilia Roth; La desconocida, del italiano Giuseppe Tornatore (que ya ganó con Cinema paradiso); y XXY, de Lucía Puenzo, hija del ganador en 1986 del único Oscar logrado por los argentinos gracias a La Historia Oficial.

El nuevo proyecto de Fatih Akin, responsable de Contra la pared, ha sido designado por los alemanes, los mexicanos concurren con Luz silenciosa, de Carlos Reygadas, Hong Kong presenta Exiled, de Johnnie To, y apuesta interesante es la película de animación Persépolis que, representando a Francia, les va a contar a los estadounidenses cómo se vive en el más enemigo de los países enemigos del amigo George W. Bush. Es una de las cintas que pueden quitarle plaza a la nuestra, de la que dicen 'no es una película de terror, sino de suspense del bueno'. Ya lo comprobarán al otro lado del Atlántico el 28 de diciembre, fecha en la que El orfanato llegará a un millar de cines.

Aquí son algo menos, 300 pantallas, en las que podemos verla y criticar la decisión de los académicos españoles. El 22 de enero se harán públicos los nombres de las cinco películas que pueden alzarse con la estatuilla en la 80ª ceremonia de entrega que tendrá lugar el 24 de febrero. Por lo pronto ya sabemos que la cinta parte con muchas opciones ya que Guillermo del Toro, productor de la cinta, ha revelado que los que hicieron posible El Señor de los Anillos se harán responsables de la versión que harán en Hollywood.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

De Donosti a las pantallas

2007-10-07T14:34:00.000+02:00

Público, jurado y prensa coinciden y hacía años que no pasaba: lo que se ha visto en la última edición de San Sebastián merece la pena y no tardaremos mucho en verlo en salas.

A lo mejor la crítica no está de acuerdo con ello, pero la variedad ha dado riqueza a un festival que ha celebrado su 55º cumpleaños con invitados con glamour, caso de Demi Moore, Richard Gere y Liv Ullmann, y llevándose como regalos destacables producciones como la danesa Daisy Darling, la libanesa Caramel (Caramelo) y la israelí Meduzot (Las medusas).

Sólo hay que echar un rápido vistazo al palmarés para comprobar hasta qué punto el cine oriental sigue gustando a todos (al menos apetece ver algo de Wayne Wang), lo mismo que el cine de autor hecho en Estados Unidos (caso de John Sayles y su Honeydripper) y todo ello sin olvidar el reconocimiento a la cuota española con los premios al guión de Siete mesas (de billar francés) y la Concha de Plata a la mejor actriz, Blanca Portillo.

Unanimidad hubo a la hora de valorar Mil años de oración, de Wang, aunque más de uno esperaba la foto, el momento que ponía de manifiesto la reconciliación entre el cineasta responsable de El club de la buena estrella y Smoke y Paul Auster, presidente del jurado y su compañero de fatigas en cintas como Blue in the face. Lo cierto es que conmovió la historia del señor Shi (cuyo actor se alzó con otra Concha), un viudo de Pekín que va a los Estados Unidos visitar a su única hija, Yilan, que se acaba de divorciar.

Dos películas que entroncan con la realidad que vivimos hoy no se fueron de vacío: Nick Broomfield vio reconocida su dirección en Battle for Hadita, sobre marines estadounidenses en Irak, y Hana, la más pequeña de la familia Makhmalbaf, impresionó a todos con Buda explotó por vergüenza, premio especial del jurado por su profesionalidad y arrojo, y distinción de TVE por reflejar el mundo de la mujer. En este terreno Iciar Bollaín no repitió con Mataharis la hazaña lograda en su día con Te doy mis ojos aunque sí que Gracia Querejeta entró en el palmarés, no sin cierto regusto amargo al ver que el premio a Portillo quedaba algo cojo faltando el reconocimiento a Maribel Verdú.

Durante los diez días del 'festival del cine sencillo e íntimo' se han visto grandes producciones como Promesas del Este, apertura del festival a manos de David Cronenberg; La gran estafa, para el lucimiento de Gere; y Cleaner, que se proyectó ante 3.000 personas en el velódromo de Anoeta para asombró de Samuel L. Jackson, al igual que Los reyes del Ártico, la simpática y didáctica historia de una morsa y una osa que sigue la estela de El viaje del emperador. Hablando del velódromo, no sé si sabían que Oliver Stone sólo acude al certamen si pueden presentar una película allí.

El cierre, con Demi Moore presentando Un plan brillante, de Michael Radford (El cartero), no fue tan lucido como el devenir del certamen donostiarra, con sus interesantes secciones paralelas en las que siempre podemos descubrir nuevos realizadores y propuestas modestas concebidas al margen de las grandes industrias. Para eso sirve un festival.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Con el teatro, de punta a cabo

2007-07-15T19:10:00.000+02:00

De festival en festival...

Tenga vacaciones o sólo disponga de unos días para realizar una escapada, una interesante opción consiste en descubrir España a partir de sus citas teatrales imprescindibles.

Pocos días, del 20 al 29 de julio, tenemos para programar nuestra visita a Olmedo (Valladolid), en concreto al Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero, donde recalará la Compañía Nacional de Teatro Clásico con Del rey abajo, ninguno (sirva de homenaje a Rojas Zorrilla en el IV centenario de su nacimiento) y Rafael Álvarez El Brujo con Los misterios del Quijote.

En total, una decena de representaciones conformará el grueso de una cita dedicada en su segundo año de existencia a conmemorar el 25 aniversario del Teatro Corsario, grupo local que no deja de trabajar en el clásico, en todo tipo de formatos. Esta compañía, con Fernando Urdiales al frente, tiene una obra juvenil de Lope de Vega en cartel, Los locos de Valencia.

La CNTC, formación dirigida por Eduardo Vasco, también está a pleno rendimiento durante el verano. Los montajes de las dos compañías se podrán ver en Almagro y su Festival de Teatro, que llega a la edición número 30, quién iba a decirlo cuando era tan sólo un encuentro entre amigos con el gusanillo del clásico. En el marco de esta cita, que se alarga hasta el 22 de julio, debuta con Las bizarrías de Belisa la escisión más joven de la institución pública que vela por el teatro de nuestro Siglo de Oro que, por cierto, vio la luz en tierras manchegas.

Parece que la vertiente más clásica de la escena, aunque con toques muy contemporáneos, articula este viaje por España. La siguiente escala no sirve desde luego para contrariar esta realidad, nos vamos a Mérida, hasta el 26 de agosto más femenina que nunca, con un cónclave sin parangones: Fedra, Lisístrata, Antígona, Electra, Andrómaca, las Troyanas... Las gradas del teatro emeritense se llenan de nuevo, como viene haciendo en los últimos dos milenios.

De manera paralela, aunque sin llegar a cruzarse en el camino, Sagunt a Escena comparte, desde hace 25 años, espacio temporal y temática clásica con el decano de los certámenes. Del 12 de julio al 26 de agosto, 40 funciones de 22 espectáculos se pondrán en pie en el casco viejo de la ciudad y en sus playas, el imprescindible e histórico Teatro Romano y la Nave de los Altos Hornos del Mediterráneo, destacando el componente industrial que empieza a asociarse al teatro contemporáneo, en cuanto al empleo de nuevos escenarios. El montaje Los persas, de Calixto Bieito, sirve para levantar un puente más con el decano de los certámenes de nuestro país.

Habrá más teatro clásico, del 20 de julio al 5 de agosto, en el norte, en la localidad navarra de Olite; los aires más renovados soplarán hasta el 5 de agosto en el Grec de Barcelona; y la combinación de música, danza y teatro de texto se dan en otros dos puntos de nuestra geografía, dos ejemplos nos llevan hasta San Javier, en Murcia, del 3 al 22 de agosto, y Peralada, en Girona, del 20 de julio al 19 de agosto.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

George (Clooney) no para...

2007-07-08T07:22:00.000+02:00

¿Recuerda su primera aparición en la pequeña pantalla española? Fue en 1994, estaba borracho como una cuba y tenía que cumplir con su labor como pediatra en el County, el hospital de la serie Urgencias.

Si por aquellas fechas le dicen a este soltero de oro que a sus 46 años actuales lo mismo tenía que presentar una película en Cannes, que hacer campaña en contra de la guerra de Irak, a lo mejor hubiese encauzado su carrera por otros lares. Aunque no, todo parece indicar que lo del compromiso lo llevaba en la sangre, que corre por venas artísticas por culpa de sus tíos, el actor Mel Ferrer y la cantante Rosemary Clooney, y su padre, un famoso periodista al que homenajeó con su primera película como director.

De dónde sacará el tiempo es algo que no sabemos, pero por el calado de sus trabajos empezamos a pensar que pronto sentará cátedra con su cine: comprometido, documentado y con cierto toque comercial. Después de la gratificante experiencia de Buenas noches, y buena suerte, Clooney se anima a producir, dirigir e incluso protagonizar una nueva película, una comedia política muy negra cuyo título en inglés podría ser Our brand in crisis. Como no podía ser menos, la cinta critica la estrategia del gobierno de EE.UU. a la hora de 'implantar democracias' allá donde le parece.

Clooney tiene tantos admiradores por su cine como por su físico. Es algo que él sabe rentabilizar, sobre todo desde que sacar a relucir su lado más solidario: ‘besos a 100 dólares’ podría ser el lema de su campaña más asequible; mientras tanto no deja de lado el drama de los refugiados de Darfur. En los últimos meses se ha puesto al frente de iniciativas que persiguen paliar sus penurias y, como ocurre en la banda de Danny Ocean, mete a todos los suyos en el mismo barco, esta vez por una causa menos frívola.

Hablando de Ocean´s 13, en la tercera entrega con las andanzas de estos simpáticos ladrones de guante blanco, muestra su carisma. Como buen patrón de barco, sabe ceder protagonismo a sus compañeros de faena que, por cierto, son amigos, como Brad Pitt y Matt Damon. No hay que pensar mal, aunque puede haberlo hecho para dedicarse a otros menesteres: ¿sabían que el actor considerado como el ser más atractivo del planeta en varias ocasiones también escribe? Ya ha puesto punto final a su primer thriller, inspirado en la liberación de rehenes norteamericanos en Irán a finales de los años 70.

Y no se aparta de la interpretación, no. Ha protagonizado, junto a Tilda Swinton y Sydney Pollack, Michael Clayton, en la que da vida a un abogado neoyorquino acosado por sus adinerados clientes a los que lleva 15 años sacando de apuros. También ha estado delante y detrás de la cámara con motivo de Leatherheads, comedia romántica ambientada en el mundo del fútbol americano durante los años 20, escrita junto a Steven Soderbergh y con Renée Zellweger como compañera. ¿Nos creen ya cuando les decimos que George no para? Pues aún hay más, pero eso llegará en otro capítulo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... My blueberry nights

2007-07-08T07:09:00.001+02:00

Norah Jones, Natalie Portman, Jude Law, Tim Roth y Rachel Weisz entran en el universo de Wong Kar-wai, que explora en inglés el género de la road movie.

Se trata de la primera aventura norteamericana de este habitual de Cannes, ya sea como homenajeado, participante o miembro del jurado. El que visitó el Nuevo Mundo para rodar Happy together, la apasionada historia de amor de dos hongkoneses homosexuales en Buenos Aires, se marcha está vez se marcha al norte del continente para recorrer, a su manera, la mítica Ruta 66.

Heterodoxo a la hora de contar historias, el cineasta chino se ha decantado por el formato de la película de carretera al retratar la persecución de una mujer que busca a su vez el amor de manera incondicional. Debuta la cantante Norah Jones en el cine y lo hace de manos del director de Deseando amar y 2046. Asegura que escribió la película para ella, eligiéndola por su voz, "un instrumento de música muy bien afinado, muy sutil: cuando se oye, sin ver su rostro, se puede ya oír como una historia".

El personaje de Jones es el de una romántica de apariencia tristona en cuyo camino se cruzan personajes de lo más estrafalario. Para el director y la actriz supuso un reto debido a que la ya polifacética artista tenía que estar en cada uno de los capítulos que componen este fresco coral. Los cronistas festivaleros se han encargado de desmenuzar esta cinta que inauguró Cannes en mayo pasado: que si resulta fría, que si el autor va de adelantado a su tiempo, que si los diálogos son muy largos...

El que parece seguir los pasos de otros asiáticos en Hollywood, como los chinos John Woo y Chen Kaige, y el taiwanés Ang Lee, se defiende al decir que su película habla de las distancias que dejan huella: de la física entre dos personas, pero también de la distancia emocional, la del verano respecto al invierno, la que separa el calor del frío... Por eso su protagonista intenta olvidar y busca refugio en la intimidad de una barra de bar, escondidas tras luces de neón que iluminan carreteras semidesérticas.

Veremos si Norah Jones continúa recorriendo el camino del cine, aunque por ahora, lo que queda de este año 2007, se lo reserva para sus compromisos musicales. Quien tiene nuevos frentes, además de estar pendiente del estreno de My blueberry nights en medio mundo, es Wong Kar-wei, metido en faena con The lady from Shanghai, cuyo papel principal recaerá en Rachel Weisz, después de que Nicole Kidman se desvinculase del proyecto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... La carta esférica

2007-07-07T14:59:00.000+02:00

Cinco años ha tardado Imanol Uribe en ponerse de nuevo tras la cámara. Tras El viaje de Carol, el vasco afronta su producción más costosa: una aventura de marinos, tesoros hundidos y mujeres ambiciosas.

Kevin Costner se hipotecó hasta las cejas para rodar Waterworld. Nuestro compatriota no ha tenido que hacer tantos esfuerzos económicos a la hora de llevar a la pantalla uno de los libros más vendidos de Arturo Pérez-Reverte. El asunto monetario se lo ha dejado a las productoras, que ven un buen porvenir taquillero en el último trabajo del responsable de Días contados, Bwana y Plenilunio.

Hasta la costa de Cartagena se trasladó el equipo comandado por Uribe, una tripulación en la que destacan el maestro de fotografía Javier Aguirresarobe y el compositor Bingen Mendizábal, sin olvidar los dos reclamos de la parte interpretativa: Aitana Sánchez-Gijón y Carmelo Gómez, un habitual del director.

Uribe es responsable del libreto, a partir de la novela homónima. Cuenta que le atrajo la historia de amor que viven los dos personajes principales, que naufragan y luchan por salir a flote. El cineasta ha introducido escenas submarinas que, en cierta manera, seguro que enriquecen el argumento surgido del imaginario del escritor cartagenero.

El camino por la pantalla de Pérez-Reverte ha sido irregular, aunque ya se sabe, nunca llueve a gusto de todos... Carmelo Gómez ha recorrido parte de ese paseo con su participación en la adaptación de Territorio Comanche, también el italiano Enrico Lo Verso, otro de los actores, que se suma en un trecho ya que estuvo en Alatriste y aparece ahora aquí, encerrando secretos.

Sobre secretos, mentiras y dobleces trata esta aventura naval que en ningún momento se adentra en la vasta extensión Mediterránea y nunca pierde de vista la línea litoral, un agarre un tanto metafórico. ¿Le falta enjundia quizás? ¿Es problema del guión o de la novela? Dejaremos las respuestas para el estreno oficial de una de las cintas más esperadas durante el hastío cinematográfico veraniego.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

...Y ya van cinco

2007-07-07T14:53:00.000+02:00

Cinco cursos en Hogwarts, un quinteto de títulos que aún debe ser completado y una película, Harry Potter y la Orden del Fénix, en la que el más aplicado de la clase monta la resistencia.

Comenzó a dar vida a Harry con 11 años y ahora, 6 años después y convertido en uno de los adolescentes más ricos del Reino Unido –se embolsa 9 millones de euros por película-, Daniel Radcliffe ve también cómo su personaje se hace mayor, al igual que los incondicionales niños de hace siete años, hoy son jóvenes. El actor, al margen de la serie, acaba de afrontar uno de sus desafíos, subirse a las tablas con el drama Equus, en el que aparece desnudo unos minutos, fuma y, ¡oh cielos!, dice palabrotas.

Con un pie en el mundo de los adultos, el aprendiz de mago más famoso de la historia se da cuenta de que no todo es blanco o negro. En esa gama de grises destaca el amor, la decepción, el sexo, la muerte… Buena culpa de ello la tiene el Ministerio de Magia, que se erige en institución opresiva. En la entrega más terrorífica de la saga, según su director David Yates, encontramos nuevos rostros, como los de Imelda Staunton y Helena Bonham Carter, que quizás acaben sumándose a la legión de malos encabezada por Ralph Fiennes.

Contra ellos lucha el autodenominado Ejército de Dumbledore. Los que pensaron que no iban a pasar miedo después de que Alfonso Cuarón descubriese al prisionero de Azkaban, se equivocaron. La nueva profesora de Defensa Contra las Artes Oscuras esconde un secreto, aunque tanto misterio se compensará con escenas también chispeantes, como el esperado primer beso de Harry con Cho Chang, interpretada por Katie Leung, que ha dado juego y si no que se lo pregunten a Hermione (Emma Watson), presa de un ataque de celos… ¿Y qué pasa con Ron (Rupert Grint), el otro integrante del trío? Ron bien, gracias.

Los tres actores, no sus personajes, coinciden en que esta quinta entrega es, además de sombría, la más genuina de todas porque Yates añade un toque de realismo que no tenían las otras aventuras dirigidas por Chris Columbus y Mike Newell, basadas en libros que se han traducido a 25 idiomas y se venden en todo el planeta. Los más impacientes ya han reservado el séptimo y último tomo de la saga creada por J.K. Rowling, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, mientras otros hacen apuestas sobre el final: que si Lord Voldemort, el malo malísimo, es el padre de Harry, que si hay más de una muerte de por medio… Llegará al cine en el año 2009 así que a nosotros nos interesa, por ahora, esta entrega cinematográfica y, como mucho, la que ya están rodando: Harry Potter y el Príncipe Mestizo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... Persépolis

2007-06-30T09:50:00.000+02:00

Se suele decir que la Historia entra mejor si se traduce a viñetas de cómic o a dibujos animados. El ejemplo más actual lo tenemos en el universo creado por la iraní Marjane Satrapi.

Nos cuenta cómo ser mujer en un régimen como el de los integristas islámicos, que entraron por la fuerza en Irán, hace 28 años... Y tenemos el más difícil todavía: cómo crece una niña en un ambiente de opresión.

Marjane, nacida en Irán y emigrada a Francia, tenía 10 años en 1979, fecha en que se produjo un cambio social y político que pone fin a más de cincuenta años de reinado del Sha de Persia en Oriente Medio y se impone una república islámica.

El relato pasó del papel a la pantalla y para evitar que el mensaje se desvirtuase, la propia autora tomó las riendas del salto al cine de su criatura, codirigiendo la cinta junto al cineasta francés Vincent Paronnaud. Participaron en la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes pero las autoridades iraníes pusieron el grito en el cielo en contra de los programadores, ya que consideraron su inclusión como un acto político y anticultura, además de presentar una "cara irreal de los logros y resultados de la gloriosa revolución islámica".

No sólo no la retiraron, sino que fue galardonada con el Premio del Jurado, un aliciente más de cara a su estreno. Satrapi no entra en polémicas absurdas y asegura que, como demócrata, acepta críticas pero también ejerce su derecho de libertad de expresión, aunque no piensa regresar a Irán: "no es un Estado derecho y no se sabe qué puede pasar".

Pero volvamos a lo estrictamente cinematográfico: Satrapi ha decidido completar lo que ocurre entre una viñeta y otra: lo que hace el lector, gracias a la imaginación, ella lo estampa sobre celuloide para dárselo mascadito al espectador. Una historia como la de Persépolis bien merecía una adaptación: esos dibujos en los que explicaba de dónde procedía, cómo era su país y su familia tenían que llegar mucho más lejos.

La esencia se mantiene: Persépolis retoma el blanco y negro del cómic, con toda la gama posible de grises, sólo introduce guiños propios del cine expresionista alemán y neorrealista italiana, referencias surgidas de países que acababan de sufrir una guerra. La versión francesa cuenta con las voces de Catherine Deneuve y su hija Chiara Mastroianni. Para ambas será su primer gran papel en una cinta de animación. Deneuve, que da voz a Tadji, la madre de Marjane, dice que ante todo Persépolis logra algo muy complicado: "entretener, documentar y transmitir seriedad".

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Un universo verde... y de fábula. Se estrena Shrek Tercero

2007-06-30T09:44:00.000+02:00

Hay quien duerme mal en el Reino de Muy Muy Lejano, quien tiene pesadillas: está tranquilo en su ciénaga, con lodo hasta el cuello, comiendo un gusanito por aquí, eructando por allá, y de pronto...

¡Zas! Aparece el Príncipe Azul y te rompe el maravilloso clímax. El ogro más popular de todos los tiempos, el que ha hecho que cambie nuestra interpretación de los cuentos tradicionales, tiene otra idea de un futuro feliz y a nosotros ya no nos resulta extraña esa filosofía, después de visitar en dos ocasiones su universo verde que, por cierto, no está patrocinado por ninguna marca de cerveza.

Convertida en una de las franquicias más rentable de la productora de Steven Spielberg, Dreamworks, Shrek ha conectado con pequeños y mayores: lo de los menudos está claro, ya que se trata de un cuidado producto de animación; a los mayores nos ha atrapado por la curiosa revisión de los cuentos de hadas más clásicos, recuperando para nuestra alegría a Lobo Feroz, Pinocho, los Tres Ratoncitos Ciegos y el trío más cochino, sin olvidar al ya imprescindible Hombre de Jengibre y las incorporaciones de Merlín y unas cuantas princesas, fichajes estelares en esta tercera entrega.

En torno a una criatura más bien repugnante aunque con su punto seductor, se ha creado un complejo digno de ser explotado por las compañías que sacan todo el jugo de la Tierra. El filón Shrek ha generado una industria: secuelas, videojuegos, atracciones, muñecos, libros, un futuro espectáculo musical y lo que se conoce como 'spin-off', es decir, una película a partir de un personaje convertido en popular gracias a una saga, caso de Gato con botas, que se arrimó a Shrek y Asno en la segunda entrega y consiguió encaramarse a su propio lugar gracias a su carisma, con el alma de Antonio Banderas, y la labor de los cientos de animadores que le dotan de vida.

Desde comienzos de este año 2007 han empezado a bombardearnos con vídeos de promoción de Shrek Tercero: que sí su amada Fiona –embarazada- toma las riendas, que sí el ogro pasa de sus obligaciones monárquicas, que si Asno tiene celos del pequeño minino... Pero la pregunta con la respuesta más requerida es si Shrek tendrá más vida: Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Julie Andrews y Justin Timberlake ya han confirmado que seguirán poniendo voz a los personajes en, al menos, dos películas más.

Continuará también el malagueño, en castellano, inglés, italiano y puede que en japonés. Metido en su rol animado con personalidad arrolladora, conquistador irreverente y manipulador, espera que en 2010 llegue su protagonismo absoluto. Por ahora nos quedamos con Shrek Tercero, que ha dado resultado: medio mundo se ha rendido ante esta película y la otra mitad del orbe espera su estreno.
Pero Shrek suma y sigue: estrenada en 2001, inauguró la categoría de Mejor Película de Animación en los Oscar de aquel año y dicen que el próximo año podríamos verla de nuevo en la terna. Las peripecias del ogro se extenderán, además, a la televisión, en el especial navideño Shrek the halls, y a Broadway, donde se estrenará a principios de 2008 un musical que retoma el argumento de la película original. Y a todo esto, el que fue soltero de oro de la charca no tiene intención de ser rey: aparca la corona, el cetro y el manto, al menos por el momento.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Clásicos en Alcalá

2007-06-16T10:14:00.000+02:00

Del 14 de junio al 1 de julio, la ciudad complutense acoge el VII Festival de las Artes EscénicasYa está aquí y con él llegan a la región los últimos montajes que tienen como protagonistas al teatro más clásico y los textos más rompedores.

Por nuestro Siglo de Oro nos llevan de la mano Miguel de Cervantes, Calderón de la Barca, Lope de Vega, Tirso de Molina y Francisco de Quevedo. Además, estos guías tan especiales reciben cada año a un ilustre extranjero que en Alcalá de Henares se siente como en casa: William Shakespeare.

Cada año el ayuntamiento de la ciudad y la Comunidad de Madrid aúnan esfuerzos para que el cartel de este joven pero consolidado certamen abarque desde compañías veteranas hasta formaciones que se aventuran en este campo del clásico con prometedores montajes.

El sueño... de una cita con el teatro

Habrá versiones de textos para todos los gustos: desde El perro del hortelano y El alcalde de Zalamea, hasta obras más recientes en el tiempo como El sí de las niñas, de Leandro Fernández de Moratín, y uno tan conocido como el Don Juan.

Desde Italia llegarán dos montajes: La lacrime di Eros, de la Academia del Piacere Fhami Alghai, e Il Feudatario, una propuesta producida por Nuovo Teatro Nuovo y la Biennale de Venecia, en colaboración con la organización de Clásicos en Alcalá. Y Concha Bustos Producciones nos presentará, por si no le conocemos, a Cyrano.

No faltará Shakespeare y El sueño de una noche de verano, tampoco la Compañía Nacional de Teatro Clásico, habitual del festival, que pondrá en escena Los Romances del Cid, mientras la escisión joven de la formación hará lo propio con Las bizarrías de Belisa.

La programación completa puede consultarse en la página web del festival y no sólo aparecen las piezas teatrales, también las actividades paralelas: El séptimo clásico –proyecciones en la terraza del Teatro Salón Cervantes-, talleres de versos antiguos para niños modernos, un recuerdo a los clásicos insólitos y el ciclo de títeres de cachiporra, sin olvidar las exposiciones y los espectáculos de calle.

Una ciudad que se vuelca

El Teatro Salón Cervantes y el Corral de Comedias son los espacios principales donde se representará, durante la segunda quincena de junio, un total de quince espectáculos. Pero hay otros escenarios alcalaínos que se adecuan para la llegada de los clásicos, como el Teatro Universitario Lope de Vega y el Museo Arqueológico Regional, y los espacios al aire libre del Parque O'Donell, el Jardín de Jovellanos y el casco histórico.

Desde hace ya siete años, Alcalá de Henares y Almagro se disputan el titulo de capital del teatro clásico. Si bien es cierto que la localidad manchega tiene una experiencia de tres décadas organizando este tipo de eventos, en Alcalá no se quedan atrás. Dicen que en 2006 bajó el telón la mejor edición de Clásicos en Alcalá, afianzándose como una cita obligada para los amantes del buen teatro clásico. Un festival joven que ha logrado labrarse un merecido hueco en el panorama cultural.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Turismo Madrid.

Los clásicos, en Mérida

2007-06-16T10:04:00.000+02:00

Festival de Mérida 2007. La mujer, protagonista.

Tragedia clásica, música y danza contemporánea son los platos fuertes de una cita a la que concurren escenógrafos como José Carlos Plaza, Calixto Bieito, Nacho Duato y Cesc Gelabert.

El 12 de julio comienza nuestra regresión habitual al pasado, la que hacemos cada año en el Festival de Teatro Clásico de Mérida que, en su edición número 53, se alarga durante los siguientes 45 días, hasta el 26 de agosto.

Hasta entonces tendremos tiempo para degustar los platos servidos de manera primorosa en 68 representaciones de 19 espectáculos distintos que ocuparán los escenarios de la alcazaba árabe, el foro romano, la ribera del Guadiana y monumentos de la villa milenaria. Imposible olvidarse del imprescindible Teatro Romano, en torno al que se creó este evento, camino de convertirse en gran cita de artes clásicas, y cuyas gradas vienen acogiendo desde hace más de 2.000 años aficionados a este arte tan antiguo.

Las mujeres son este año las protagonistas y el motor que impulsa el certamen extremeño, no como homenaje, sino para analizar la sociedad. El tema se eligió, según el responsable del certamen emeritense, Francisco Carrillo, debido a que en la heroína, en todas sus facetas y de todos los tiempos, está el origen de muchos problemas a los que hoy día se enfrenta la mujer.

Con dirección de Plaza y dramaturgia de Juan Mayorga, Ana Belén se meterá en la piel de Fedra. La actriz no pisaba el entarimado del teatro desde hacía una década, aunque en esta ocasión estará bien arropada por uno de sus escenógrafos fetiche y también por la veterana maestra de actores Alicia Hermida y el joven Fran Perea.

Bieito se encargará de denunciar la indecencia moral de las guerras en su revisión de Los persas, una tragedia subtitulada por Esquilo como Réquiem por un soldado y que el director se encarga de situar en el Afganistán de nuestros días. Natalia Dicenta, Rafa Castejón y Roberto Quintana se ponen a las órdenes de Bieito, que seguro que nos sorprenderá y se las arreglará para que nos olvidemos del calor veraniego en Extremadura.

En Mérida se rinde tributo al dramaturgo Manuel Martínez Mediero con Lisístrata, que confronta a los dos sexos, a un lado Miriam Díaz-Aroca y Teté Delgado, y a otro, Nancho Novo. Aquí también se despedirá de los escenarios españoles el bailarín argentino Julio Bocca. Lo hará con Adiós, hermano cruel, un capítulo especial de danza que se completa con la presencia de la Compañía Nacional de Danza 2, con Nacho Duato al frente, y Orión 58, de Cesc Gelabert.

Los niños también tienen cabida en la capital extremeña, ya que en el Foro Romano tendrá lugar la representación de Jardín de Mitos, un espectáculo que se suma al montaje que se aproxima al mito de Electra y las obras Cuando uno quiere y otro no y Metamorfosis. Teatro clásico, vestido con traje nuevo, en Mérida.

Visita la web del festival.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Viaja hasta el Siglo de Oro, viaja hasta Almagro

2007-06-16T09:54:00.000+02:00

Festival de Almagro 2007. 25 días de teatro clásico...

Nos vamos hasta el corazón de La Mancha para celebrar los primeros 30 años de un certamen dedicado, casi en exclusiva, al teatro de nuestro Siglo de Oro.

Del 28 de junio al 22 de julio, en Almagro nos dan todas las facilidades del mundo para acudir a la puesta en pie de los escritos de Miguel de Cervantes, Ramón de la Cruz, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Tirso de Molina y muchos otros.

Y no sólo nos guían por los lugares donde pudieron ambientarse sus obras, sino que también nos presentan a ilustres visitantes, como Shakespeare y Molière.

Muchos ya se han acostumbrado a disfrutar de la palabra viva en el Hospital de San Juan, el Teatro Municipal, el Patio de Fúcares y la Iglesia de las Bernardas, sin olvidar a los privilegiados que viajan en el tiempo una vez que pasan por las puertas del mítico Corral de Comedias. En total serán 21 los espacios que reciben las representaciones de compañías españolas y otras procedentes de países tan lejanos y diferentes como Japón, Congo, Brasil y Francia.

Ellos son los encargados de poner en escena textos clásicos y otros escritos actuales, surgidos del imaginario propio del siglo XXI, pero a partir de la filosofía teatral del Renacimiento y el Barroco. Por ello en un mismo certamen acaban coincidiendo creadores tan dispares como Albert Boadella, al frente de Els Joglars, Magüi Mira, Rafael Álvarez "El Brujo" y Norma Aleandro que, además de presentar Sobre el amor y otros cuentos sobre el amor, recibirá el 7º Premio Corral de Comedias.

A lo largo de los 25 días que dura esta cita con los clásicos, los 8.000 habitantes de la ciudad y los 50.000 visitantes tendrán oportunidad de descubrir perlas curiosas: dos vienen de lejos, la Boyokani Company desde África Central y la Shanghai Peking Opera Trouppe, formaciones que se acercarán a Hamlet. Son primerizas a la hora de viajar a Ciudad Real; no ocurre igual en el caso de la Royal Shakespeare Company, la Comedie Française, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Teatro Nacional de Catalunya, entre otras.

Los dramáticos radiofónicos desaparecieron casi por completos de las programaciones generalistas, pero una vez al año, Radio Nacional de España organiza una noche de radio teatro en directo. En esta edición, Juan Margallo afronta la dirección de Los farsantes en el foso, una selección de textos de los autores más codiciados, el padre del Quijote a la cabeza. Todo sea porque el festival de la palabra se celebre, como mínimo, durante otros 30 años más.

Si quieres conocer la programación completa, entra en la página web del XXX Festival de Almagro.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... Ocean's Thirteen

2007-06-02T09:45:00.000+02:00

Con ánimo de venganza regresan los chicos de Danny Ocean, que preparan un nuevo asalto en una historia que promete, como siempre, más acción y mucho humor.

El ladrón de guante blanco más guaperas del cine, George Clooney sigue al frente de la banda que pretende en esta ocasión timar a Al Pacino, propietario de un gran casino en Las Vegas.

El cineasta Steven Soderbergh ha sabido rentabilizar esta gallina ponedora de diamantes, una muestra de "entretenimiento puro y sin adulterar". Entre Ocean y Ocean rueda sus experimentos, como Bubble y seguirá así mientras dure el tirón... Es lo que piensan todos.

En el apartado femenino, Ellen Barkin toma el relevo de Julia Roberts y Catherine Zeta-Jones. La veterana actriz entrará con fuerza en las vidas de Brad Pitt y Matt Damon, que secundan a Clooney. También repiten Don Cheadle, Andy García, Bernie Mac, Scott Caan y Casey Affleck, que le han cogido gustillo a eso de apropiarse de dinerillo ajeno, aunque ya saben lo que dicen: quien roba a un ladrón...

Este año tocaba presentación de lujo en Cannes y dado el lado solidario de nuestras estrellas, a nadie le extrañó que no sólo posarán frente a las cámaras, sino también hablasen acerca de la crisis humanitaria en Darfur, la región sudanesa presa de una guerra civil desde 2003 y en la que han fallecido más de 200.000 personas, sin olvidar los dos millones de desplazados que ha originado.

El Festival de Festivales que tan buen recuerdo le trae al jefe de todo esto (Soderbergh se alzó con la Palma de Oro con sólo 26 años y su ) les ha servido para calentar motores con esta nueva entrega, que promete ser más espectacular y retorcida que las anteriores reuniones de amigos. Por cierto, quien piense lo contrario se equivoca: cada rodaje de los Ocean's es una fiesta de reencuentros.

Gracias al último han vuelto a coincidir Andy Garcia y Al Pacino, rostros de El Padrino de Francis Ford Coppola. Ellos adoptan el papel de malos en esta saga iniciada en 2001 con Ocean's Eleven, versión de una cinta de 1960, con Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Dean Martin y Peter Lawford en los papeles principales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... Siete mesas (de billar francés)

2007-06-02T09:41:00.000+02:00

Blanca Portillo y Maribel Verdú protagonizan la nueva aventura en la que se embarca la guionista y directora Gracia Querejeta, con sentimientos y seres reales como tripulantes.

Tres mujeres de edades diferentes atraviesan por un momento complicado en su vida. Las tres –entra en juego la casi debutante Lorena Vindel- encarnan la película "más vomitada" de Querejeta, ya que bebe de vivencias personales que, plasmadas sobre el papel, no tienen mucho que ver con el argumento final: una mujer regresa desde Vigo a Madrid; su padre, un jugador de billar profesional, acaba de fallecer y ella tiene que aprender a relacionarse con la viuda de su progenitor.

Vuelve a colaborar en el guión con David Planell y al igual que ocurrió con Héctor, ambientada en el madrileño barrio de Aluche, Siete mesas... supone echar un vistazo al barrio de siempre, el de los billares y los bares. Se hace desde una óptica diferente, la de dos mujeres derrumbadas y completamente opuestas que se unen para poner en pie un negocio en ruinas y conseguir con ello, además de un medio para vivir, un sueño que dé sentido a sus vidas.

En fase de post-producción se encuentra éste, su quinto largometraje, otro relato envuelto en la fatalidad protagonizado por personajes luchadores. Como siempre ocurre con sus títulos, tiene moraleja: "hasta de las situaciones más tremendas se puede salir adelante". Su filmografía tiene un sutil sentido de la acidez, una mirada irónica incluso hacia los dramas más intensos, como Una estación de paso y El último viaje de Robert Rylands, pero la cineasta madrileña define la última como su trabajo con más sentido del humor, "con chispas que equilibran la balanza para que el espectador pueda esbozar una sonrisa".

Conforme avanza nuestra edad suele costarnos más hacer amigos, todo lo contrario de lo que ha ocurrido durante el rodaje de esta película: Portillo, Verdú y Querejeta han establecido una especie de núcleo duro, un trío con afinidad especial y mucha sensibilidad a la hora de contar historias, que al fin y al cabo, es de lo que se trata. Las tres han congeniado y cada una ha afrontado de manera diferente este proyecto que aborda la soledad, la amistad y la posibilidad de abrirse a los demás.

Con esta "obra de arte" Maribel Verdú regresa al cine después de años sin papeles protagonistas. Debe aprovechar el tirón que ha supuesto El laberinto del fauno y las colaboraciones en Las 13 rosas y Oviedo Express. Su elección se debió a que era capaz de conjugar potencia dramática y candidez. Ella aceptó sin pensarlo y ahora, después del rodaje, asegura que se trata del papel más difícil que ha hecho, que nunca se había sentido tan protagonista. En el caso de Blanca Portillo, la actriz todoterreno se encontró con un personaje pensado expresamente para ella, repleto de ironía. Algo asustada por el posible resultado, considera que es lo máximo a lo que puede aspirar un actor y además con un papel de tanto peso.

Jesús Castejón, Enrique Villén, Ramón Barea, Amparo Baró y José Luis García Pérez completan el reparto de esta producción respaldada por Elías Querejeta que se estrenará en septiembre y quién sabe si lo hará en el marco del Festival de San Sebastián, donde destacó Cuando vuelvas a mi lado en el año 2000.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... Harry Potter y la Orden del Fénix

2007-06-02T09:35:00.000+02:00

Daniel Radcliffe cumplirá su mayoría de edad poco después de su estreno. Como le dé por repetir curso corre el riesgo de convertirse en el más anciano de Hogwarts, con permiso del director Dumbledore.

Aún le quedan dos películas y quizás una tercera. Pero como aún no han comenzado a rodar Harry Potter y príncipe mestizo –en cuyo reparto está confirmada Naomi Watts-, lo que toca es conocer qué hay detrás de la Orden del Fénix.

Harry está más cerca del hombre en que está a punto de convertirse que del niño con gafas y toque repelente que se presentó en las pantallas de todo el mundo en diciembre de 2001. Habían pasado cinco años desde que su madre, la escritora J.K. Rowling, pusiera punto y aparte a las páginas de la primera de las aventuras de una saga que casi toca a su fin.

El Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería ha tenido vidilla durante estos años en los que el huérfano aprendiz de mago encontró la cámara secreta, conoció al prisionero de Azkaban y luchó en el Torneo de los Tres Magos por el Cáliz de Fuego. El filón sigue dando frutos aunque tendremos que esperar hasta el mes de julio para ver en que ha quedado la adaptación que del quinto volumen de la serie ha dirigido David Yates. El debutante en el terreno fantástico filmará la siguiente entrega a partir de septiembre. Recoge el testigo iniciado por Chris Columbus (guionista de Gremlins y Los goonies, director de Solo en casa), Alfonso Cuarón (Hijos de los hombres, Y tu mamá también) y Mike Newell (un veterano que tiene pendiente El amor en los tiempos del cólera).

En Tokio tendrá lugar el estreno mundial de la última entrega de las peripecias del mago y sus amigos Ron y Hermione–encarnados por Rupert Grint y Emma Watson-, ya entraditos en años y lejos de las 11 primaveras que tenían mientras buscaban la piedra filosofal. Como todo adolescente, el trío se enfrenta al amor, a los celos y al varapalo de la muerte. Y si ya es difícil crecer, imagine que tiene que adentrarse en un mundo mágico dominado por el malvado Lord Voldemort –asesino de los padres de Potter- y hacerlo sin protección, ya que la profesora de la asignatura de defensa contra las artes oscuras es más bien inepta.

La historia promete acción y, como viene siendo habitual, el largometraje tendrá un tono más oscuro que el anterior, ya saben, por lo convertirse en adultos y, también, inmiscuirse en el terreno de las tinieblas. Entre las novedades, además del protagonismo de los personajes de Luna –papel que recayó en una fan- y Cho, la novieta de Harry, la trinidad de maestras formada por Imelda Staunton, Emma Thompson y Maggie Smith y las posibles apariciones de John Cleese y Kenneth Branagh, sin olvidar la incorporación de Helena Bonham Carter como compañera de maldades de Ralph Fiennes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... 28 semanas después

2007-06-02T09:29:00.000+02:00

Danny Boyle le mandó deberes a Juan Carlos Fresnadillo: idear un argumento original para la secuela de una cinta con estilo definido, a medio camino entre la serie B y el cine con sustancia.

Los avales de nuestro compatriota tenían forma de cortometraje privilegiado por Hollywood (Esposados) y largo bastante peculiar con protagonista omnipresente, Leonardo Sbaraglia, introducido en una espiral de irrealidad (Intacto).

Aceptado el encargo y recibidas las pautas, el cineasta canario que pretende emular a David Lynch se puso a trabajar para mostrar un Londres apocalíptico que en los últimos años había sido referenciado en V de Vendetta, Hijos de los hombres y, por supuesto, 28 días después.

Su ejercicio se inicia seis meses más tarde de un hecho que fue narrado a modo de videoclip, una técnica no exenta de riesgo, por el responsable de Tumba abierta, Trainspotting, La playa y la recién estrenada Sunshine. La actualización de títulos míticos como La noche del cometa (éste sí que entronca con la serie B) y El último hombre vivo sobre la tierra (con Charlton Heston deambulando por calles semidesiertas) se adaptaba a los rigores del audiovisual hecho en el nuevo siglo, aunque con una originalidad argumental discutida.

Había que darle una vuelta de tuerca al germen de la historia: una epidemia diezma la población británica y el que no se ha convertido en un caníbal rabioso, debe correr para salvar su vida. Boyle, que actúa aquí como productor ejecutivo, quería que su continuador sorprendiese sin repetir patrones y el canario apostó por bucear en el plano real del relato a través del género documental.

Para ello se ha rodeados de actores solventes: Robert Carlyle, un habitual de Boyle encabeza el reparto, donde también encontramos a Rose Byrne (Troya, Sunshine), Catherine McCormack, que es como nuestro río Guadiana –soberbia al dejarse cortar el cuello al inicio de Braveheart- y Harold Perrineau, procedente del vuelo Oceanic 815, con escala en la isla de Lost (Perdidos).

Esperamos no sentirnos defraudados por un cineasta que ya ha dado muestras de que va por otros lares, algo alejados del camino de lo estrictamente comercial. Su punto de partida es, por si mismo, sugerente: plantear una nueva sociedad a partir de la reconstrucción y la repoblación, un nuevo país condicionado por un recuerdo demasiado cercano que puede cobrar forma de nuevo. La ciencia ficción y el terror sirven para provocar una reflexión acerca de lo que implica nuestro mundo, rodeado de amenazas creadas por nosotros mismos.

A unas semanas de su estreno en España, empezamos a cuestionarnos: ¿Estaremos ante un nuevo y mareante batiburrillo de rápidos movimientos de cámara montados a ritmo de rock duro? ¿Aprovechará el director el nivel de los actores que le acompañan en su aventura británica y dejará su impronta en una secuela que debe luchar contra su antecesor, amado y odiado por igual? ¿Se sumará Fresnadillo a la larga lista de cineastas alimentados por la industria anglosajona: Del Toro, González Iñárritu, y Cuarón?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

De padres a hijos

2007-05-05T10:09:00.000+02:00

Gutiérrez-Caba, Goyanes, Flores, Bardem, Isbert, Guillén-Cuervo... Son apellidos que siempre hemos asociado al teatro y en muchos casos se han convertido en marca de calidad. Son las sagas familiares en el escenario.

La interpretación ha sido su mejor herencia y muchos de los que hoy se suben a las tablas tienen 4, 5 e incluso 6 generaciones a sus espaldas. Es el caso de los Gutiérrez-Caba. Julia y Emilio, se mantienen en la brecha después de perder en 1995 a su hermana Irene. También Gemma Cuervo y Fernando Guillén, padres de Cayetana y Fernando. Los Larrañaga-Merlo, María Luisa y Carlos (hermano de Amparo Rivelles), inculcaron el veneno del teatro en varios de sus hijos: Amparo, Luis y Pedro, dedicado a la producción y la gestión del madrileño Maravillas y casado con la actriz Maribel Verdú.

Indagando en los árboles genealógicos siempre encontramos curiosidades: pocos sabían que fuesen hermanos los actores Lola Dueñas (hija a su vez de Nicolás Dueñas) y Andrés Lima, también director de Animalario; otros creen que Adriana y Emma Ozores son hermanas, pero en realidad les une el parentesco de primas (hijas de José Luis y Antonio, respectivamente). Hay padres retirados de los escenarios, como Pepa Flores, cuya impronta artística se mantiene gracias a su prole: la actriz María Esteve y la cantante Celia Flores, hijas también del fallecido Antonio Gades.

Lola Flores y Antonio González, 'el Pescailla', iniciaron una saga. Desde que fueron presentados en sociedad, Lolita, Antonio y Rosario han alternado el teatro y el cine con la canción. La tercera generación de los Flores ya trabaja: ahí están Alba Flores, hija del malogrado Antonio, que después de debutar a las órdenes de Esteve Ferrer, participa en El sueño de una noche de verano, mientras su prima Lena Furiase ya ha rodado con su madre, Lolita, una serie de televisión.

Algo parecido con la sucesión artística de los Flores ocurre en casa de los Rabal: Asunción Balaguer y Francisco Rabal se casaron y tuvieron dos hijos, Benito y Teresa. Los dos se dedicaron al audiovisual y a la interpretación, dando una nueva generación de actores, como Candela y Liberto, que a día de hoy trabajan con su abuela. Y no son los únicos, ya que Bárbara Lluch ha compartido entarimado con su abuela Nuria Espert, madre a su vez de Nuria Moreno.

De Argentina se vino Cristina Rota embarazada de Nur Al Levi, musa de Fernando Colomo en El próximo Oriente y también en El sueño.... Venía con dos niños pequeños, Juan Diego y María. Son los Botto, herederos de una tradición teatral bonaerense y criados en la efervescencia cultural madrileña. Algo más mayorcitos llegaron Ernesto y Malena Alterio, instalados aquí cuando su padre Hector fue amenazado de muerte por la Triple A, grupo de ultraderecha cuyas siglas responden a la Alianza Anticomunista Argentina.

Padres e hijos no suelen subirse juntos a las tablas: son los casos de Juan José y Sergio Otegui (uno en Visitando al señor Green, el otro en Splendid´s), de Ana Belén y Marina San José (de gira con Móvil, de Miguel Narros), de Vicky Peña (En casa/En Kabul)y sus padres, Felipe Peña y Montserrat Carulla (Barcelona, mapa de sombras). Las excepciones vienen con los nombres de Manuel y Nuria Gallardo, padre e hija, y Ángela y Olivia Molina, que no ha actuado con sus tíos Miguel y Mónica, entregada a la música. Juntas interpretaron El graduado, al igual que recorrieron España con Solas Lola Herrera y Natalia Dicenta, hija del fallecido Daniel Dicenta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Madrid, ¿capital del musical?

2007-05-04T20:25:00.000+02:00

Hace años que la Gran Vía dejó de ser mera sucursal de Broadway o del West End londinense para convertirse en escaparate del género, con gangas y alguna que otra pieza de alta costura.

La moda se convirtió en costumbre en muy poco tiempo. Hace una década era casi impensable levantar un espectáculo de estas características, ya que faltaba lo principal, el entramado: muy pocos intérpretes se habían especializado en teatro musical y nadie en su sano juicio arriesgaba en inversiones desmedidas.

Quienes se atrevían sabían que rentabilizar una producción así era cosa de años. Los primeros en colgar el cartel de ‘no hay entradas’ fueron El fantasma de la Ópera y La Bella y la bestia, sin olvidar montajes de factura nacional como El hombre de la Mancha, con José Sacristán y nuestra Julie Andrews castiza, Paloma San Basilio, entregada a este género (My fair lady, Víctor o Victoria).

Agencias de viajes de todo el país empezaron a ofertar paquetes turísticos con un producto básico: un par de entradas a cualquiera de estos montajes. De todo el país llegaron a Madrid los que conocían al dedillo las letras de Cats y Chicago y aficionados a Mecano lo siguen haciendo para disfrutar de los más de los 200 minutos de Hoy no me puedo levantar, la obra más veterana en cartel.

Hay títulos que no han calado hondo y por eso han hecho sólo una temporada, y ya es un triunfo en muchos casos. Recordamos el ejemplo de Fama o los escasos 9 meses que se mantuvo en 2003 We will rock you, sobre el mítico grupo Queen. A veces, como ha ocurrido con éste, se les concede una segunda oportunidad, apoyada en una mejor gestión o un cambio de reparto, cosa que no harán con Los Productores, presentado como la gran promesa de la temporada en el Coliseum.

Los errores vienen de producciones nefastas que acaparan el escaso hueco habilitado para este tipo de espectáculos. Fue el caso de Casa de locos, un desmedido y pretencioso alegato contra la violencia de género, propuestas interesantes con escaso apoyo (Tarantos) y otras mal concebidas, como Judas, el musical. Y ya que andamos por lares bíblicos, el 20 de septiembre se estrena una nueva versión de un musical que revolucionó la escena española hace tres décadas. Jesucristo Superstar subirá el telón del Lope de Vega, que durante tres temporadas ha acogido Mamma Mía! con las canciones de Abba.

La legendaria ópera-rock popularizada por Camilo Sesto, Teddy Bautista y Angela Carrasco, regresa para tratar de impactar a las nuevas generaciones como lo hizo cuando se representó en Nueva York y Londres antes de llegar a las pantallas de todo el mundo. Veremos en qué queda la nueva adaptación sobre los últimos siete días en la vida de Jesús desde el punto de vista del discípulo traidor.

La última actuación de Mamma Mía! será el 3 de junio. No sabemos si seguirá los pasos de Cabaret que, tras salir de la cartelera madrileña, está recorriendo España hasta recalar en otoño en el Teatro Apolo de Barcelona, ciudad desde la que partieron propuestas 100% españolas como Mar y cielo y El Mikado, de Dagoll Dagom. No hemos asistido aún al desgaste del público, todo lo contrario: el musical crea afición y quien asiste a la representación de uno, está deseando volver a hacerlo, mucho mejor si es a uno diferente. Por eso devoran los rumores y esperan impacientes las confirmaciones de nuevos estrenos, como los de Grease y Dirty Dancing, y algún recuerdo, como el de La Bella y la bestia.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... 28 semanas más tarde

2007-05-04T20:20:00.000+02:00

Danny Boyle le mandó deberes a Juan Carlos Fresnadillo: idear un argumento original para la secuela de una cinta con estilo definido, a medio camino entre la serie B y el cine con sustancia.

Los avales de nuestro compatriota tenían forma de cortometraje privilegiado por Hollywood (Esposados) y largo bastante peculiar con protagonista omnipresente, Leonardo Sbaraglia, introducido en una espiral de irrealidad (Intacto).

Aceptado el encargo y recibidas las pautas, el cineasta canario que pretende emular a David Lynch se puso a trabajar para mostrar un Londres apocalíptico que en los últimos años había sido referenciado en V de Vendetta, Hijos de los hombres y, por supuesto, 28 días después.

Su ejercicio se inicia seis meses más tarde de un hecho que fue narrado a modo de videoclip, una técnica no exenta de riesgo, por el responsable de Tumba abierta, Trainspotting, La playa y la recién estrenada Sunshine. La actualización de títulos míticos como La noche del cometa (éste sí que entronca con la serie B) y El último hombre vivo sobre la tierra (con Charlton Heston deambulando por calles semidesiertas) se adaptaba a los rigores del audiovisual hecho en el nuevo siglo, aunque con una originalidad argumental discutida.

Había que darle una vuelta de tuerca al germen de la historia: una epidemia diezma la población británica y el que no se ha convertido en un caníbal rabioso, debe correr para salvar su vida. Boyle, que actúa aquí como productor ejecutivo, quería que su continuador sorprendiese sin repetir patrones y el canario apostó por bucear en el plano real del relato a través del género documental.

Para ello se ha rodeados de actores solventes: Robert Carlyle, un habitual de Boyle encabeza el reparto, donde también encontramos a Rose Byrne (Troya, Sunshine), Catherine McCormack, que es como nuestro río Guadiana –soberbia al dejarse cortar el cuello al inicio de Braveheart- y Harold Perrineau, procedente del vuelo Oceanic 815, con escala en la isla de Lost (Perdidos).

Esperamos no sentirnos defraudados por un cineasta que ya ha dado muestras de que va por otros lares, algo alejados del camino de lo estrictamente comercial. Su punto de partida es, por si mismo, sugerente: plantear una nueva sociedad a partir de la reconstrucción y la repoblación, un nuevo país condicionado por un recuerdo demasiado cercano que puede cobrar forma de nuevo. La ciencia ficción y el terror sirven para provocar una reflexión acerca de lo que implica nuestro mundo, rodeado de amenazas creadas por nosotros mismos.

A unas semanas de su estreno en España, empezamos a cuestionarnos: ¿Estaremos ante un nuevo y mareante batiburrillo de rápidos movimientos de cámara montados a ritmo de rock duro? ¿Aprovechará el director el nivel de los actores que le acompañan en su aventura británica y dejará su impronta en una secuela que debe luchar contra su antecesor, amado y odiado por igual? ¿Se sumará Fresnadillo a la larga lista de cineastas alimentados por la industria anglosajona: Del Toro, González Iñárritu, y Cuarón?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Splendid's, el lado menos conocido de Jean Genet

2007-04-20T19:25:00.000+02:00

Nada es lo que parece en este atrevido e inédito montaje para amantes de lo políticamente incorrecto, una obra que combina la acción policíaca con el drama de sentimientos.

Un grupo de pistoleros toma como rehén a la hija de un multimillonario en la séptima planta de un hotel. En la tensa espera antes de la llegada de la policía sale a escena el verdadero sentido de esta pieza, tan inusual que lleva a José Carlos Plaza a catalogarla como función a contracorriente.
En hora y media, tiempo real, los secuestradores se van despojando de sus capas, pasando del lujo y la grandiosidad al detritus, dirigiéndonos hacia la parte más oscura, allí donde nadie quiere mirar. A sus 63 años, el director teatral se reencuentra con el Centro Dramático Nacional, y lo hace embarcando a sus actores en una montaña rusa de la que les va a ser imposible bajar.

El maestro se ha dejado atrapar por el sentido de la ruptura de esquemas éticos, estéticos y sociales de un rara avis de la creación literaria y la vida en general. Pasó parte de su vida entre rejas, condenado por robo y homosexualidad, pero llegó a ser galardonado con el Premio Nacional de Literatura dos años antes de morir, en 1986. Hablar de él es meter la mano en la inmoralidad, en otros terrenos de la norma, en definitiva, un gran placer para el heredero de las enseñanzas de William Layton. Yo, Claudio, Solas y Afterplay fueron sus últimos montajes: ninguno de ellos típico, pero Splendid's da una vuelta de tuerca.

Después de muchas vicisitudes, cambios de título y múltiples correcciones, el texto vio la luz a comienzos de los años cincuenta, pero Genet impidió su publicación y destruyó todos los ejemplares, todos menos uno, que cayó en manos de Jean Paul Sartre, que lo destacó por encima de otros textos como la pieza teatral Las criadas y la novela Querelle de Brest. La versión de Mauro Armiño respeta el texto original y realza el otro lado de una obra que en apariencia es fácil, aunque sólo hasta que entramos en la gran mentira rompiendo el caparazón y comprobando hasta qué punto el autor vomita su concepción de la vida a través de personajes que escupen a la cara.

Talento y pasión se dan cita en este montaje que apela a nuestro subconsciente y que estará en cartel hasta el 3 de junio en el Teatro Valle-Inclán. Se trata de teatro de actores 'inteligentes, cultos y valientes y capaces de no relajarse ni un momento', en palabras de Plaza: 'se han sacrificado durante dos meses para adentrarse en mundos emocionales alejados de los reales, no porque no existan, sino porque no los queremos ver hoy día'.

A Plaza el texto le atrapó desde el momento en que se lo pasó Gerardo Vera, gestor del CDN. Se fue al original en francés y su cabeza empezó a maquinar cómo poner en escena este texto tan dramático como complejo, lleno de referencias poéticas, literarias e incluso filosóficas que deben ser digeridas por el espectador. Sólo impuso dos condiciones: trabajar con el mismo equipo de siempre, con el que levanta historias desde hace tres décadas, y elegir el reparto, en el que aparecen valores confirmados y en perfecta sintonía, como Sergio Otegui, Israel Frías, Antonio Zabalburu y Patxi Freytez, sin olvidar al veterano Helio Pedregal.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

X Edición de los Premios Max

2007-04-20T19:21:00.000+02:00

La cabra o ¿quién es Silvia?, de José María Pou, y el drama Divinas palabras, del Centro Dramático Nacional, fueron las grandes triunfadoras en una noche dedicada a rescatar a la danza del olvido de los medios.

Con motivo de la entrega de estos premios impulsados por la SGAE, el Palacio Euskalduna de Bilbao 'danzó' bajo la coreografía orquestada por la catalana Sol Picó y se rindió ante Pou: mejor director de escena por La cabra... –por encima de Lluís Pasqual, por Hamlet, y Joaquín Solanas, por Antígona tiene un plan-, y los premios al mejor espectáculo, mejor adaptación teatral y mejor empresario, junto al Teatro Romea.

El actor y director catalán reivindicó la absoluta locura que envuelve al oficio y se despidió con el deseo de que 'sigamos todos estando como una cabra'. Lo cierto es que tuvo muchas oportunidades de dedicar palabras: los galardones confirman la buena relación que mantiene con la profesión, las instituciones (en octubre le reconocieron con el Premio Nacional de Teatro) y el público, después de una larga gira por España y el desembarco en Madrid, sin fecha de salida. No pudo hacer el pleno al quinteto de opciones a premio y vio como el de mejor actor recayó en manos de Eduard Fernández, por dar vida al príncipe de Dinamarca más shakesperiano.

El de mejor actriz fue para Laia Marull. De regresó al cine, cautivó a todos los que la vieron en el montaje Nina. Allí estuvo dirigida por Salvador García Ruiz, uno de los directores que más partido han sacado de ella en imágenes (Mensaka, Las voces de la noche), y ahora también sobre las tablas. El drama Divinas palabras, basado en la obra homónima de Valle Inclán, no destacaba en las quinielas pero consiguió tres de los cuatros premios a los que optaba: mejor actriz de reparto, para Julieta Serrano, mejor iluminación y mejor escenografía.

Los integrantes de los montajes Antígona tiene un plan –premiada con el Max al mejor espectáculo de teatro musical- y Peer Gynt sumaron su decepción general a las de otros en el terreno de la danza: Marta Carrasco, con J'arrive, se quedó sin ninguno de los cinco galardones a que optaba, mientras 13 rosas, de Arrieritos, se alzaba como el mejor espectáculo de danza del año 2006. La catalana Lluisa Cunillé recogió el Max al mejor autor teatral en castellano por barcelona,, texto que ha llevado al cine Ventura Pons.

En una noche de nervios, como todas en las que se reparten pasteles, sólo algunos asistieron con la seguridad de que iban a salir con manzana en mano: el bailarín argentino Julio Bocca, galardonado con el premio hispanoamericano, el escritor y dramaturgo, Fernando Arrabal, premio de honor, el director de escena Vicente León, premio de la crítica y la sala bilbaína de artes escénicas La Fundición, premio de nuevas tendencias.

Y como en toda gala que se precie, el tono reivindicativo se respiraba en el ambiente, o mejor dicho, en la puerta, ya que un grupo de intérpretes se congregaron ante la entrada de invitados para denunciar la situación de dejadez a la que, consideran, les somete las instituciones culturales del País Vasco.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... Mataharis

2007-04-20T19:16:00.000+02:00

Carmen, Inés y Eva son detectives privados pero no llevan sombrero ni pistola, sino que hacen la compra, cambian pañales y tratan de mantener una pareja.

Mientras trabajan desvelando secretos ajenos, las tres mujeres descubrirán que existen mentiras propias que no han sabido ni querido ver y hay verdades que es mejor no revelar.

Asegura Iciar Bollain que no se hacen películas sobre gente que es feliz y repasando su filmografía, todos sus personajes apoyan esta máxima al ser víctimas de carencias afectivas (Flores de otro mundo), buscar una vida mejor (Hola, ¿estás sola?) o sufrir una existencia dominada por un verdugo del que se está perdidamente enamorado (Te doy mis ojos).

¿Cuándo rodará una película donde no existan conflictos ni problemas? Nunca. Esa es su respuesta aunque no es algo que obsesiona a quien parafrasea a Tolstoi: 'todas las familias felices son iguales'. ¿Aburridas? No, simplemente menos complejas y ricas en trances y problemas. Ella apuesta por la diversidad argumental y su cuarto largometraje como directora, una historia de mujeres detectives, lo corrobora. La idea de Mataharis parte de una noticia aparecida hace unos años en prensa acerca de una agencia de investigadores secretos en China que funcionaba muy bien porque todas las agentes eran mujeres.

Nawja Nimri (El método), María Vázquez (Silencio roto, La noche de mi hermano)y Nuria González (Pudor, El Calentito) son las agentes especiales. Ellas representan tres modelos muy diferentes de mujer retratados con el humor como telón de fondo y aunque no se trata de una comedia, plantea situaciones divertidas, un tempo propio diferente y, desde luego, menos claustrofóbica y cerrada que Te doy mis ojos.

Después del éxito que supuso la cinta protagonizada por Luis Tosar y Laia Marull, con 7 premios Goya, Bollain emprendió una limpieza para empezar de cero, 'con modestia y despacito', aunque hay temáticas y líneas argumentales que no pretende borrar, como el protagonismo de la mujer frente a la escasez de historias sobre ellas, y la visión femenina en las relaciones hombre-mujer, algo que le provoca la misma curiosidad desde que realizó su ópera prima en 1995.

Las actrices tienen como compañeros de reparto a Tristán Ulloa, el televisivo Diego Martín, Antonio de la Torre (Volver, AzulOscuroCasiNegro) y Fernando Cayo, ahora recorriendo España con la obra teatral El curioso impertinente. Ellos son parte fundamental de las relaciones que pasan por el tamiz de Bollain, esas que sólo se sostienen por algo tan frágil y tan fuerte a la vez como es la confianza.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

De Jamón, jamón a Woody Allen

2007-04-14T11:23:00.000+02:00

Y 15 años después de trabajar a las órdenes de Bigas Luna se volvieron a encontrar gracias a que un cineasta neoyorquino y un poco histriónico se fijó en ellos para su aventura española.

Penélope Cruz y Javier Bardem se conocieron pasando texto junto a Armando del Río y Jordi Mollá. A sus 22 años, el sobrino de Juan Antonio e hijo de Pilar tenía pequeños papeles a sus espaldas (Amo tu cama rica, Tacones lejanos, Las edades de Lulú) aunque si él era desconocido, mucho más la madrileña, que tenía 17 años y sólo tenía en su haber algún videoclip de Mecano.

De ellos dijeron que llegarían muy lejos, aunque nadie imaginó que pondrían una pica en Hollywood: los dos tienen el honor de haber sido los primeros intérpretes españoles en ser candidatos a un Oscar, él por Antes que anochezca, ella por Volver. Y aunque sus caminos se separaron muy pronto, los dos coinciden a la hora de valorar su momento en la industria internacional: dice Bardem que se considera un tomate en el mercado y acepta las reglas del juego. También lo cree Penélope, que se ha consolidado al otro lado del charco y prueba de ello es que ya realiza cameos en series de dibujos animados como Padre de familia.

Conscientes de que esto del cine es una carrera de fondo, se puede decir que tomaron carrerilla después de que Bigas Luna diese el pistoletazo de salida. Uno siempre puede toparse con obstáculos, de ahí que ambos desarrollen una incipiente faceta como productores. Después de sus pinitos en Los lobos de Washington, la última de Bardem es Invisible, largometraje colectivo con profunda conciencia social, mientras que Cruz se ilusiona con la producción ejecutiva de La princesa de Kapurtala, basada en la novela Pasión India de Javier Moro.

Por separado, los 'chicos Almodóvar' –Penélope fue la madre de Javier en Carne trémula- se han labrado un camino interesante, uno a las órdenes de cineastas como los hermanos Coen (No country for old men) y Mike Newell (El amor en los tiempos del cólera), la otra tiene pendientes de estreno Chromophobia y Manolete, junto a Adrien Brody, y sigue alimentando rumores acerca de su nueva colaboración con su Pedro del alma y su amigo Antonio Banderas. Nuestras dos estrellas tienen muchas cosas en común: Penélope rodó con Amenábar Abre los ojos, al igual que Javier hizo lo propio en Mar adentro, y si éste confió a Isabel Coixet uno de los cortos de Invisibles, la cineasta catalana ha visto en ella a la compañera de Ben Kingsley en Elegy.

Causalidades o causalidades, lo cierto es que este verano regresarán a las playas mediterráneas para rodar Midnight in Barcelona, título provisional de la primera aventura española del responsable de Match point, Scoop y una larga lista de cintas. El cineasta ha declarado ser admirador de ambos actores, perfectos para lo que ha escrito. No estarán solos, ya que Scarlett Johansson y Rebecca Hall (El truco final. El prestigio) les acompañarán por una Barcelona que Woody Allen piensa recoger con los mismos ojos con los que muestra su querida Manhattan.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Picasso por triplicado

2007-04-14T11:19:00.000+02:00

Dos obras sobre el malagueño y la primera pieza teatral escrita por él recorren España: 125 años después de su nacimiento, Pablo Ruiz Picasso se pasea por los escenarios.

Con El deseo atrapado por la cola, Picasso 1937, historia de Gernika y Un Picasso, la cartelera se impregna de pintura y vida, la del genio a quien le hubiese gustado ser recordado como 'un poeta y autor dramático español del que se conservan sus pinturas'. Él aseguraba en sus escritos que dedicó casi el mismo tiempo a pintar y a escribir y entre sus desconocidas obras destacan dramas teatrales y poemas, además de ensayos.

De las tres obras que en 2007 le rinden tributo, quizás la que esté teniendo más repercusión sea la tercera de las mencionadas, con la que el actor José Sacristán muestra una mirada personal sobre el pintor y dramaturgo que combina ficción y realidad. Escrita por el estadounidense Jeffrey Hatcher, parte de un hecho real, la detención de Picasso en París en 1941. El fin era el de ser interrogado por una funcionaria del Ministerio de Cultura alemán –interpretada por Ana Labordeta- para que certificara que tres de sus cuadros eran auténticos y quemarlos así en la hoguera junto a otras obras que Hitler consideraba 'arte degenerado'.

Sacristán, que también dirige la función, apunta que con Picasso, Freud, Marx y Einstein puede explicarse todo el siglo XX. La obra recuerda la ocupación de Francia durante la II Guerra Mundial e ilustra varios supuestos episodios de la vida de Picasso: no busca ser biográfica ni hacer didactismo, sino a partir de hechos que pudieron ocurrir crear un personaje de ficción, en ocasiones tan complejo o más que el ser real en el que se inspira.

El grupo Maskarada nos acerca a la obra pictórica más desgarradora del pintor en el año en que se cumple el 70 aniversario del bombardeo de la localidad vizcaína que le dio nombre. Reflejo del un ejemplo de arte y denuncia con vocación viajera, Picasso 1937, historia de Gernika realiza un recorrido por la historia del cuadro, encargado para la Exposición Universal de París de 1937 por representantes del gobierno de la República con el objetivo de denunciar la pasividad del mundo ante la cruenta lista de muertos que iba a dejar la Guerra Civil.

Si los dos montajes anteriores se inspiran en el pintor, el que pone en escena el Centro Andaluz de Teatro y Teatro del Velador es más curioso si cabe, al tratarse de la primera representación de esta comedia que se realiza en España. Escrita por el Picasso dramaturgo, El deseo atrapado por la cola es una historia surrealista, con toques de realismo mágico, acerca de un grupo de intelectuales y gente del mundo de la cultura que huyen y buscan refugio en una casa ante el desastre de la guerra.

Sus lienzos no son pinturas al uso y algo parecido ocurre con esta obra de teatro: no hay una trama concreta, sino un paseo por los aspectos psicológicos de unos personajes que conviven con imágenes potentes y una sensibilidad especial. La obra nunca se había representado en castellano. Su autor hizo una lectura en 1944 en París con Albert Camus, Jean Paul Satre, Simone de Beauvoir, Dora Maar y otros intelectuales de la época. Ahora, no estos personajes, sino otros inventados por el pintor, perdón, escritor, cobran vida.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Los que triunfan fuera

2007-04-14T11:17:00.000+02:00

Calixto Bieito es nuestro referente fuera de España, pero no es el único: las coreógrafas Sara Baras y Aída Gómez y el dramaturgo Juan Carlos Rubio también exportan nuestra cultura.

Abonado al Festival de Edimburgo, Bieito estrena muchos de sus montajes en tierras escocesas. Hasta allí ha llevado a Fernando de Rojas (La Celestina) y a Valle-Inclán (y sus Comedias bárbaras), sin olvidar el Hamlet que le confirmó en 2003 como el "más esperado de los directores invitados". El pasado verano dejó a más de uno boquiabierto con la versión teatral de la novela Plataforma, de Houllebecq, obra por la que Juan Echanove ganó el premio Herald Archangel de la Crítica al mejor intérprete, quizás el más prestigiosos de la escena internacional.

No es habitual que los españoles se alcen con galardones más allá de nuestras fronteras. Sí es usual que el teatro de marca ibérica suela programarse dentro de festivales y certámenes, muchos de ellos auspiciados por las diferentes sedes del Instituto Cervantes y los centros de la Agencia Española de Cooperación Internacional. Gracias a ellos es posible convertir Bombay en escenario de La casa de Bernarda Alba, levantar un tablao flamenco en el City Center de Nueva York o representar a Calderón de la Barca en inglés con Life is a dream en la Gran Manzana.

Rafael Amargo, Carmen Linares, Joaquín Cortés… son algunos de los que llevan el arte como único equipaje. La última en pisar otro escenario, el Town Hall de la Gran Manzana, ha sido Estrella Morente. Reconoce que llegar hasta allí "es un viaje largo, pero vale la pena al comprobar como la escena y la música española "no saben de idiomas, ni de razas ni de colores". Es algo en lo que coinciden dos de nuestras coreógrafas más reputadas, Aída Álvarez y Sara Baras, que han hecho sonar su zapateado en lugares tan diferentes como Japón, Eslovenia y Chile.

Volviendo al teatro, el que tiene menos apoyo de las instituciones públicas, también realiza sus escapadas. La compañía L'Om-Imprebís recorrió América con Quijote, su homenaje particular a la obra de Cervantes, que inició su andadura dos años antes de las celebraciones oficiales por el IV centenario de su publicación.

Con un ideario escénico parecido al de estos valencianos, los de Teatro Meridional abogan por la mezcolanza en sus filas: portugueses y españoles unen esfuerzos para acercar piezas como Clown Dei a espectadores que no necesitan saber idiomas para recibir su peculiar sentido del humor sin palabras, compartido por los integrantes de Yllana, que lo mismo representan 666 en Israel, que ¡Muuu! en Turquía.

En el terreno más alternativo, mención especial merecen el texto de Las heridas del viento, de Juan Carlos Rubio y Zanahorias, de Antonio Zancada. La primera se estrenó hace dos años en Miami para representarse después en Nueva York, donde la Asociación de Críticos del Espectáculo (ACE, compuesta por críticos hispanos de Nueva York) le hizo merecedor de cinco candidaturas a sus premios anuales. La segunda recibió cinco premios de la ACE tras conseguir mantenerse en el corazón de Broadway, en el teatro The Duke, durante 23 funciones realizadas en inglés y en español.

No podemos dejar a un lado las artes circenses: son muchos los españoles que deben emigrar hacia otras tierras para poder desarrollar sus carreras. Es el caso de Manuel Álvarez, considerado como uno de los mejores malabaristas del mundo y, por si queda duda de su valía, acreedor de Premio Nacional de Circo 2004. Llevaba más de dos décadas sin actuar aquí debido a la crisis y al desamparo de un oficio que combina espectáculo y arte. Él, como el resto de los artistas viajeros, seguirá asombrando y provocando carcajadas en los cinco continentes, pero por ahora hace escala en Madrid, en Charivari, el primer montaje programado en el nuevo Teatro Circo Price.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

La realidad se cuela en escena

2007-04-14T11:09:00.000+02:00

Divertimento sí, pero con sustancia. La escena no es ajena a su entorno y se 'moja', apostando por ser algo más que un mero vehículo de transmisión de la realidad social.

José Luis Gómez, responsable de La Abadía, suele decir que el teatro es intercambio: 'lo que das, lo que te dan'. Y nosotros apuntamos que el teatro es también lo que pedimos: más compromiso, más crítica y más conciencia. La amarga realidad muere y resucita de manera incesante en cada función gracias a la labor de los que no quieren que los reveses caigan en el olvido.

Es el caso de las guerras civiles y los genocidios que han llegado a la cartelera gracias a la fuerza del monologo: una persona sin nombre procedente de un mundo privilegiado acaba en un país en guerra sin poder poner freno a La fiebre; una italiana que no podía creer lo que ocurría a unos cientos de kilómetros de su casa nos introdujo en el drama de los Balcanes con A de Srebrenica; La caricia de Dios. Ruanda 1994 nos descubrió que en el país de las 1.000 colinas se repartieron una noche más de 500.000 machetes con el objetivo de sesgar la vida de los que en un futuro serían hombres y mujeres.

Lo que era patrimonio de los teatros alternativos ha pasado a los grandes escenarios, gracias a los vientos que soplan en espacios de creación como el Centro Dramático Nacional (escalofriante el Himmelweg de Juan Mayorga, recordando el holocausto judío) y el Teatro Español: sus esfuerzos por poner en pie En casa / En Kabul son merecidos al poder disfrutar de la palabra de Vicky Peña, medio para viajar hasta tierras desdeñadas con nombres exóticos y futuros imposibles. Otros echan la vista atrás y rescatan pasajes olvidados de la 'nueva España' de 1939 como el drama de Las 13 rosas, llevado a escena por la compañía de danza Arrieritos.

El actor Adolfo Fernández es uno de los que se posicionan al frente de lo que podemos llamar 'teatro político': junto a Cristina Elso mima K-producciones, la pequeña factoría de la que han salido títulos tan interesantes como Yo, Satán, con la que metieron la llaga en las corruptelas de la Iglesia Católica más política. Sabe que muchos le ven como un loco al invertir en teatro con fuerte carga ideológica. Uno de sus referentes es Darío Fo, capaz de hundir el teatro a carcajadas y meter la cuchillada cuando más se ríen para que se les congele la mueca. Con Aznar reivindicó a un antisistema como Pasolini; durante la guerra en Irak obtuvo los derechos de En tierra de nadie y cuando se habla del desmembramiento de España se atreve con Millán Astray, 'el gran fascista y el gran esperpento del nacionalismo'.

Resulta curioso que muchos actores tomen las riendas de sus propios montajes: que su criatura se malee lo menos posible es lo que les impulsa a hacerse responsables de propuestas más personales en las que se atisban sus ideales. Es el caso de Blanca Portillo y de Leo Bassi, cada uno a su modo. El interés por comunicar un hecho, por compartirlo, es lo que llevó a Josep María Pou a emprender una aventura como productor, adaptador y director de La cabra o ¿quién es Silvia?. La soledad, la incomprensión y la falsa moral son las herramientas con la Edward Albee construyó este texto, casi las mismas con las que Patrick Marber entraba de lleno en el inestable terrenos de las relaciones sentimentales, condicionadas por el deseo y la dependencia con Closer.

Son dos ejemplos más de cómo el teatro refleja el ritmo frenético al que está sometido la sociedad occidental y los males que genera, pero no son los únicos: Rebeldías posibles nos habla de cómo los granos de arena hacen montañas; Como abejas atrapadas en la miel saca a la luz la cultura del éxito a toda costa; Un enemigo del pueblo actualiza la crítica a la democracia y la corrupción en todos los sectores de nuestro bien instalado primer mundo; y Marat-Sade arremete contra los principios de la revolución y nos invita a mirar las cosas con otros ojos, en la línea de otros montajes de Animalario como Hamelin y su mirada a la pederastia y la Plataforma a la que nos sube Calixto Bieito para observar los avatares del turismo sexual según Houellebecq.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Noche abierta

2007-03-23T18:13:00.000+01:00

Medio centenar de escenarios públicos, privados, callejeros y cibernéticos, ofrecerán un interesante menú de danza y teatro el jueves 29 con motivo de La Noche de los Teatros.

Con la participación de 140 compañías y cerca de 500 intérpretes, esta jornada atípica repite el patrón de otra iniciativa cultural, La Noche de los Libros, que se celebró el años pasado en Madrid con una buena respuestas del público, en aquel caso lector.

Este tributo a las artes vivas sin precedentes ha conseguido reunir 80 propuestas diferentes tres días después de celebrar el Día Internacional del Teatro y recorrer el Madrid de Max Estrella. Coja lápiz y papel y prepare su particular vía crucis por escenarios y centros culturales de Madrid desde las 17.00, momento en que Josep María Pou ofrecerá en la RESAD el pregón de apertura a 8 horas de escena ininterrumpida.

La lista de actividades es sustanciosa, aquí van sólo algunas: una conferencia magistral de Calixto Bieito; conversaciones entre directores, Helena Pimenta y Roberto Cerdá, y coreógrafas, Eva Yerbabuena y Mónica Valenciano; charlas con los actores después de las funciones habituales y propuestas curiosas, como el combate en el que seis compañías de teatro emergente se verán cara a cara.

El público, testigo y jurado, tiene la última palabra en el inusual cuadrilátero instalado a partir de las 22.30 en el Salón de Baile Círculo de Bellas Artes, que además convierte su restaurante La Pecera en un café-teatro en el que las compañías Sexpeare, Ron Lalá y Radio Rara tienen manga ancha para sorprender a los espectador que no hayan optado por acudir al Catch de improvisación a cargo de Impromadrid, que se celebrará también a partir de las 23.00 en el Teatro Albéniz.

Éstas son las guindas de una velada con y por la escena que comienza a la caída de la tarde en diferentes puntos, por ejemplo, en las tres plazas de la capital convertidas en escenarios del Festival de calle. El frontal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía será testigo de una cita única con la creación contemporánea más experimental en un nuevo formato: cápsulas de teatro, acción comprimida en tres contenedores industriales, cada uno de ellos dispuestos para acoger a 20 espectadores y un intérprete.

Este espacio insólito es el nexo de unión de 7 compañías que ofrecerán teatro a la cara y a la carta: piezas de 20 minutos escenificadas en 4 ocasiones. Otras dos plazas, las de Chueca y Vázquez de Mella, se abren a la mezcolanza entre danza y teatro. De una a otra se distribuye un circuito para público caminante con 6 espectáculos. Propuestas urbanas, muy callejeras, pero también caseras, de las que seremos testigos a través de un ordenador y una buena conexión a Internet: concursos de monólogos, charlas con actores y un juego de preguntas, todo en la página web de la Comunidad de Madrid.

Los principales recintos escénicos son el corazón de La Noche de los Teatros y celebrarán con sus espectadores esta fiesta. 45 recintos levantarán el telón después de que el público haya sido recibido en el con música clásica o jazz. Tras las representaciones los actores conversarán con el público y todos juntos brindarán por el gran homenajeado de la jornada: el Teatro.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

¡Ese rostro me suena!

2007-03-23T18:06:00.000+01:00

Camino de convertirse en habituales en los repartos, algunos han demostrado su impronta con sólo una película a sus espaldas... ¿Les quieres conocer?

Silvia Abascal, Pilar López de Ayala, Mariano Alameda, Elena Ballesteros, Félix Gómez, Marta Etura, Verónica Sánchez... Todos ellos han pasado a un curso superior: ya son los mayores del colegio.

Despojados de la etiqueta de eterna promesa, han dejado paso a una nueva hornada de actores que llega pegando fuerte, entre ellos Myriam Gallego (Concursante), Merçè Llorens (Camarón, GAL), Quím Gutiérrez (AzulOscuroCasiNegro, Sin ti), Raúl Arévalo (¿Porqué se frotan las patitas?), Diana Palazón (Mía Sarah) y Marta Larralde (León y Olvido, Días azules).

Ellos integran el buen montón de jóvenes intérpretes que buscan su confirmación después de una o dos películas. Quizás la delegada de clase sería Verónica Echegui. Descubierta por Bigas Luna en Yo soy la Juani, Antonio Hernández le confió el tercer vértice del triángulo formado por Carmen Maura y Roberto Álvarez en El menor de los males.

La temporada deja en buena posición para conseguir nota a Alberto Amarilla, que después de aparecer de cameos en Mar adentro y Princesas, se adentró en El camino de los ingleses, por el que nos guió el también televisivo Fran Perea y en el que han destacado Marta Nieto y María Ruiz, fichada por la directora Niki Caro (Whale Rider, North Country) para su nuevo proyecto.

A algunos les hemos visto crecer en la pantalla, como es el caso de Juan José Ballesta y María Valverde, los adelantados de curso. El joven que en su día fue el chaval de El bola y la chica que volvió loco a Luis Tosar en La flaqueza del bolchevique demuestran en Ladrones que lo suyo no fue flor de un día. Son intérpretes solventes y profesionales que ya se han revelado y también rebelado: él ya empieza a cansarse de que le den papeles de chicos conflictivos (7 vírgenes) y prefiere otros de 'niño bueno' (Cabeza de perro); a ella, por su parte, no le gusta que la cataloguen como eterna Lolita (Melissa P.).

Del teatro provienen Asier Etxeandía (Cabaret, El sueño de una noche de verano) y Marta Belenguer (A veces maburro, Terapias) que entran en el grupo no por la edad, ya que pasan la treintena, sino porque todavía no se prodigan demasiado en cine, aunque poco les falta. La actriz, que cada noche se acerca hasta Camera Café, le debe a Antonio Hernández su salto al cine con Oculto y El menor de los males; mientras el actor vizcaíno acumula trabajos a las órdenes de dos de los grandes, Fernando Colomo (El próximo Oriente) y Emilio Martínez Lázaro (Las trece rosas), además de dos exclusivos para el público adolescente: El lunes puede esperar y Café solo o con ellas.

'Tú cara me suena'. Eso mismo le dijeron a Cuca Escribano antes de saltar a la pantalla grande con Poniente y acumular protagonistas: Los aires difíciles, El camino de los ingleses y Atlas de geografía humana, y a Diego Martín, que después de llamar la atención en la televisiva Aquí no hay quien viva, suma y sigue en cine: Los Borgia, Días de cine, Manolete y tres roles principales en Mataharis, Un buen día lo tiene cualquiera y Los justos, las tres pendientes de estreno.

Y ojo que a clase han llegado dos nuevos que, en lugar de ponerse en la última fila y adoptar una actitud tímida, se han hecho notar con sólo una película. Es el caso de Gala Évora y Alfonso Begara, debutantes con Lola, la película y papeles de peso: la primera dando vida a La Faraona y el segundo como El Pescaílla. Casi nada.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Málaga, ¿cantera o reflejo del cine español?

2007-03-23T18:00:00.000+01:00

Dejó atrás lo de escaparate para convertirse en trampolín para nuevas y, sólo a veces, interesantes miradas. Así es este festival que sigue siendo un caramelo para la industria.

¿Glamour? Contado con los dedos de la mano, aunque más de uno se preguntará si en nuestro país existe algo parecido al 'star-system' de Hollywood. Si lo hay, ahí están Victoria Abril, Antonio Banderas y Carmen Maura, última galardonada con el Premio Málaga y obligada a pasearse por la alfombra roja de entrada al Teatro Cervantes, aunque no por la calle Larios para desgracia de los caza-autógrafos, perdón, admiradores.

El festival ha tenido tiempo para consolidarse y replantearse si consigue ser fiel reflejo de lo que se cocina hoy día. No se puede tener un festival de cine español sin contar con los grandes directores patrios: el día que participe Carlos Saura, Julio Medem, Icíar Bollaín, Alejandro Amenábar... o Pedro Almodóvar –eso sería pedir demasiado-, lucharemos por hacer cambiar de opinión a los que piensan que esta cita está muy lejos de Gijón, Valladolid y, por supuesto, San Sebastián.

Mientras tanto nos quedamos con la idea de que Málaga es el lugar al que van a probar suerte las óperas primas, algunas de calidad, a juzgar por las que se han repartido el palmarés: Pudor, de David y Tristán Ulloa, Concursante, de Rodrigo Cortés, Ladrones, de Jaime Marqués, y Bajo las estrellas, de Félix Viscarret. Hace 10 años comenzó la andadura de este certamen. Aquella edición de 1997 presentó a Miguel Albaladejo, que llevaba bajo el brazo La primera noche de mi vida.

Muchos paralelismos se establecen con el triunfo de Bajo las estrellas, respaldada por Fernando Trueba y después de ver cómo se alzaban con la Biznaga de Oro otras primeras obras, como Sexo por compasión, Torremolinos 73, Tapas y AzulOscuroCasiNegro. Como apunte curioso, Daniel Sánchez-Arévalo, ganador de casi todos los premios del año pasado y 3 premios Goya, deslumbró con su regreso al corto con Traumatología.

Capítulo aparte merece el tema de propuestas arriesgadas: las que se presentan en la sección alternativa ZonaZine no lo son, a no ser que confundamos riesgo con pésima calidad. Podemos destacar Yo, de Rafa Cortés, una apuesta sui generis del estilo de La isla del holandés, con la que hace unos años se presentó como director Sigfrid Monleón, y Smoking room, otra ganadora de este certamen.

Visto como pasarela de actores, muchos de teleseries -¿sabía que el patrocinador es Antena 3?-, son ellos los que más disfrutan con el festival, sobre todo el último día, cuando destacan los cuatro premiados por encima del resto y en esta ocasión fueron Alberto San Juan (Bajo las estrellas), Elvira Mínguez (Pudor), Nancho Novo (Tuya siempre) y Verónica Echegui (El menor de los males).

Quizás nos llevemos una impresión pobre del cine español a juzgar por lo mejor del festival, las primeras películas, y el relleno de la sección oficial, segundas películas a excepción de Antonio Hernández y la divertida El menos de los males. Quédese tranquilo: por ahora, y aunque a más de uno le duela, Málaga no es ese gran escaparate que quiso ser, sino el liviano muestrario con el que se presenta en casa el vendedor a domicilio.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Amelia Ochandiano acierta con La casa de Bernarda Alba

2007-03-09T09:54:00.000+01:00

Una nueva lectura, el mismo texto. Tras un año de gira recala en Madrid el último y más esperado montaje sobre uno de los puntales dramáticos de Federico García Lorca.

El 19 de junio de 1936 terminó de escribir lo que acabaría siendo bastión de nuestro teatro tan sólo tres meses antes de ser asesinado en el granadino Barranco de Víznar. El que llegó a presagiar su pronta muerte ("mi corazón reposa junto a la fuente fría") apenas tuvo tiempo de verla en escena.

"A él le hubiera gustado esta versión", aseguraba María Galiana unas horas antes de "estrenar" en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, donde permanecerá hasta el día 25 de marzo. La sevillana es una de las 10 actrices que personifican la palabra de Lorca en esta producción de Teatro de la Danza, compañía referente en los últimos 25 años de la escena española y responsable de éxitos como El verdugo, La gaviota y Las bicicletas son para el verano. Galiana no ha tenido que enfrentarse a su "primera vez": hace 15 años dio vida a La Poncia en el Centro Andaluz de Teatro, por lo que resultaba cómoda su vuelta a los escenarios con un personaje "maravillosamente contradictorio".

El de ella es un bombón, confiesa Amelia Ochandiano para quien este montaje se mueve entre los parámetros de la sencillez, el simbolismo y la contemporaneidad. Es una nueva lectura, que no revisión, de un clásico de estudio obligado para la mitad de los estudiantes de Secundaria y, por tanto, bastante conocido por las dos últimas generaciones. Pero el teatro es prosa para ser representada y no crean que este "drama de mujeres en los pueblos de España" sube a las tablas con tanta frecuencia como debiera, siendo una obra de repertorio.

Hay cientos de tesis acerca de la sensibilidad femenina del autor: la manera en que retrata el anhelo de la maternidad en Yerma; el deseo y los celos en Bodas de sangre; la dominación, la opresión y la falta de libertad de la mujer en La casa... Tanto interés por destacar el lado femenino ha dado lugar a etiquetas que han hecho mucho daño al texto, una de ellas, la de "teatro de mujeres". Nadie duda de que lo es, asegura Mónica Cano, pero no debemos acotar una obra maestra que se acerca a los conflictos eternos y universales desde la cercanía de lo cotidiano.

Lo que más interesa de la acción es lo que se esconde en la prisión interior de cada una de ellas, lo que ocurre dentro de los muros de esa casa en un pueblo sin río donde todo el mundo bebe el agua con temor de morir envenenado. Destaca Ruth Gabriel, otra de las actrices, que el drama no se presenta en bloque, ahondando en cada una de las hijas de esta mujer autoritaria de manera diferenciada. Durante los ensayos jugaron a las rebeliones, a buscar paralelismos con una sociedad dominada por una dictadura, en la que todos sus individuos tienen un frente común, acabar con ella, aunque con armas distintas.

Esta Bernarda sencilla y sin adornos no pretende revolucionar. La pieza tiene para la directora una excelente carpintería teatral: todos los personajes evolucionan y se expresan con un lenguaje inusual, dramático y poético. No ha sentido la necesidad de añadir nada al texto que pudiera deformar el mensaje. Sólo quería disfrutarlo y que nosotros lo hiciéramos con ella y sus diez mujeres, las de Lorca.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... Teresa, el cuerpo de Cristo

2007-03-02T10:49:00.000+01:00

Ray Loriga vuelve a la dirección con una revisión de la vida y milagros de Teresa de Cepeda y Ahumada, con rostro y voz de Paz Vega.

La hija del hidalgo castellano pasaría a los libros por no limitarse a ser esposa y madre, sino por querer escribir, leer, aprender. Por eso y porque a esta mujer llena de matices una fuerza superior le marcó el camino a seguir.

La santa de Ávila llega al cine con una óptica distinta a la visión propuesta por los historiadores y muy alejada de la imagen de estampita religiosa, así que futuros espectadores, prepárense: el largometraje dará que hablar y no sólo por el atrevido cartel que lo promociona. Si hubo polémica en el siglo XVI seguramente pueda haberla ahora, es lo que asegura el director, que ha esperado una década para afrontar su segunda cinta, ambientada con la música de Ángel Illarramendi (Cuando vuelvas a mi lado), fotografía de José Luis Alcaine (Volver) y un reparto encabezado por Leonor Watling, Geraldine Chaplin, Eusebio Poncela, José Luis Gómez, Manuel Morón y Álvaro de Luna.

Ray Loriga se estrenó como director en 1997 con La pistola de mi hermano y para muchos desapareció. Esto no es del todo cierto, ya que el escritor y pareja de Christina Rosenvinge, también beligerante en términos culturales, colaboró como guionista con Pedro Almodóvar (Carne trémula), Carlos Saura (El 7º día) y Daniel Calparsoro (Ausentes), además de jugar un papel determinante a la hora de que Viggo Mortensen acatase las órdenes de Agustín Díaz Yanes en Alatriste.

Con permiso del productor Andrés Vicente Gómez, Loriga es el responsable de que la otrora escotada Paz Vega se haga al hábito y entre en trance. Ella, que fue Carmen y se entregó a Tristán Ulloa en Lucía y el sexo, que ha participado en las tramas de Los Borgia y busca su sitito en Hollywood, primero con Spanglish y ahora junto a Morgan Freeman en 10 times or less, se marcha al siglo XVI para dar vida a una mujer que se rebela contra el destino impuesto.

Fuerte carácter, compleja, seguidora de San Agustín, rebelde... Teresa inició una carrera marcada por el sacrificio y la oración. Todo está reflejado en esta coproducción entre España, Gran Bretaña y Francia que ha contado con un presupuesto de 8 millones de euros. Rodada en tierras extremeñas y portuguesas, la película nos acerca un personaje del que muchos sabemos sólo pinceladas, las suficientes para decir que fundó su propia orden religiosa y acabó siendo santa.

No es la primera vez que Santa Teresa de Jesús llega a la pantalla. La mística ibérica llegó a la televisión gracias a varios proyectos televisivos, como el dirigido por Josefina Molina e interpretado por Concha Velasco y uno anterior con Berta Riaza como protagonista. Paz Vega se presenta con los mismos ropajes pero con un punto de sensualidad e irreverencia que levantará ampollas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... El buen pastor

2007-03-02T10:35:00.000+01:00

Después de dirigir Una historia del Bronx y Un golpe maestro, Robert De Niro se enfrentó a un proyecto que puede convertirse en la primera entrega de una trilogía.

La rivalidad entre los Estados Unidos y la extinta Unión Soviética durante décadas ha dado cientos, miles de películas.

De Niro reconoce que la Guerra Fría le fascinó desde que era niño en la ciudad de Nueva York y que aún hoy, tanto la tensión entre las dos potencias mundiales como los entresijos de la CIA, le plantean numerosos interrogantes, sobre todo después de los acontecimientos del 11-S.

A muchas de estas cuestiones pretende dar respuesta con esta cinta sobre los orígenes de la CIA, en la que Matt Damon se convierte en un espía después de demostrar que su máxima aspiración en la vida consiste en proteger la integridad de su país hasta el punto de acabar siendo uno de los pilares de la organización. Constituye un thriller de género, pero detrás de tan buenas y cinematográficas intenciones se atisba cierto acento crítico del actor y director que durante una década intentó levantar esta película.

De Niro ha confiado los principales roles de El buen pastor en Angelina Jolie, William Hurt, John Turturro, Joe Pesci, Timothy Hutton, Chazz Palminteri, Jason Patric y Alec Baldwin, y a pesar de que sólo quería estar detrás de la cámara, al final accedió a formar parte del reparto de esta historia, que tiene un extenso metraje: 165 minutos de duración, que van desde la II Guerra Mundial hasta los hechos en Bahía de Cochinos.

El protagonista de títulos míticos como Taxi Driver, Toro salvaje y La misión se ha sentido tan ilusionado con el proyecto que sólo anuncia su interés de rodar una segunda parte, desde la construcción del muro de Berlín hasta el día en que es derribado, y una tercera, a modo de epílogo, desde 1989 hasta nuestra época actual.

El debut como director nacido en el barrio neoyorquino de 'Hell's kitchen' se produjo en 1993, con Una historia del Bronx. Ocho años después rodó Un golpe maestro. El buen pastor es, de las tres, la que tiene una mayor carga política y a todos los que apuntan a que la cinta es un ataque contra la Agencia Central de Inteligencia estadounidense, De Niro contesta que no pretende criticar, sino mostrar los hechos de la forma más directa y honesta que puede, como hijo de la Guerra Fría que es.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

De la serie al largo: el paso de la tele al cine

2007-03-02T10:31:00.000+01:00

Crónica de éxitos y fracasos de adaptaciones a la pantalla grande de series de televisión muy populares.

La televisión ha inspirado el argumento de muchos largometrajes de manera directa o no: el mundo de los platós, las redacciones de informativos, los corresponsales de guerra e incluso los hombres del tiempo. También son muchas las versiones calcadas de relatos nacidos para su emisión televisiva.

Una buena carrera televisiva no es garantía de la conquista cinematográfica, aunque los productores más avispados vieron en los clásicos de los 60 excelentes oportunidades de negocio. Una lástima que los que crecieron con Los vengadores, El santo, Embrujada, La tribu de los Brady, Perdidos en el espacio y más recientemente Expediente X no fueran en masa a las salas. Más tirón tuvieron las versiones de Misión: imposible, El fugitivo, las parodias de Superagente 86 y Los ángeles de Charlie.

Hay productos 100% televisivos que nacieron como largometrajes, caso de V y Star Trek, aunque lo más común es el paso inverso, sobre todo en el terreno de la animación y el cine infantil, donde existen tantos aciertos como chascos, valoren ustedes: Las supernenas, Scooby-Doo, Pokemon, Doraemon, Los Picapiedra, etc.

Con el reclamo de ‘más grande, más largo y sin cortes’, South Park se estrenó en pantalla grande tan sólo dos temporadas después de su nacimiento como serie televisiva. Los Simpson, la primera producción de animación irreverente de Estados Unidos, llegó a nuestro país hace 16 años, cuando TVE la estrenó en horario nocturno por su contenido polémico. La familia más famosa de Springfield salta al cine de manos de David Silverman, director de algunos episodios. Veremos en qué queda todo a finales de julio.

En nuestro país no hay casos de series de ficción que se estrenan a lo grande, pero sí de programas de telerrealidad. Resultan anecdóticos los casos de El gran marciano, broma con cámara que rodó Antonio Hernández (En la ciudad sin límite, Los Borgia) con los participantes de la primera edición de Gran Hermano y OT: la película, ya sabemos sobre qué.

El año pasado vimos a Collin Farell y Jaime Foxx en Corrupción en Miami, muchos espectadores se sintieron defraudados con la adaptación realizada por Michael Mann. Por ahora nos quedamos con las promesas de otras series que llegarán, como Dallas, con John Travolta como principal fichaje, Perdidos, la serie revelación de 2005, y Los Fraggle, la mítica serie de marionetas surgida del imaginario de Jim Henson.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El regreso de los veteranos

2007-03-02T10:18:00.000+01:00

Los cineastas de siempre ultiman sus títulos: Saura por partida doble y Gonzalo Suárez nos monta en su Oviedo Express que llega hasta Asturias, donde Garci ha rodado Luz de domingo.

Este año desembarcarán en la cartelera las últimas creaciones de la legión de cineastas más activos de nuestro cine. Veremos Siete mesas (de billar francés), de Gracia Querejeta, La carta esférica, de Imanol Uribe, Mataharis, de Icíar Bollaín, Trece rosas, de Emilio Martínez Lázaro, y Caótica Ana, de Julio Medem. Son sólo algunos de los estrenos más esperados, pero... ¿qué ocurre con los otros directores, los más veteranos?

En 2006 vimos las nuevas obras de cineastas como Vicente Aranda (Tirante el Blanco), José Luis Cuerda (La educación de las hadas) y Bigas Luna (Yo soy la Juani), metidos de ellos en la preparación de nuevos proyectos. Ventura Pons es uno de los que acaban de estrenar (La vida abismal) y ya ultima el guión y el reparto de su adaptación de la obra teatral Barcelona, mapa de sombras, que contará entre otros con Nuria Espert, Rosa María Sardà y Josep María Pou.

Gonzalo Suárez ha contado en Oviedo Express con Carmelo Gómez, Aitana Sánchez-Gijón, Maribel Verdú, Bárbara Goenaga, Alberto Jiménez, Jorge Sanz, Nawja Nimri... Son los actores que llegan a la capital asturiana para representar La Regenta. Este ejercicio de teatro dentro del cine se ha rodado al tiempo que José Luis Garci ponía a funcionar el motor de su cámara también en Asturias. Su nueva película, Luz de domingo, retrata la España caciquil de comienzos del siglo XX con ayuda de Alfredo Landa, Kiti Mánver, Fernando Guillén-Cuervo y los jóvenes Álex González y Paula Echevarría.

También el norte, concretamente en localizaciones de Torrelavega y San Sebastián, Manuel Gutiérrez Aragón ambienta la historia de Todos estamos invitados, escrita junto a la nueva Presidenta de la Academia, Ángeles González-Sinde. José Coronado, Adolfo Fernández e Iñaki Miramón protagonizan este relato que aporta una nueva mirada al mundo del terrorismo de ETA.

Antonio Mercero cambia a los adolescentes de Planta 4ª por los ancianos recluidos en una residencia y acuciados, algunos de ellos, por el mal de Alzheimer. La emotiva historia de ¿Y tú quién eres? tiene a los veteranos Manuel Alexandre y José Luis López Vázquez, que este año recibe el Fotogramas de Plata a toda una carrera y un premio honorífico que otorga el Festival de Málaga por su décimo aniversario.

Uno de nuestros cineastas más completos, el aragonés Carlos Saura, estrena dos largometrajes. Fados es un proyecto tan acariciado como el musical que quería dedicar a la Escuela Amor de Dios que existió en la madrileña calle Atocha. Aparcado éste, se entregó al folclore portugués de la misma manera que fue en los 90 dejó patente su exploración en otras formas de cultura popular en los capítulos de Sevillanas, Flamenco y Tango. Lo espectadores de Cannes podrían ser los primeros en hacer el recorrido que nos marca Saura por los barrios lisboetas del Barrio Alto y la Alfama y en el que le acompañan artistas como Mariza, Chico Buarque, Caetano Veloso, Lila Downs y Cesárea Évora.

El responsable de El séptimo día, Pajarico y así hasta 40 títulos, realizó incursiones a medio camino entre el documental dramatizado y el musical en Salomé e Iberia. Ahora le toca a la ópera y para ello se sumerge en Io, Don Giovanni, la historia de Lorenzo da Ponte, el libretista de Mozart. Cuenta con la colaboración del director de fotografía Vittorio Storaro y pretende ficcionar un aspecto concreto de la vida de un artistas, al igual que hizo en Goya en Burdeos, con Francisco Rabal como principal protagonista.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Les Luthiers regresan a España

2007-03-02T10:08:00.000+01:00

Lo hacen con una temporada doble, inusual aunque apropiada a tenor del interés por El refrito, espectáculo con las obras de ayer de un grupo que acaba de cumplir 40 años.

A la palabra añoranza le pueden sacar numerosas connotaciones, es lo propio de un grupo de filósofos de la vida cotidiana, responsables de máximas como 'tener la conciencia limpia es síntoma de mala memoria' y 'de cada 10 personas que ven la televisión, 5 son la mitad'. Sus fieles, los que atesoran entradas a sus espectáculos, además de guardar su recuerdo en CD y DVD, les (per)siguen por toda Iberoamérica y España, y reconocen que al gozar de tanto éxito, de tanto en tanto, les da por vivir del pasado recopilando las piezas preferidas por el quinteto.

A lo de ideólogos suman guiños propios de un gurú religioso de andar por casa, echen si no un vistazo al programa que presentan en este trabajo estrenado en 2001: está compuesto por tarantelas litúrgicas (San Ictícola de los Peces), canciones con mimos (Quién conociera a María Amaría a María) y salmos sectarios (El sendero de Warren Sánchez). El epilogo viene dado por 10 minutos de recuerdos, lo que han denominado La hora de la nostalgia.

Vienen cargados con latines, tubófonos, boxinetas, tablas de lavar, sus ya míticos nomeolbidet y gom-hom, la marimba de coco e incluso un bajo barril en cuyo interior debe introducirse Jorge Marona. No hace falta que juren que están dispuestos a seguir experimentando y redescubriendo hitos: lo prueba la galería de instrumentos que les acompañan, dejando de ser extraños para los que disfrutan de un montaje nuevo cada 2 ó 3 años desde la consolidación de la formación, en 1977.

La oda a la parodia se convirtió en la doctrina de uno jóvenes que 12 años antes se presentaron en un festival universitario de la ciudad de Tucumán. Ataviados con esmoquin –'de diferentes tallas, en función de los rigores del buen comer'- y artilugios caseros interpretaron La cantata laxatón, a partir del prospecto de un conocido purgante.

Desde entonces han sabido reírse con la música y no de la música, dejando su impronta inteligente, elegante y sutil en montajes como Mastropiero que nunca, Muchas gracias de nada, Por humor al arte, Unen canto con humor y El reír de los cantares. Con Todo por que rías se despidieron de nuestro país al tiempo que en Argentina ultimaban un último espectáculo que llegará a España dentro de un par de años: 'allá los probamos y aquí damos lo mejor de nosotros, sin que se enteren allí'.

Aseguran que el secreto para mantenerse unidos radica en que discuten mucho sobre nada para llegar a conclusiones completas. Se llevan muy bien ya que tienen motivos para ello, el principal, además de una amistad férrea, 'el hijo en común al que mimamos para que la gente nos quiera y crea que parecemos mejores de lo que en realidad somos'.

El 25 de marzo se marcharán con su habitual verborrea, aunque volverán para la prórroga especial del 24 de abril al 20 de mayo en el Palacio Municipal de Congresos Campo de las Naciones. Y en octubre aterrizarán en el aeropuerto de Valencia para captar más fieles y llegar a los 100.000 que disfrutaron de su anterior paso por la península ibérica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Mario Gas nos decubre En casa/En Kabul

2007-03-02T08:53:00.000+01:00

Haga el intento de situar Kabul en un mapa. ¿Conocían muchos detalles acerca de Afganistán antes de la incursión militar de tropas liberadoras en 2001?

Tony Kushner sí, de hecho 2 años antes empezó a escribir Homebody (En casa), un monólogo con el que una mujer londinense nos transmite su intención de huir de la tremenda insatisfacción en la que está instalada. El visado llega en forma de guía de viajes sobre el país asiático y comienza a imaginar... Es entonces cuando se inicia la experiencia dramática de Kabul (En Kabul).

La mayoría le conoce por el guión de Munich, pero este neoyorquino que se define como 'judio, homosexual y antisionista', ha firmado algunas de las obras más contundentes del teatro de finales del siglo XX, como Ángeles en América y Eslavos. Contestatario de la política de su país, en su obra despliega un abanico de vilezas y levanta ampollas narrando los hechos generales desde microcosmos individuales: toda literatura dramatizada cobra vida gracias a la peripecia de seres de carne y hueso, la que nos permite huir del esquematismo y la anécdota de obras teorizantes e incluso fanáticas.

Hablando de fanatismo, el mejor arma para contrarrestarlo, por su alto contenido de ignorancia, es el conocimiento y esta obra propone una toma de contacto con lo menos habitual a partir de la sensibilidad de un grupo de artistas. Procedentes de España, Irán, Marruecos y Argelia, 11 intérpretes han convivido durante los 4 meses de ensayos de un proyecto acariciado por Mario Gas desde hace años, antes incluso de ponerse al frente de la gestión del Español, a comienzos de 2004.

Durante la gira de La Orestiada planteó a Vicky Peña y Gloria Muñoz la idea de afrontar un montaje complicado. El director no quería convertir el teatro en un jardín privado de creación escénica, pero era consciente de que Homebody/Kabul (En casa/En Kabul) debía montarse en el recinto –casi irreconocible- de la plaza de Santa Ana y contar con actores próximos a la culturas islámicas que dotasen de veracidad al texto. Dicen que los cómicos tienen un lenguaje común aunque estos han tenido que aprender nuevas lenguas, como pastún, dari y castellano, y adaptarse a formas de teatro extrañas a priori.

Algunos se suben por primera vez a las tablas en un país desconocido, otros como Elena Anaya se enfrentan a su primer montaje de envergadura. Para ella este torrente de emociones surgidas de la convivencia está siendo la mejor escuela de vida y teatro. Pero no es la única que así lo cree, también un veterano como Roberto Álvarez quien, alejado de los escenarios durante 7 años, ha incrementado su ilusión por la escena con un trabajo que requiere una profunda implicación por la responsabilidad moral que reviste y la crítica a la visión que sobre culturas diferentes nos imponen los poderes políticos.

En la obra, mezcla de poética y acento político en escena hasta el 29 de abril, se vislumbra el dolor y el amor por unos personajes que merecen su dosis de comprensión. Durante las 3 horas de representación no hay por tanto teoría dogmáticas ni respuesta a grandes preguntas y se atisba el deseo por escuchar al otro y así, desde la prudencia, intentar que nuestro paso por la tierra, lejos de una condena, sea menos dañino.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Animalario monta la revolución en el María Guerrero con Marat-Sade

2007-02-27T08:24:00.000+01:00

La formación, Premio Nacional de Teatro 2005, colabora con el Centro Dramático Nacional y sustenta en la 'locura lúcida' el montaje sobre la mítica obra de Peter Weiss.

Los creadores de Últimas palabras de copito de nieve y Hamelin entran en la programación del CDN por la puerta abierta a compañías privadas 'con cosas que aportar y fieles a la línea de compromiso', en palabras de Gerardo Vera. La Fura dels Baus, con Metamorfosis, y Miguel Narros, con Así es (si así os parece), ceden el testigo a este grupo de intérpretes-creadores que miran las mismas cosas con ojos nuevos.

Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat representado por el grupo teatral de la casa de salud de Charenton bajo la dirección del señor de Sade. Bajo ese título se esconde el libreto donde Weiss filosofa acerca de la realidad y el peligro, la revolución y la enajenación, la política y el sexo... En definitiva, dos posturas enfrentadas, las de Marat y Sade, y una función para hacer sin seguro, sin barandillas: hay que quitarse el suelo bajo los pies para poder mezclar razón y locura, y moverse entre el miedo, que da paso al terror y sus consecuencias, y la esperanza.

Adolfo Marsillach montó la obra en medio de un clima de tensión que requería un compromiso total. Después de aquel 68 en el Español llegarían Peter Brook, Miguel Narros y ahora, Andrés Lima. Ninguno ha dejado títere con cabeza cuando ha puesto en escena la obra de Weiss: 'él lanzó una piedra desde 1789 que llegó hasta los 60 y nosotros queremos que rebote y llegue hasta nuestros días'. Para ello ha deconstruido y contemporaneizado la reescritura hecha por Alfonso Sastre, optando por una comunicación clara, directa y sencilla, obviando lo oscuro y partiendo del concepto de 'teatro total' y la creación colectiva. Así el texto escapa a interpretaciones exclusivas para intelectuales o teatreros.

Estamos ante un juego de espejos: actores que hacen de enfermos que montan una obra de teatro en un psiquiátrico... Siempre utilizamos la locura para descalificar pero no se emplea para reivindicar las utopías. Pedro Casablanc, que interpreta a Marat, destaca que por encima de todo está la libertad creativa absoluta en un entorno ideado por Lima: 'nunca sabes donde están las barreras y no tener asideros claros puede ser mortal para un actor metódico, aunque trabajar en ese vértigo y romper con los convencionalismos se convierte en un reto'. Se refiere al espacio para la improvisación que contempla Lima, dejando claro que el caos y la provocación pueden dilucidar un mensaje concreto.

En la obra intervienen 16 actores, entre ellos Miguel Rellán, Nathalie Poza, Lola Casamayor y Alberto San Juan, quien considera que se han aplicado los principios revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad al montaje, contribuyendo a que el valor más importante sea el del conjunto del pueblo, todos los que están sobre el escenario. Entre tanta libertad, la composición musical se inspira en la acción, pudiendo haber sido creada 'in situ' por los pacientes. Ésta además bebe de la perversión de The Velvet Underground, la locura silenciosa de Eric Satie y las cualidades rotas de Tom Waits.

En esa atmósfera contagiosa de locura y lucidez se establece una metáfora donde pululan represores y reprimidos. Estos son los papeles que adoptamos en nuestra sociedad donde, como demócratas, somos co-responsables de todo lo que ocurre: lo bueno y lo malo. Volvemos a nuestra celda carcelaria, a nuestro aposento en el manicomio, pero antes le preguntamos a Lima si el teatro sirve como terapia: 'si vale de terapia para nosotros, que estamos bastante enfermos, para todos los demás también, siempre que no exista la pretensión de curar a nadie'.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Cómo van las promesas incumplidas en el cine

2007-02-25T11:01:00.000+01:00

Los rumores, muchos de ellos infundados, han alimentado durante años ansiados proyectos. Algunos, como Indiana Jones IV, pronto verán la luz. Así están las cosas.

¿Dirigirá Pedro Almodóvar Tarántula, título tantas veces postergado, con Penélope Cruz y Antonio Banderas? ¿Volverán los dinosaurios de Parque Jurásico? ¿Seguimos a vueltas con la adaptación de El hobbit?

En el terreno de los superhéroes Robert Downey Jr. se meterá en la piel del Hombre de Hierro, acompañado de Gwyneth Paltrow, y tendremos la tan anunciada versión fílmica del musical Mamma mia!, donde pueden coincidir Meryl Streep –que ya ha confirmado su participación- con Nicole Kidman y Banderas. La elección del malagueño está clara, que no asegurada, después de dar rienda suelta a sus dotes como cantante en el musical de Broadway, Nine, y en películas, entre ellas Shrek 2, que por cierto le abrió camino para protagonizar, travestido en minino digital, uno de los proyectos de DreamWorks: Gato con botas.

James Cameron tenía un as en la manga aunque no se animaba a enseñarlo. Diez años después de Titanic ha llegado el momento de rodar Avatar, un proyecto disparatado acerca de un ex militar que entra en contacto con una civilización extraterrestre para salvar nuestro planeta. Debe darse prisa Cameron para estrenar esta historia fantástica y futurista ya que el (discutido) mago del suspense M. Night Shyamalan ha anunciado un largometraje inspirado en el mismo relato fantástico.

Otro grande adoptado por Hollywood es Peter Jackson, al que le han atribuido en demasiados mentideros la adaptación de El hobbit, a modo de prólogo de la trilogía de El Señor de los Anillos: que si dos entregas, que si hay lucha por los derechos, que si se estrenará en 2009... Todo falso, por ahora. También el hecho de que Sam Raimi (Spiderman) pueda hacerse cargo de la versión de la obra de J.R.R. Tolkien.

Vamos con lo seguro: en 2006 se cumplían los primeros 25 años del estreno de En busca del arca perdida o lo que es igual, del nacimiento de uno de los mitos cinematográficos del siglo XX. Su carisma, su látigo y su facilidad para meterse en líos en el rincón más recóndito del planeta convirtieron a Indiana Jones en uno de los personajes más queridos e influyentes al hacer que muchos niños de los 80 y 90 estudiasen Historia con el objetivo de convertirse en arqueólogos.

Casi dos décadas después de la tercera y última entrega, que le llevó a emprender la última cruzada, y después de alimentar falsas esperanzas y rumores durante tantos años, Steven Spielberg ha confirmado que la cuarta entrega se rodará este verano y espera que sea la mejor de la saga. Después de tirar a la basura muchos argumentos, David Koepp (Parque Jurásico, La guerra de los mundos) está trabajando en el guión del que sólo se sabe que sitúa la acción en los años 50, con el consecuente salto temporal debido a la edad de sus protagonistas.

Harrison Ford nació en 1942, así que tenemos que prepararnos para ver a un Doctor Jones más que maduro. Le pueden acompañar en esta aventura su padre en la ficción, Sean Connery, y quizás conozcamos a una hija, a la que daría vida Natalie Portman, actriz fetiche de George Lucas después de participar en la segunda trilogía (o primera, según se mire) de La Guerra de las Galaxias. Sería fruto del affaire con la primera "chica Indy", Marion Ravenwood, aunque por ahora reina el secretismo. Tendremos que ser pacientes hasta el 22 de mayo de 2008.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Los otros cómics llegan al cine

2007-02-25T10:30:00.000+01:00

La adaptación de Corto Maltés encabeza una interesante avalancha de largometrajes con personajes de papel que aportan algo más que superpoderes.

Es el caso de la protagonista de Persépolis, que no tiene nada que ver con los engendros de la factoría Marvel. Muy pronto llegará al cine con su creadora como codirectora y las voces de Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni.

Imagine una niña que con sólo 10 años se convierte en testigo de un brutal episodio histórico para nosotros y biográfico para ella. No es otra que la iraní Marjane Satrapi que se apropió de la candidez que tenía en 1979 y la aderezó con contenido crítico para narrar su infancia en el régimen fundamentalista islámico que la obligaría a abandonar su país.

Los 4 álbumes que componen Persépolis han dado lugar a un largometraje que, al igual que las historias gráficas que lo inspiran, recoge las consecuencias de un cambio social y político que pone fin a más de 50 años de reinado del Sha de Persia en Irán y da paso a una república islámica. La visión infantil es lo que hace jugoso este relato. Los lectores esperan que en su paso al cine no se pierdan los trazos inexpertos de la autora con ocasión de la primera entrega, ya que el grafismo recuerda a los dibujos hechos por niños, acentuando el verismo.

El veneciano Hugo Pratt no podrá ver cómo se pasea por las pantallas su aventurero, hijo de gitana sevillana y marinero gibraltareño, nacido a finales del siglo XIX en La Valetta, criado en Córdoba y presentado en sociedad en 1967. El padre real de Corto Maltés falleció en 1995, llevándose consigo una forma de dibujar muy personal –trazos toscos, colorido parduzco- y una inventiva inusual en el género de aventuras. Con varios años de retraso llega a nuestras pantallas este ejercicio de dibujos animados con cierto sello de cine de autor a partir de "cómic de autor" gracias al trabajo de Pascal Morelli.

La lista de títulos basados en personajes de tebeo es larga y es inevitable que acudamos a "made in Hollywood". En los últimos años hemos asistido a la más que correcta adaptación al cine de historias gráficas como las de V de Vendetta y Sin City. Si bien las primeras llegaron a su fin después de un sólo largometraje protagonizado por Natalie Portman y Hugo Weaving, las surgidas del imaginario de Frank Miller no se acabaron en la cinta que codirigió también en 2005 junto a Robert Rodríguez. En producción la segunda entrega –y anunciada la tercera-, volveremos a ver a Clive Owen, Rosario Dawson, Jessica Alba y Mickey Rourke en los principales personajes, es decir, los que no murieron en la primera crónica desde Ciudad Pecado.

En nuestro país se acaba de anunciar que Mortadelo y Filemón volverán a cambiar las viñetas por el trabajo ante la cámara. Si hemos tenido hasta tres raciones de X-Men y otras tantas de Superman y Spiderman, ¿por qué no íbamos a disfrutar de los agentes de la T.I.A. en pantalla grande? Los que se han criado en la Editorial Bruguera se mueven con soltura en el medio ya que a las producciones de dibujos animados dirigidas por Rafael Vara, se sumó La gran aventura de Mortadelo y Filemón, de Javier Fesser, convertido en el largometraje español más taquillero de 2003. Coincidiendo con los primeros 50 años de vida de los hijos de Ibáñez, veremos cómo se desenvuelve Miguel Bardem (La mujer más fea del mundo, Incautos) con ellos, de nuevo en carne y hueso, y sobre todo, con los millones de aficionados a sus historietas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El Festival de Málaga cumple 10 años

2007-02-16T15:26:00.000+01:00

Lo que empezó como una reunión de amigos cinéfilos con algo de respaldo institucional se ha convertido en el escaparate más vistoso de nuestra industria audiovisual.

Los profesionales del cine y la prensa que acudían a sus primeras ediciones recuerdan hasta qué punto el festival era un encuentro, un lugar donde avanzar sus cintas, con apenas promoción y respaldo del sector: eran los malagueños adictos al cine los que auparon esta iniciativa sumida ahora en una especie de afán publicitario.

Una década después pocos son los que no se apuntan en la agenda esta cita, 9 días con tres estrenos de largometrajes de ficción por jornada, presentaciones de libros y proyectos, mesas redondas y proyecciones de documentales, cortometrajes, telefilmes... Cada año ha ido creciendo la agenda y la de 2007 está repleta, comenzando por el estreno inaugural de Lola, el retrato que de 'la Faraona' pinta Miguel Hermoso (Como un relámpago, Fugitivas, La luz prodigiosa) con ayuda de Gala Évora, José Luis García Pérez y Ana Fernández.

De Málaga han salido respaldadas cintas como El otro lado de la cama, Smoking room, Tapas, Sin vergüenza y Torremolinos 73, con largo recorrido en la cartelera. Aún así muchos se quejan de que los más conocidos de nuestro cine (Almodóvar, Amenábar, Aranda, Camus, Uribe, Bollaín, León de Aranoa, Medem...) no acuden por tener las miras puestas (y con razón) en certámenes internacionales. Eso ha otorgado a Málaga la etiqueta de 'escaparate' con la producción a estrenar durante el segundo trimestre del año.

No todo es malo, ya que gracias a eso hemos conocido a cineastas impulsados desde aquí, noveles por los que se apostó en su día: Miguel Albaladejo (La primera noche de mi vida), Laura Mañá (Sexo por compasión), Pablo Carbonell (Atún y chocolate), Federico Luppi (Pasos), Carlos Iglesias (Un Franco, 14 pesetas) y Daniel Sánchez-Arévalo (AzulOscuroCasiNegro).

En esta plataforma de lanzamiento competirán por las Biznagas de Oro y Plata a Jaime Marqués, que ha convertido a Juan José Ballesta y María Valverde en Ladrones; Rodrigo Cortés, que apostará con su Concursante (Leonardo Sbaraglia, Chete Lera), y Álvaro Díaz Lorenzo, gracias quien quizás podamos tomar Café solo o con ellas (Alejo Sauras, Asier Etxeandía, Lucía Jiménez, Elena Ballesteros). Tristán Ulloa, metido a director con Pudor, puede seguir los pasos de cineastas que tienen asegurado un futuro detrás de la cámara: Albaladejo lleva 7 títulos desde que coronó el primer palmarés, la actriz Laura Mañá presentó también Palabras encadenadas y Morir en San Hilario, y Azul OscuroCasiNegro, que con 3 galardones en el último festival, se confirmó hace unos días gracias a los Goya como una de las mejores cintas de 2006.

A su sección oficial regresa Antonio Hernández, que presentó ya en el siglo pasado Lisboa, con Sergi López y Carmen Maura. El director de En la ciudad sin límites nos contará cosas acerca de El menor de los males, y en cuanto a segundas obras, Antón Reixa (El lápiz del carpintero) acude con Hotel Tívoli, un mosaico de historias y personajes alrededor del mundo y Santiago Lorenzo lo hace con Un buen día lo tiene cualquiera con Diego Martín (Días de cine) y María Ruiz (El camino de los ingleses). El peruano Francisco Lombardi (Bajo la piel, Tinta roja) visitará la costa del Sol por primera vez con Mariposa negra.

Si en anteriores ocasiones Ángela Molina, Imanol Arias, Geraldine Chaplin, Verónica Forqué y Ana Belén vieron reconocidas sus trayectorias con el Premio Málaga, este año le llega el turno a Carmen Maura. La lista de 'Películas de Oro' –El verdugo, Los tramposos- se incrementa con El último cuplé. Al homenaje al productor Emiliano Otegui y la retrospectiva con la obra de Bigas Luna, se suma la concesión de un premio especial con motivo de los 10 años del festival a Alfredo Landa.

No nos olvidamos del área de documentales, que merecería un festival en exclusiva, además de ZonaZine, la sección más alternativa y vanguardista, que contará con un nuevo escenario: Avión ZZ, un DC-9 que aterrizará para ser la sede de actividades paralelas. Por el certamen han pasado más de 700 películas, entre cortometrajes, documentales y largos, un dato que permite que nos erremos al afirmar lo siguiente: del 9 al 17 de marzo, casi todo el cine español, en Málaga.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Un poquito de cine

2007-02-03T10:00:00.000+01:00

Volvemos a la carga y lo hacemos después de ver unas cuantas películas. Desde aquí ya hemos emitido nuestra opinión acerca de Bobby, Apocalypto, Pulse, En busca de la felicidad y muchas otras cintas de reciente estreno. Ya están analizadas en la sección Críticas de Cine, pero falta vuestra crítica.

En cuanto a apuntes curiosos, tenemos todo lo que no nos contaron acerca de la XXI edición de los Premios Anuales de Cinematografía y repasamos las candidaturas a los Oscar, que se entregarán el 25 de febrero. Por cierto, a toro pasado no tiene mérito, pero lo cierto es que nosotros apostamos en su día por Volver, AzulOscuroCasiNegro y El laberinto del fauno. También por Alatriste y Salvador, para que nadie se sienta despreciado: echa un vistazo a nuestros Monográficos.

Ya sabéis... ¡Buen cine!

Lo que no nos contaron de los XXI Goya

2007-02-01T17:51:00.000+01:00

Lo que no nos contaron: algunos veían asegurado su trozo de tarta, Almodóvar mosqueó a muchos y se entregó el primer Goya falso. Todo en una gala que, aseguran, costó 600.000 euros.

En un año de excelente cosecha, el debutante (y reconocido) Daniel Sánchez-Arévalo se vanagloriaba de ‘colar’ AzulOscuroCasiNegro entre las grandes: Volver, Salvador, Alatriste, El laberinto del fauno...

100 millones de nuestras antiguas pesetas –buena parte fueron a la productora El Terrat- ha costado la gala más ágil de 21 años de premios; 3.280.000 espectadores de media la siguieron por TVE; ya son 2, Carmen Maura y Verónica Forqué, las actrices con más galardones (4); y por primera vez 3 estamentos –público, crítica y profesionales- coinciden a encumbrar las mejores cintas del año.

No hubo discursos victimistas y el ‘ganador’ del Goya a la Mejor Edición Musical murió asesinado por pasar de los 30 segundos ante el atril. La crónica negra la protagonizó Almodóvar, que no fue acusando cansancio, aunque si anunció sus compromisos en Londres, es decir, con los Bafta y los premios de la crítica británica. Además de ausencias reales, hubo despistes sonados, como el hecho de que el presentador, José Corbacho, aprovechase cada no-concesión de un premio importante para enaltecer Salvador por encima de sus ‘rivales’.

Los más duchos con las cuentas nos avisan de que un Goya no es garantía de papeles millonarios y a veces ni de futuros trabajos; los más documentados recuerdan que nuestro cineasta más internacional no acude si es candidato a premio desde que en 1999 lo logró con Todo sobre mi madre y le cantó al príncipe Felipe. Expertos en marketing nos aclaran que la edición de este año servia de aval a Pe –entre los 5 premios de Volver- y a El laberinto... –7 bustos- ante los académicos de Hollywood, pero estos no suelen estar pendientes de nuestra cita con el glamour.

Empezamos a pensar que en las galas todo está orquestado para que ganen unos pocos y todos los demás participen como figurantes. Eso es lo que debieron pensar los aspirantes por Alatriste y Salvador, y los actores candidatos a los premios que se llevaron Cruz y Juan Diego. Desde luego hubo algo más de emoción que hace dos ediciones cuando Mar adentro barrió con todos los premios. A lo mejor no tiene mérito decir que Silvia Abascal (La dama boba) y Marta Etura (Azul...) se iban a ir de vacío. Tampoco era la primera vez: a las dos se les han escapado ya tres premios. Siguen la estela de Maribel Verdú, que ha acariciado el premio en 4 ocasiones y estuvo muy cerca con La buena estrella.

Un Goya no siempre da trabajo y ellas lo corroboran: además existe una leyenda negra que se ceba sobre todo con los ‘revelados’: veremos qué ocurre con la niña Ivana Baquero (El laberinto...) porque Andoni Erburu (Secretos del corazón) se alejó de las cámaras, al igual que las jóvenes Ruth Gabriel (Días contados) y Marieta Orozco (Barrio), entregadas a las tablas. También el checo Miroslav Taborsky (La niña de tus ojos) está olvidado por nuestra industria y no busque en los repartos a Micaela Nevárez (Princesas) y Jesús Carroza (7 vírgenes), ganadores del año pasado, porque no les encontrará. No ocurre con todos, sobre todo con los que ya llevaban cierto tiempo en la brecha como profesionales, caso de Ana Fernández (Solas, 1999), Laia Marull (Fugitivas, 2000), Leonardo Sbaraglia (Intacto, 2001), Paz Vega (Lucía y el sexo, 2001) y el reciente premiado Quim Gutiérrez (Azul..., Sin ti) en unos Goya que propician amores y desencuentros.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Imprescindible visita al Teatro Valle-Inclán...

2007-01-31T10:21:00.000+01:00

...a disfrutar de la fantástica puesta en escena de Un enemigo del pueblo. Entremos en detalle:

Corrupción, argucias, medios que pactan con el poder... ¿Vigencia del texto? Rotunda, y eso que Henrik Ibsen publicó en 1882 este ejercicio sobre la lucha por la verdad.

En una ciudad cuya principal atracción y fuente de riqueza es su balneario, el doctor Thomas Stockmann, un personaje controvertido e iluminado por el humanismo, descubre que el agua está contaminada. Su aviso tropieza con el rechazo frontal de los más influyentes del lugar y desata una guerra que trascenderá lo público y entrará en el ámbito más privado de los personajes.

Así comienza este drama, casi tragedia con Antígona moderna que podemos ver en el Teatro Valle-Inclán de Madrid. Una fábula sobre la democracia y las perversiones del sistema protagonizada por políticos incapaces en la gestión y muy hábiles para la demagogia. No se equivoque al pensar que usted, como espectador, no se verá reflejado aquí ya que todo texto político trata también sobre nuestro destino individual. Tras la carcasa, con ribetes sobre el entorno y la sociedad, se esconde una investigación del alma humana, como obras de Shakespeare y Beckett.

Como gestor del CDN Gerardo Vera se reserva la dirección de al menos un montaje por temporada. El que le ocupa, nada menos que del autor de Casa de muñecas, Peer Gynt y Espectros, siempre ha estado en la mochila. Los temores debido al discurso profundo pesaban más que las ganas de ver en acción a personajes que encarnan lo mejor y lo peor de la sociedad. Desempolvó el texto el año pasado, coincidiendo con el primer centenario de la muerte del Premio Nobel noruego y le propuso su adaptación a Juan Mayorga, "el re-escritor ideal de Ibsen".

Después de representar su Himmelweg. Camino del cielo, el que hace las delicias de grupos como Animalario y Ur Teatro, siguió en contacto activo con el CDN, primero en la adaptación de Divinas palabras y ahora con una obra compleja, con varias lecturas y digna de ser vista en el espacio del Valle-Inclán, donde el reparto, con Francesc Orella al frente, puede moverse a su antojo. La escenografía, limpia e ilusoria, también está al servicio de quienes son los verdaderos artífices del teatro para Vera: los actores.

Versionada por Arthur Miller y Christopher Hamptom y objeto de varias adaptaciones audiovisuales –una protagonizada en 1978 por Steve McQueen-, la obra suscita tanto interés que hoy día está en cartel gracias a un centenar de montajes. Mayorga no ha querido desvirtuar la esencia de Ibsen, limitándose a refrescar el lenguaje, dar mayor peso a los personajes femeninos principales (encarnados por Elisabet Gelabert, Olivia Molina y Ester Bellver) y trasladar la acción del siglo XIX al XXI. Esto se trasluce en una fábula moderna con televisiones locales y representantes vecinales y en una mayor confianza en el espectador, al que no hay que darle todo machacado.

Vera y Mayorga, mano a mano, subrayan el análisis profético que Ibsen (antecedente de Brecht) realiza acerca de la relación entre el poder y el supuesto periodismo independiente y el sacrificio de la verdad. Persiguen confrontar pragmatismo e idealismo, escenario y espectador: ¿no es el teatro el arte del conflicto? Para ello se bastan de ideas para discutir y emociones para experimentar, herramientas con las que quieren inquietar al receptor, hacerle pensar, y no tanto por su vigencia, sino por asestar un duro golpe a nuestra conciencia cívica como ciudadanos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Acento español en los Oscar 2006

2007-01-30T08:25:00.000+01:00

Puede que no se lleven un Oscar pero será el año en que se pronuncien más nombres en español: triunfa el "Made in México" y Hollywood se rinde ante Penélope Cruz.

Babel, Infiltrados, Cartas desde Iwo Jima, Pequeña Miss Sunshine y La reina. Entre estos títulos está la mejor película de 2006. Optan a premio todos sus directores excepto los de la única cinta de corte independiente, que ceden su visado a Paul Greengrass (United 93). Dreamgirls, sobre The Supremes, cuenta con el máximo de candidaturas, un total de 8, 3 de ellas en la categoría a mejor canción.

El auge del cine políticamente incorrecto, ratificado en la pasada edición, ha dado paso a la marca hispana y al mestizaje en los equipos ya que además de los vecinos del sur hay 7 españoles –entre ellos los responsables de dos cortos-, 5 actores negros y la japonesa Rinko Kikuchi, una de las intérpretes reconocidas de Babel. La otra es Adriana Barraza. Cualquiera de las dos puede arrebatarle la estatuilla a Cate Blanchett, candidata por Diario de un escándalo. En la misma categoría de reparto concurren una de las Dreamgirls, Jennifer Hudson (ganadora de la versión norteamericana de Operación Triunfo), y la joven protagonista de Pequeña Miss Sunshine, Abigail Breslin, que a sus 10 años puede seguir los pasos de Tatum O’Neal y Anna Paquin, otras niñas oscarizadas.

La emoción de Salma Hayek durante el anuncio de las candidaturas queda justificada al dar por hecho el triunfo de sus compatriotas: 7 candidaturas para Babel, de Alejandro González-Iñárritu, 6 en el caso de El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, y 3 opciones a premio para Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón. l éxito de la cinta protagonizada por Ivana Baquero, Ariadna Gil, Sergi López y Maribel Verdú nos toca más de cerca: la coproducción hispano-mexicana es la tercera película rodada en castellano más vista de la historia en EE.UU. y espera ser reconocida en la categorías de película en lengua no inglesa, dirección artística, fotografía, maquillaje, música y guión original.

El mejor actor del año saldrá de los siguientes nombres: Leonardo DiCaprio (Diamantes de sangre), Peter O’Toole (Venus), Will Smith (En busca de la felicidad), Forrest Whitaker (El último rey de Escocia) y Ryan Gosling (Half Nelson).

En el caso de las féminas, Helen Mirren es quien tiene más probabilidades, a juzgar por el Globo de Oro que ya tiene por La reina. Británicas también son Judi Dench (Diario de un escándalo) y Kate Winslet (Juegos secretos) y madrileña hasta la médula Penélope Cruz, que se enfrenta a su referente en el mundo de la interpretación, Meryl Streep (El diablo se viste de Prada), la única estadounidense que opta al galardón.

Aún no llega a los 33 años y se ha convertido en la primera actriz española que compite por un Oscar, 5 años después de la hazaña de Javier Bardem (Antes que anochezca). Es el mayor hito en lo que lleva de carrera: 35 títulos, un Goya (La niña de tus ojos), un David de Donatello (No te muevas), etc. Por su tercera cinta a las órdenes de Almodóvar se ha llevado la Palma de Plata en Cannes (a compartir con sus compañeras), un Premio del Cine Europeo, fue candidata a un Globo de Oro y puede recoger un Bafta británico, sin olvidarnos de los incontables premios nacionales.

Asegura que la candidatura es para su mentor en Volver, la cinta española con más proyección internacional desde que otra película, adivinen, arrasó en 2003: Hable con ella, Oscar al mejor guión y aspirante al de mejor dirección. La actriz se confiesa triste y confundida porque esperaba que Volver optase al Oscar a la mejor película en lengua extranjera al igual que El laberinto del fauno. Esperemos que "nuestra" representante se imponga a Las vidas de los otros (Alemania), Agua (Canadá), Después de la boda (Dinamarca) y Días de gloria (Argelia).

La suerte está echada y sólo sabemos el nombre de quien recogerá un Oscar, el honorífico: el compositor Ennio Morricone. La madrugada del 25 al 26 de febrero saldremos de dudas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Candidaturas a los XXI Premios Goya: tarta para todos

2007-01-11T19:13:00.000+01:00

Alatriste (15), Volver (14), El laberinto del fauno (13) y Salvador (11) copan las principales candidaturas a los galardones más esperados de nuestro cine.

Las cintas de Agustín Díaz-Yanes, Pedro Almodóvar y Manuel Huerga entraron en la carrera hacía el Oscar a la mejor película extranjera y la de Guillermo del Toro concurre por México. Parece que esta vez, los más de mil académicos con derecho a voto han seguido una línea de cordura hasta llegar a los XXI Premios Anuales de Cinematografía.

Con mucha lógica, los 4 directores son candidatos a premio, aunque no debemos obviar el hecho de que las principales aspirantes se den de bruces cuando hagamos el recuento final de premios. Sólo tenemos que recordar el chasco del año pasado, cuando la riña entre Obaba –10 opciones a premio, 1 estatuilla- y Princesas -de 9, sólo 3-, se saldó con el triunfo de La vida secreta de las palabras –de 5 se llevó 4- y la pedrea que recayó en 7 vírgenes. Y mencionamos ‘triunfo’ porque la que se impone a sus ‘rivales’ en la ceremonia con más glamour de nuestro cine ganan en prestigio y espectadores al vivir una segunda época de ‘estreno’, ya sea en salas o en DVD.

Cantado era que Penélope Cruz estuviese en el cuarteto de mejores actrices –veteranas conocidas de estos premios- junto a Maribel Verdú por El laberinto del fauno. Menos esperado, aunque muy acertado, es que completen la categoría Silvia Abascal, por La dama boba, y Marta Etura, que el año pasado concurrió con Para que no me olvides y este lo hace con AzulOscuroCasiNegro. Es una de las sorpresas agradables que ha deparado el listado de elegidas. La ópera prima de Daniel Sánchez-Arévalo tiene otras 5 candidaturas, entre ellas la de mejor director novel, un apartado en el que se verá las caras con Carlos Iglesias (Un franco, 14 pesetas), Javier Rebollo (Lo que sé de Lola) y Jorge Sánchez-Cabezudo (La noche de los girasoles).

No lo habíamos dicho, pero Almodóvar está contento porque en el reparto de opciones están representados todos los equipos de la película. Blanca Portillo agradecía que destacasen el hecho de que en Volver hay un equipo de mujeres que funciona y se da mucho amor. Las que fueron galardonadas con la Palma de Plata en Cannes optan a convertirse en la mejor actriz de reparto. Sólo una puede ensombrecer la alegría a Portillo, Carmen Maura y Lola Dueñas, y es Ariadna Gil, por haber enamorado al espadachín a sueldo interpretado por Viggo Mortensen.

Nos gustará o no la interpretación del neoyorquino pero al menos este año no se han sulfurado los que protestaron por la mención de Nicole Kidman por Los otros. El ‘honor’ patrio puede ser salvado por Sergi López (El laberinto...), Daniel Brühl (Salvador) y Juan Diego (Vete de mí). En la categoría de reparto el premio puede ir a Leonardo Sbaraglia (por el carcelero de Salvador), Juan Echanove (Quevedo en Alatriste), Antonio de la Torre (AzulOscuroCasiNegro) y Juan Diego Botto (Vete de mí).

De los Goya salen con impulso rostros desconocidos que pronto dejarán de serlo: en el caso de los chicos ya han dado qué hablar Quim Gutiérrez (AzulOscuroCasiNegro) y Alberto Amarilla (El camino de los ingleses), también Javier Cifrián (El Próximo Oriente) y Walter Vidarte (La noche de los girasoles). Al hablar de ellas, quédense con los nombres de la pequeña Ivana Baquero (puso contra la pared al fauno ya citado), Adriana Ugarte (compañera de Juanjo Ballesta en Cabeza de perro) y Verónica Echegui (chica Luna en Yo soy la Juani). Bebe, la cantante que se pasa a la interpretación, también puede ser mejor actriz revelación de 2006 por La educación de las hadas a pesar de que participó en los repartos de Al sur de Granada y El oro de Moscú, aunque esa mejor la olvidamos.

Echamos en falta la presencia de Javier Cámara por su Conde-Duque de Olivares y el reconocimiento a la dirección y la música de El camino de los ingleses, la segunda película dirigida por Antonio Banderas. La banda sonora de ¿Por qué se frotan las patitas? tampoco se destaca aunque sí la de Salvador, compuesta por Lluís Llach. Es verdad que todos no cabían, así que el año que viene podrían ser 5 aspirantes por categoría: ya que nos gusta tanto emular a los de Hollywood, tampoco sería extraño. Por cierto, vaya pensando qué película europea le gustó más: Copying Beethoven, El viento que agita la cebada, Scoop o La reina.

De aquí al último fin de semana de enero tenemos tiempo para hacer quinielas: puede que los académicos se olviden de premiar Alatriste, la película más cara del cine español hasta el momento, o de reconocer a Volver, en plena escalada hacia los Globos de Oro (mejor película extranjera y mejor actriz) y los Oscar, pero reserve hueco a la sorpresa porque es posible que desempaten Salvador o El laberinto del fauno.

Sólo sabemos que el productor Tedy Villalba recibirá el Goya de Honor y que Ángeles González-Sinde ofrecerá el discurso de apertura de la gala. Sucede como nueva presidenta de la Academia a Mercedes Sampietro y méritos no le faltan: debutó como directora con La suerte dormida, después de firmar los guiones de La buena estrella, Segunda piel y Los aires difíciles, entre otros.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Así fue el año 2006

2007-01-11T18:55:00.000+01:00

El triunfo del cine ‘menos correcto’ en Hollywood, la carrera de fondo de Volver, los nuevos 007 y Superman, los 25 años de Indiana Jones...

El año comenzó con fuerza gracias al estreno de las grandes favoritas a los Oscar: Brokeback Mountain (Ang Lee), Crash (Paul Haggis), Buenas noches, y buena suerte (George Clooney), Truman Capote (Benett Miller) y Munich (Steven Spielberg). Fueron la excepción entre los títulos con presupuestos inflados y buena calidad, una relación reñida por lo general, como corrobora Pequeña Miss Sunshine, la revelación del año, por delante de otras sorpresas agradables como En la cumbre, Una historia de Brooklyn y Hard Candy. ¿Títulos prescindibles? Muchos y ya olvidados, así que quedémonos con lo bueno.

Regresó James Bond, menos fantástico que en sus anteriores entregas y con nuevo rostro, el de Daniel Craig. Durante meses provocó las más airadas críticas entre los seguidores del hijo más popular de Ian Fleming. Parece que no hubo nada mejor para desterrar polémicas que ver la Casino Royale, que muestra al espía 007 cuando aún no tiene licencia para matar. Woody Allen no cumple su promesa de rodar en Barcelona: al estreno de Scoop siguió otro proyecto londinense. Lo que si hace el genio neoyorquino es realzar, al menos en Europa, estrellas que quieren ser intérpretes (Scarlet Johansson) y actores que quieren llegar muy alto (Hugh Jackman). Martín Scorsese (Infiltrados) suele contribuir también a ello, lo mismo que Stephen Frears (La reina).

El cine apocalíptico con acento social llegó con V de Vendetta (James McTeigue) e Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón), fábulas repletas de interrogantes abiertos y ambientadas en un futuro Reino Unido demasiado cercano. No convenció Oliver Stone por la lacrimógena forma de hurgar en las heridas del 11-S con World Trade Center, todo lo contrario de United 93 con la que Paul Greengrass (Bloody Sunday) demostró sus excelentes armas para narrar un episodio histórico con acierto –no hablamos de objetividad-.

En cuanto a festivales comenzamos por Berlín, donde ganó el León de Oro la contundente Grbavica, sobre las consecuencias de la guerra en Bosnia, y seguimos por Cannes, donde fueron abucheadas El código Da Vinci y María Antonieta. Almodóvar consiguió poner una pica en el palmarés compartida con Alejandro González-Iñárritu (mejor director por Babel) y Ken Loach (El viento que agita la cebada se llevó la Palma de Oro). Nuestro manchego con pasaporte al Oscar, opciones a los Globos de Oro, barrido en los Premios del Cine Europeo y flamante Príncipe de Asturias de las Artes no se fue con las manos vacías logrando un premio al guión y otro para sus chicas, un premio colectivo para Blanca Portillo, Carmen Maura, Yohana Cobo, Lola Dueñas y Penélope Cruz.

Ya en casa se estrenaron Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasiNegro), Álvaro Begines (¿Por qué se frotan las patitas?), Iñaki Dorronsoro (La distancia) y Carlos Iglesias (Un Franco, 14 pesetas), vimos Alatriste, la producción más cara del cine español, el canto de Salvador, y regresó Antonio Banderas para mostrar irreverencia cinematográfica en la inteligente y poética El camino de los ingleses, donde se atisban algunos de los futuros valores de la interpretación ibérica. Ya veremos qué opinan en Sundance y en Berlín.

De Iberoamérica llegaron pocas noticias, lo mismo que del mercado asiático. No se nos olvida reseñar la trinidad mexicana, a la que pertenece Guillermo del Toro y El laberinto del fauno –posible competidora de Volver en los Oscar- y la muerte de tres creadores: Eduardo Mignogna (El faro del sur), Fabián Bielinsky (Nueve reinas) y Juan Pablo Rebella (Whisky). Celebramos los centenarios de John Huston, Billy Wilder, Luchino Visconti y Roberto Rossellini y también fallecieron Shoei Imamura, el documentalista Joaquín Jordá y el director de Surcos, José Antonio Nieves Conde, sin olvidarnos de dos divas de la canción que en su día nos saludaron desde la pantalla: Rocío Dúrcal y Rocío Jurado.

Paz Vega, Penélope Cruz y Elsa Pataky han tenido que hacerle un hueco en Los Ángeles a la joven Dafne Fernández, criada en el cine por Gerardo Herrero y Carlos Saura. El puente aéreo se completa con extranjeros que pasaron por nuestro país: Timothy Hutton (La caja Kovak), Julianne Moore (Savage Grace) y Adrien Brody (Manolete). Este año, mucho más.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Cine en Navidad

2006-12-17T11:23:00.000+01:00

Ratones listillos, pingüinos cantarines enfrentados a uno algo más bailón, dragones responsables y muchos gamberros... Cambiamos el cole por la sala de cine.

La Navidad revoluciona la cartelera, mucho más que otras épocas vacacionales para los más pequeños, como la Semana Santa y el verano. Con la llegada del frío, nada mejor que resguardarse en la sala del cine donde además podemos entrar en mundos fantásticos, llenos de criaturas increíbles.

Durante tres años consecutivos pudimos disfrutar de las entregas de El Señor de los Anillos. Para alegría de aquellos que se consideren un poco huérfanos de títulos fantásticos llega Eragon, el inicio de una nueva saga basada también en novelas de éxito. Llegamos hasta un universo paralelo donde hay hechiceros, dragones y jóvenes aprendices de jinetes. Las aventuras, con los conocidos John Malkovich y Jeremy Irons como principales reclamos, convencerá a los más pequeños, menos deudores de las peripecias de Peter Jackson.

Eragon no es el único visado a la fantasía: En busca de la piedra mágica nos lleva hasta el idílico y animado país de Gaia. Allí ha desaparecido el talismán que condiciona la vida de sus habitantes. Dos de sus más aventajados moradores emprenderán una búsqueda incesante que les llevará a descubrir más de un secreto. Los que no tienen nada que esconder y tienen mucho arte son los palmípedos de Happy Feet. Rompiendo el hielo, una revisión de la fábula del patito feo.

Desde la Antártida nos vamos hasta el jardín de casa, mejor dicho, del destartalado hogar de Mia Farrow en Arthur y los minimoys. Hasta ahora teníamos diminutos, elfos, hadas y enanos de jardín, pero gracias a Luc Besson la población que se oculta al común de los mortales sale a la luz. También de animación es Cristóbal Molón, sobre los primeros insectos que pisaron la luna, y Ratónpolis, heredera de Chicken Run, Wallace y Gromit: la maldición de las verduras, Shrek y Madagascar.

Los roedores están de moda, sobre todo uno de sus más famosos exponentes. Nos referimos al que se encarga de recoger los dientes de leches que se caen y van directos bajo la almohada Con acento hispano llega Pérez, el ratoncito de tus sueños, una cinta que mezcla imagen real y digitalizada, al estilo de las aventuras protagonizadas por Arthur. Y si en aquellas Carlos Jean y Elena Anaya ponían sus voces a las criaturas élficas, aquí son Fran Perea y Paz Padilla los actores de doblaje invitados.

La legión de estrenos de consumo estrictamente navideño se completa. Qué sería de estas fechas sin Tim Allen. Da la sensación de que el actor se prepara cada año para sorprendernos con un título más previsible aún que el anterior. A las prescindibles Una Navidad de locos y Vaya Santa Claus añadimos Pequeños grandes héroes y Santa Claus 3, la tercera entrega de su saga almibarada con el amigo de los renos de narices rojas.

Recibimos Un invitado por Navidad llega desde Alemania y la verdad, si no le abren la puerta, tampoco pasará por maleducado, al menos ante nosotros. Esta producción recuerda a otras como Sobreviviendo a la Navidad, pero su factura técnica deja bastante que desear en comparación con otras comedias familiares destinadas a satisfacer las ansias fílmicas de los niños, como Peligro: menores sueltos. ¿Alguna duda acerca de si son ellos, los menudos, los auténticos dictadores de las carteleras en estas fechas?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "María Antonieta"

2006-12-17T11:17:00.000+01:00

La polémica está servida: los críticos se preparan para merendarse a Sofia Coppola y sólo ustedes pueden salvarla de la guillotina. Eso si les convence su cuarto largometraje.

Después de experimentar junto a su padre y Woody Allen en Historias de la ciudad, darse a conocer con Las vírgenes suicidas (1999) y demostrar su solvencia como realizadora en Lost in traslation (2003), la neoyorquina con cine en las venas pone su mirada en la aristocracia francesa del siglo XVIII.

Caprichosa, irreverente, pomposa y heterodoxa. Hablamos desde luego de la sociedad de la época, no de la hija de Francis, aunque también podríamos dedicar unos cuantos párrafos a esta niña de papá cineasta que atesora una amplia cultura cinematográfica. La escritora, productora, actriz y cineasta -completita nos ha salido- se permite el lujo de deconstruir y modernizar a su antojo episodios históricos que podrían pasar por ñoños según quien los adapte en imágenes.

Coppola se fue enamorando de un símbolo de la decadencia real, cuya cabeza acabó rodando por culpa de un invento atroz –hubiera sido ajusticiada de igual manera-. María Antonieta fue una sola, pero son muchos los que se han acercado a ella, como Antonia Fraser, autora del libro de cabecera de los participantes en esta producción durante el rodaje en el Palacio de Versalles y otras fastuosas localizaciones. Fraser dio algunas pinceladas acerca de la vida de esta joven princesa austriaca que se convirtió, de manos de Luis XVI, en reina de Francia a los 19 años.

El rostro más conocido de la cinta es Kirsten Dunst. Con ella trabajó Coppola el poema visual que narra, sin dar respuestas, la muerte deliberada de varías hermanas. La protagonista de Spider-Man, Elizabethtown, Olvídate de mí y Entrevista con el vampiro ha crecido –tiene 24 años-, es más famosa y sigue teniendo las ideas igual de claras que al principio: allá donde hay un proyecto sustancioso, allá que se tira de cabeza. Y éste, a fuerza de ser controvertido, es sobre todo original.

La libertad creativa bajo la que se desarrolló el rodaje de María Antonieta no ha gustado a los críticos y tampoco al jurado del pasado Festival de Cannes: dicen de esta película que es surrealista, insolente y desvergonzada, y no sólo por hecho de que suenen New Order, Air, Cure y The Strokes donde sólo, y siempre según los puristas, deberían emanar los efluvios de Vivaldi, Rameau y Couperin.

Ahijada de los ‘tontos del cool’, nos negamos a pensar que el lado cultureta y estetizante, la afrenta de reinterpretar la Corte de Versalles a ritmo de vídeo-clip, pueda manchar aún más una adaptación calificada por muchos como frívola y acusada de escaso rigor histórico. Esperemos a su estreno antes de dejarnos llevar por comentarios maldicientes, aunque no nos vamos sin lanzar una pregunta: ¿desde cuando el cine debe ser considerado exclusivamente como una clase de Historia?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Arthur y los minimoys"

2006-12-02T09:42:00.000+01:00

¿Un gran proyecto de animación en Europa? Es posible. Llega a buen puerto el barco tripulado por Luc Besson, un cineasta polivalente.

Dirige, produce, escribe, interpreta... Rumores apuntan a que ya estudia la siguiente película de Antonio Banderas como director, un retrato de Boabdil el chico. Su currículum apabulla. Entre sus películas, sólo como realizador, destacan El gran azul, León, el profesional, Juana de Arco, Nikita y El quinto elemento.

El parisino de 47 años es un hombre de cine capaz de embarcarse en aventuras arriesgadas. La última, después del descalabro de Bandidas –con Salma Hayek y Penélope Cruz-, le ha llevado hasta un universo infantil de ensueño que ha contribuido a que los europeos sientan que existe una incipiente industria de animación cinematográfica.

Hace 7 años llegó a sus manos los bocetos de una historia con unos seres parecidos a los elfos, con pelo pincho y orejas puntiagudas a las que no escapa ni un sonido. Se apasionó tanto con ellos que decidió dar rienda suelta a su imaginación: se encargó de darles un aspecto psicodélico, un look algo guerrero a lo Mad Max, aunque no les ubicó en las urbes del futuro de El quinto elemento sino entre las briznas de hierba del jardín.

Fuera del mundo francófono es desconocida su faceta como escritor de literatura infantil pero lo cierto es que Besson publicó en un corto periodo de tiempo 4 libros sobre los Minimoys y un amigo de estos, el niño Arthur, que tiene un referente cinematográfico en el protagonista de Ant Bully. Bienvenidos al hormiguero.

Los Goonies –un clásico del cine de aventuras- se jugaron la vida al ir en busca de un barco pirata cargado de tesoros. El fin justificaba todos los peligros: su idílico lugar de residencia iba a ser vendido por unos urbanistas sin escrúpulos. Algo parecido le ocurre al pequeño Arthur, que ve como su abuela puede perder su casa. Él lo impedirá, pero para ello debe encontrar una fortuna escondida en un mundo poblado por diminutos.

Así empieza la historia, que aglutina en su guión los primeros libros de la saga: Arthur y los Minimoys y Arthur y la ciudad prohibida. Para llevarlos a imágenes ha orquestado un equipo formado por más de 200 animadores que han contado con 65 millones de euros para sus gastos. Protagonizada por criaturas animadas digitalmente y los actores Freddie Highmore (Charlie y la fábrica de chocolate) y Mia Farrow en uno de sus primeros papeles de abuela, la cinta puede ser la primera parte de una trilogía: el galo asegura que ésta puede ser la última película que dirige pero ya mascullan acerca de los dos títulos continuadores de éste, La venganza de Maltarard –el malo que les hace la vida imposible- y La guerra de dos mundos.

David Bowie y Madonna ponen sus voz a las criaturas en la versión original. La diva del pop, también escritora y actriz, ha interiorizado el personaje de Selenia, una princesa graciosa, inteligente, caprichosa y dominante que en castellano está doblada por Elena Anaya.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Antonio Banderas, rehace el camino

2006-12-01T15:04:00.000+01:00

72 películas como intérprete y 7 años después de mostrar sus dotes como cineasta en Locos en Alabama, el artista nos enseña a su manera la ciudad y la época donde modeló la materia de sus sueños.

Como el que vuelve a su casa a buscar un objeto del pasado, José Antonio Domínguez regresa a la Málaga que abandonó el 3 de agosto de 1978 montado en un tren, nada de dinero y mucha ilusión. Aquellas 15.000 pesetas que llevaba se han transformado en 7,5 millones de euros, los que ha costado El camino de los ingleses. No los ha invertido él, sólo parte a través de su productora Green Moon, con la que quiere respaldar a jóvenes para que puedan crear algo en su ambiente, sin tener que poner tierra de por medio.vida. Y lejos de la visión amable que proporciona su carisma, nos hace un nudo en el estomago, sin apelar a la lágrima fácil pero sí a la inteligencia y la opción de reponerse a la incertidumbre, al dolor.

Más reflexivo, quizás por sus 46 años, el hijo de la maestra y el policía recuerda hasta qué punto una sustitución y un aplauso en el Teatro María Guerrero le hizo creer en sus posibilidades como actor. Eran los 80: una primera película, Pestañas postizas, Almodóvar (de Laberinto de pasiones a Átame), charlas y noches sin dormir, los primeros pasos de puntillas en Los Ángeles... Lo fue saboreando todo al venir de un ambiente en el que la falta de oportunidades se cubría con esperanzas y anhelos.

En el terreno de la interpretación hace tiempo que dejó de ser el que se ponía a la sombra de Tom Hanks y Madonna. Es el actor comercial de Spy kids y El Zorro, pero también el respetado por el musical Nine. Broadway, el teatro... A sus tablas volverá a subirse, le debe mucho al teatro.

Irradia magnetismo. Quienes han trabajado con él destacan que todos hacía participe de su película, dando verdadero sentido a la idea de que el cine es un trabajo en equipo. Contagia pasión cuando habla de su idea del cine y le reconocen su función como coordinador de talentos que pretendía desprenderse de todo lo que pueda contaminar el proceso creativo. Asegura que es más fácil para un actor ser dirigido por otro: sólo ellos saben como muchos cineastas les han metido en pozos de los que no han podido salir.

Puede que coincida de nuevo con Almodóvar, siga siendo el gato con botas de Shrek, haga Memorias de Adriano y dirija Málaga en llamas, sobre la guerra civil y con Melanie Griffith como protagonista. Antes le gustaría reflexionar en Boabdil acerca de la polarización entre Oriente y Occidente. Luc Besson podría echarle una mano en ese viaje hasta la Granada de 1492, el choque de culturas y lenguas, el árabe y el castellano.

Estos días le vemos entregado a su película, ‘de largo recorrido, que se saboreará con el paso de los años’, como los buenos vinos. No hace falta irse tan lejos: muchos sabrán apreciar cómo ha transformado la melancolía en energía a la hora de rodar una historia no narrada sino evocada. Dice que la memoria fracciona los recuerdos en detalles y destaca uno de hace 15 años: se presentó a la prueba para Los reyes del mambo sabiendo sólo decir en ingles ‘I can do that’. Ahora lo dice en castellano: yo puedo hacerlo. Y es verdad, se atreve con todo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Eragon"

2006-11-24T17:36:00.000+01:00

Imagine que, lejos de labrar las tierras y dar de comer a los animales, su destino le deparase aventuras épicas en un mundo dominado por la magia y los sueños.

Un huevo de dragón tiene buena parte de culpa, un descubrimiento que llevará a nuestro protagonista, de tan sólo 15 años, a convertirse en cabeza visible de los legendarios jinetes de dragones. El campesino es más poderoso de lo que cree y nosotros lo vamos a descubrir junto a él.

Christopher Paolini tiene en la actualidad 23 años y escribió Eragon dejando vía libre a un torrente de imaginación. Aquellas páginas dieron lugar a un titulo, el primero de la trilogía de El legado, destinado en principio a consumidores juveniles. El final de la historia ya lo conocemos: acaba engatusando a lectores de todas las edades y como las obras que le inspiraron, se convierte en película.

Con Eragon ocurre igual que con Las crónicas de Narnia de C.S Lewis, la saga protagonizada por el mago Harry Potter y el universo creado por Tolkien, lleno de hobbits, elfos, enanos, hombres y criaturas maléficas. El mundo literario vuelve a traspasar los márgenes de las hojas y llega a las pantallas de cine. Y pronto llegará otro título de estas características: La materia oscura, una trilogía firmada por Phillip Pullman.

Paolini trabaja sus historias en un marco de fantasía bien trabada, con dragones, magos, elfos y gnomos, seres imaginarios pero coherentes en sus actos. Sus relaciones responden a un cosmos anclado en detalles muy cuidados. Convencen sus libros y ahora sólo queda confiar en que también funcione la adaptación cinematográfica protagonizada por Jeremy Irons (Dragones y mazmorras, El reino de los cielos), John Malkovich (Pasos de baile, La sombra del vampiro), Djimon Hounsou (Gladiador, En América), Robert Carlyle (Full monty, La playa) y Sienna Guillory (Love actually, Resident Evil), los veteranos actores que arropan al debutante Edward Speleers.

Cien millones de dólares de presupuesto ha sido la cantidad invertida en la cinta, entregada a un debutante en la dirección, el especialista de efectos digitales Stefan Fangmeier. Nadie le conoce pero puede repetir la hazaña de Peter Jackson, porque Eragon sigue los pasos de la más aplaudida de las aventuras cinematográficas basadas en literatura fantástica. Y no falta ni un solo pormenor: si Enya y Annie Lennox aportaron su voz a aquella gran empresa, Eragon también tiene una cantante de éxito, Avril Lavigne, que compuso Keep holding on para esta aventura, que tiene un lema: lo que antes era tu vida, ahora es tu leyenda.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Así es "Casino Royale"

2006-11-24T17:25:00.000+01:00

El estreno de Casino Royale nos permite revisitar una saga que ha dado 21 largometrajes protagonizados por el agente secreto con más estilo del mundo.

Hace 39 años, una paródica cinta del mismo título adaptó algunos flecos de la novela original de Ian Fleming, pero la que para muchos es ‘el Santo Grial de James Bond’ –el primera de los once relatos largos que escribió- no había sido llevada al cine de manera fidedigna hasta ahora. De hecho, aquella cómica aventura no era considerada una película oficial, contando con Ursula Andrés, Orson Welles y tres actores para dar vida a agentes muy diferentes: David Niven, Peter Sellers y Woody Allen.

Ya podemos conocer el lado más humano y vulnerable de un agente que, al servicio de Su Majestad, aún no tiene licencia para matar. La aventura protagonizada por el británico Daniel Craig nos permite comprobar hasta qué punto sufre y se enamora un espía con miedo al compromiso, huérfano de padres (el personaje de Judi Dench es su protectora) y poco sentido del humor. Le ven tan cínico y duro como el Bond que creó Sean Connery, y menos elegante y divertido que el de Roger Moore.

Como siempre, se rodea de mujeres bellas, como la francesa Eva Green, la bosnia Ivana Milicevic y la italiana Caterina Murino, que destaca la carga sensual que tienen estas películas, que tienen a partir de ahora a las mujeres como principales receptoras, en alusiones a las secuencias eróticas, como la que presenta a Craig saliendo del mar, un claro guiño a escenas protagonizadas por Ursula Andrés en la primera entrega (007 contra el Doctor No) y Halle Berry en la vigésima (Muere otro día).

Martín Campbell, director de las aventuras de Antonio Banderas como El Zorro, regresa al universo Bond después de haber dirigido Goldeneye. En su opinión, los productores de la factoría se habían dejado llevar por el punto extravagante e incluso disparatado alcanzado en El mundo nunca es suficiente y Muere otro día. En una nueva manera de acercarse al personaje ha optado por dotar de realismo las escenas de acción, retornando a los patrones más clásicos del cine de espionaje. Este Casino Royale es un thriller menos fantasioso y eso que tiene al Bond más joven, el que podría hacer más piruetas y descalabros.

Es la película de la saga 007 que más dinero ha recaudado en el fin de semana de su estreno en Gran Bretaña: 19 millones de euros. El largometraje de animación Happy feet le arrebató el primer puesto en la taquilla de EE.UU. James Bond tiene vida para rato y Craig se equiparará a su antecesor, Pierce Brosnan, ya que como él, protagonizará al menos un total de cuatro títulos. ¿El próximo? En noviembre de 2008.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Candidatos a los XIX Premios de Cine Europeo

2006-11-20T18:14:00.000+01:00

Nacieron hace 19 años con la idea de velar por nuestra cultura y dotar de conciencia grupal a las cinematografías europeas, tan desperdigadas como necesitadas entre si.

La mejor película de este año puede ser alguna de las que ya hemos visto: Desayuno en Plutón, de Neil Jordan, Camino a Guantánamo, de Michael Winterbottom, y El viento que agita la cebada, de Ken Loach. También tiene posibilidades Grbavica, de Jasmila Zbanic, ganadora del Oso de Oro en el pasado Festival de Berlín. Pendiente de estreno en España está Las vidas de los otros. ¿Y qué me dicen de Volver?

Los 1.700 miembros que velan por la mejora del cine europeo son los encargados de votar por ellas, pero los ciudadanos de a pie tenemos un importante papel al ser los encargados de decidir el premio del público entre títulos como Las partículas elementales, El niño, Feliz Navidad, El viaje del emperador, Oliver Twist, Paradise now, Algo parecido a la felicidad y Wallace & Gromit: la maldición de las verduras.

Pedro Almodóvar se lanza de nuevo a la conquista del viejo continente antes de continuar su marcha triunfal por las Américas. Volver, al igual que la alemana Las vidas de los otros, ha logrado colarse en 6 categorías. El cineasta manchego tiene el honor de haber sido reconocido por Todo sobre mi madre y Hable con ella con el Premio del Público de la Academia del Cine Europeo. Su última y aclamada producción opta a las distinciones de mejor director, guión, fotografía (José Luis Alcaine), música (Alberto Iglesias) y película.

No nos olvidamos de Penélope Cruz, que tiene como ‘contrincantes’ a Martina Gedeck (Las vidas de los otros), Sandra Hüller (Réquiem), Mirjana Karanovic (Grbavica) y dos más conocidas: Nathalie Baye (Le petit lieutenant), que se dio a conocer en Una relación privada mantenida con Sergi López, y la canadiense Sarah Polley, por La vida secreta de las palabras. En el apartado de mejor actor optan al galardón destacan los nombres de Patrick Chesnais, por No estoy hecho para ser amado y Cillian Murphy, por dos trabajos: Desayuno en Plutón y El viento que agita la cebada.

Además de la dirigida por Ken Loach y Volver, la cinta de Isabel Coixet era otra de las 5 representantes con producción española, una lista que se completa con Princesas y Salvador. En el terreno documental, La casa de mi abuela, de Adán Aliaga, era nuestra opción en una categoría donde al final se impuso el retrato de un monasterio en los Alpes franceses, El gran silencio, por su capacidad de narrar la mística de la fe y nuestra necesidad de calma y silencio, en contraste con la vida moderna.

Otro de los galardones que ya tiene nombre es el honorífico que reconocerá la trayectoria de Roman Polanski. La cita con estos premios está convocada para el 2 de diciembre en Varsovia, Polonia. Y en 2007, celebrando sus primeros 20 años, de nuevo a Berlín.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Adelantamos... El perfume

2006-11-20T17:51:00.000+01:00

La producción más cara del cine germano, 50 millones de euros, es también la adaptación más esperada de lo que queda de año, con permiso de Casino Royal.

Stanley Kubrick, Ridley Scott, Milos Forman, Tim Burton, Steven Spielberg y Martin Scorsese. Muchos lo ansiaron pero ninguno consiguió que Patrick Süskind cediese los derechos de una de las novelas más vendidas de los últimos 20 años. Al final es Tom Tykwer, director de Corre, Lola, corre y la irregular La princesa y el guerrero, quien ostenta el honor y el riesgo de versionarla, apoyado en un halo de misterio que va más allá del que atrapa al lector sólo con palabras y actores de fama internacional: Dustin Hoffman y Alan Rickman.

Muchos de los asiduos navegantes de esta web habrán leído el libro, gran éxito de ventas y en su día objeto de regalo entre alemanes como hoy lo es El código Da Vinci. Forman parte de los 15 millones de lectores en 45 idiomas diferentes, los que esperan que la traslación a imágenes de la historia de Jean Baptiste Grenouille no les defraude. A priori cuenta con ingredientes para no hacerlo: pocos cambios respecto de la novela, cierto regusto a David Cronenberg, estrellas en un reparto semi-desconocido y creíble, y el respaldo del productor de La historia interminable, El nombre de la rosa, El hundimiento y Las partículas elementales. El best-seller se puede convertir en ‘taquillazo’ con sustancia: se huele el éxito.

El joven Ben Whishaw (El intruso, Stoned) es el hombre sin olor pero con tanto olfato que aprende a destilar esencias para crear la suprema a partir del olor concentrado de jóvenes doncellas. El relato nos lleva hasta Grasse, una ciudad del sur de Francia que en 1766 vive conmocionada por unos crímenes horrendos. Al comienzo de la película conocemos a Grenouille (sapo, en francés), el inadaptado que salvó de la quiebra al perfumista Giuseppe Baldini (Dustin Hoffman). Supo crear los mejores aromas pero cayó presa de una maldición que le llevó a conseguir el ‘más hermoso de los olores’, frase que destaca la plasticidad del filme.

La salvación del cine europeo pasa por la coproducción y esta película es el mejor ejemplo trasnacional. En papeles de reparto hay actores españoles, como Paul Berrondo, Carlos Gramaje y miembros del grupo La Fura dels Baus, que le han cogido gustillo al séptimo arte (Goya en Burdeos, Fausto 5.0). Participación ibérica a consecuencia de que España se impusiera a Croacia como escenario natural de los decorados. El perfume se rodó de julio a octubre de 2005 en Barcelona, Gerona y Figueras.

El buen olor y las pestilencias casi se perciben en este lujosa adaptación que combina suspense y terror sobre una atmósfera de modernidad con la veracidad de la Francia de Luis XV. A lo largo de 5 años, desde que a Süskind le prometieron cerca de 10 millones de euros, se ha ido gestando la película, con un par de años dedicados en exclusiva al trabajo de guión. Y, por lo visto –a juzgar por recaudación y crítica-, el esfuerzo ha dado sus frutos porque son pocas las voces que se alzan en contra de un largometraje (que no producto), alejado de las superproducciones sin contenido y puramente efectistas que suelen llegar del otro lado del Atlántico.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Juan Mayorga y Helena Pimenta, unidos por un compromiso

2006-11-16T19:50:00.000+01:00

El chico de la última fila supone la cuarta colaboración entre Ur Teatro y uno de los autores más prolíficos y críticos del panorama nacional.

Mayorga, el tímido creador de un universo teatral inmenso, posee mucho de ese chaval que ve la vida de los demás; Pimenta, al frente de una de las formaciones escénicas más activas, se convierte en la compañera de pupitre con la que comparte confidencias.

Hace 15 meses se esbozaban los seres vulgares que acabarían convertidos en personajes de teatro. Los dos pulmones de Ur, Pimenta y José Tomé, le realizaron un encargo después de leer algunos relatos escritos por un autor español que, contra los pronósticos más maldicientes, vende mucho. De aquella carpeta de argumentos salió la excusa para iniciar un nuevo viaje con una compañía conocida por lo que ha hecho y por lo que ha dejado de hacer: no les podía ofrecer cualquier cosa.

El dramaturgo, madrileño de 42 años, vertía en su nueva obra parte de su mundo como docente y voyeur. El producto sobre la curiosa relación entre dos tipos raros tenía comprador asegurado. Tildada de un perenne ‘continuará’ y hecha con retales de dos realidades paralelas, la pieza narra el entendimiento entre un profesor, incapaz de imaginar un mundo sin libros, y su alumno, un futuro escritor aunque él aún no lo sepa.

La vinculación total entre el equipo de Pimenta, los 6 actores –Ramón Barea y el propio Tomé entre ellos- y la palabra de Mayorga se hace patente en este trabajo, concebido ‘ex profeso’ de manera similar a Encuentro en Salamanca, espectáculo para conmemorar la capitalidad europea de la ciudad castellana en 2002, Sonámbulo, a partir del mundo de Rafael Alberti, y la versión de La dama boba.

Al que es capaz de contarnos con maestría lo que ve por el ojo de la cerradura se lo rifan aunque será fiel a los que cuidan a sus hijos, como Ernesto Caballero y Andrés Lima. Con ellos su afición por el arte del actor, que es el teatro, y la idea de que un autor no debe estar aislado en su gabinete, sin contacto con el exterior. Con la responsable de La entretenida, montaje para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el flujo de ideas es también constante, a pesar de la fama que tiene de coger los clásicos y deconstruirlos, leerlos de manera diferente pero sin traicionarlos, al respetar frases y signos de puntuación. Mayorga puede quejarse de sus sabias manipulaciones ya que está vivo, a diferencia de Cervantes, Shakespeare, Moliere, Valle Inclán y Lope de Vega.

La directora, que reinterpreta ‘por ser una mujer de su tiempo’, realiza un ejercicio de confianza absoluta en el autor al ser consciente de que el texto nace de él. Aunque le asalte la duda, pueda polemizar y discrepe con él, sabe que el proceso de creación resulta más rico. No hablamos del desahogo por tenerle a golpe de telefono. La historia de un encuentro provechoso se repite con El chico de la última fila. Autor y directora destacan el goce compartido del teatro y las emociones que propone. A Mayorga no le importa ser criticado por ella, ingeniosa a la hora de jugar con un espacio sencillo, contar con intérpretes, capaces de aportar, y dirigir una mirada respetuosa hacía cada una de sus criaturas y su misterio.

Ur Teatro tiene vocación torera al recorrer ciudades y pueblos con giras bien nutridas. En 2007 cumplirá dos décadas, 20 años que han dado para mucho, como la trilogía formada por Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta y Trabajos de amor perdidos. En 2005 pudimos ver su visión de La tempestad. A Mayorga se le asocia con Animalario, Premio Nacional de Teatro 2005. Para ellos ha escrito Últimas palabras de Copito de Nieve y Hamelin. El fundador del colectivo teatral El Astillero y profesor de matemáticas y doctor en filosofía ha dado éxitos recientes al Centro Dramático Nacional, con Himmelweg (Camino del cielo), y a la Sala Beckett, con una versión de sus Animales nocturnos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El mágico prodigioso", de gira

2006-11-16T19:42:00.000+01:00

Calderón de la Barca es uno de los autores clásicos más representados. Además de La vida es sueño, El alcalde de Zalamea y La hija del aire, todavía quedan textos que se escapan al imaginario colectivo.

El mágico prodigioso es uno de ellos. Desde que se estrenó en junio de 2006 dentro de las celebraciones del IV centenario del corral de comedias de Zamora, hoy Teatro Principal, el montaje ha recorrido el país, haciendo una breve pero recordada parada en el Festival de Almagro. Después de su paso por Madrid, la obra continuará de gira durante 2007 hasta la representación final, que tendrá lugar en la localidad toledana de Yepes, donde se conserva el manuscrito original.

Hacía casi 3 años que Juan Carlos Pérez de la Fuente no subía una obra a los escenarios madrileños. Es también el tiempo que ha pasado desde que dejó de ser director del Centro Dramático Nacional –ostentó el cargo durante 8 años-. Ahora vuelve con su primer trabajo sobre el Siglo de Oro, no por miedo sino por el profundo respeto que siente por los clásicos. Esta síntesis del siglo XVII fue el libro de cabecera de Goethe y, a pesar de ser un texto de juventud escrito a los 37 años, se considera ‘profundamente ambicioso debido a que el pensamiento cobra fuerza frente al asunto’.

Calderón de la Barca publicó la obra en 1637. Fue un encargo con motivo de las celebraciones del Corpus Christi de Yepes, un trabajo que reflexiona sobre la libertad moral y la lucha entre el bien y el mal en un momento en el que el mundo estaba en crisis, ‘más o menos como ahora’. Sobre la base típica de la comedia de enredo, la historia combina elementos del mito de Fausto con episodios de las vidas de dos mártires: Cipriano y Justina. También anda cerca el demonio, con quien el protagonista entabla una conversación filosófica acerca de las limitaciones del saber humano y otros dilemas existenciales.

Pérez de la Fuente quería ser fiel al espíritu del Barroco, a ‘la idea y la forma, el pensamiento y la poesía’. Lo ha conseguido manteniendo intacta la cuestión religiosa –a favor de una iglesia más modesta- y la crítica a lo establecido, algo que llevó a Calderón a ambientar la acción en el siglo III, a fin de evitar males mayores. Es por ello que la versión, a cargo de Daniel Pérez, respeta el verso original, incorporando sólo algunos términos del castellano actual. La palabra se apoya en sonidos provenientes de carracas, tres martillazos, coros y psicofonías, y en olores, como el del incienso, algo que convierte este montaje en viaje sensorial.

El reparto tiene rostros conocidos, como los de Jacobo Dicenta (visto en La tempestad, en versión de Helena Pimenta), Cristina Pons (El otro lado de la cama, de David Serrano), Xabier Elorriaga, como gobernador de Antioquia, y Beatriz Argüello, espléndida convertida en diablo. El Teatro Albéniz, después de un mes dedicado al Festival de Otoño, acoge las representaciones de esta ‘comedia de santos, con tintes de vodevil incluidos’ del 14 al 26 de noviembre.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Play Strindberg" en La Abadía

2006-11-16T19:28:00.000+01:00

Veteranía, intensidad, admiración y empatía. Una misma manera de entender el teatro, como placer y aprendizaje; un camino de largo recorrido que contempla etapa en La Abadía hasta el 17 de diciembre.

Con los dedos de una mano se cuentan las veces que sobre los escenarios coinciden grandes como Nuria Espert, José Luis Gómez y Lluís Homar, dirigidos por otro que también se las gasta, Georges Lavaudant, al frente desde 1996 del parisino Théâtre de l’Odéon.

Cuando has bregado mucho puedes permitirte ciertos lujos, otra cosa es que los compromisos profesionales de dos de los actores más venerados de la escena permitiese hacer realidad el deseo de Espert y Gómez por trabajar juntos. Nunca antes habían coincidido sobre las tablas, tampoco con Homar quien, bromea ella, nació sólo media hora después –el barcelonés es el más joven, 50 años, y confiesa su admiración por estos dos referentes-.

Siempre hay una primera vez y los elogios se suceden después de unos ensayos en los que debieron saltar chispas. Artísticas desde luego. Lo curioso es que el proceso de concepción ha durado en total 24 días. Espert considera a Gómez uno de los 3 mejores actores del panorama; de los otros no se acuerda. Gómez recuerda que la catalana se puso a las órdenes de Adolfo Marsillach en ¿Quién teme a Virginia Woolf? en una experiencia parecida. Lavaudant les ha llevado por un camino que iban trazando juntos casi sin saberlo, aceptando propuestas sin darles una negativa. Es lo que destaca Homar del director, con el que ya había trabajado hace 7 años en el Teatre Nacional de Catalunya en Los gigantes de la montaña, de Pirandello.

El trío de intérpretes ha estado tan concentrado en amasar la materia, saboreando las sabias directrices de Lavaudant, que ha visto como los directores que son -comparten esa faceta- estaban agazapados detrás de los actores. En esta ocasión el anfitrión era Gómez, al frente de La Abadía. Dispone su escenario central para que se levante un cuadrilátero donde dos personajes, un militar retirado y una actriz veterana, se despellejan con la palabra. Un extranjero en esa isla y amigo de la pareja asiste a los 12 asaltos, aunque también ostenta un protagonismo destructor.

Visto desde fuera todo parece sencillo. Indagando en la receta encontramos ingredientes sustanciosos por sí solos, así que imaginen la mezcla resultante. Friedrich Dürrenmatt rescribió desde un lado brechtiano, con concisión, la Danza macabra publicada en 1900 por el sueco August Strindberg. 68 años después aflora el toque moderno, el influjo de Beckett e Ionesco, en una puesta en escena en Basilea que acaba dando lugar a una obra completamente nueva. El texto, que rehuye de la parte formal e introspectiva y exterioriza la humana, desempolva el original, que destila el sabor del XIX, un aire de tragedia de terciopelo rojo.

Del drama burgués nace una comedia sobre el drama burgués con la precisión suiza que caracteriza a Dürrenmatt. Strindberg estaba muy presente, sobre todo en el título, que da idea del juego con el autor de La señorita Julia, al que se reverencia en todo momento. Espert incide en la idea de respeto al original, ‘una obra maestra sobre la danza de la muerte que ha dado muchos hijos aunque sin la calidad del padre’. El montaje no es una interpretación libre, no se entiende como una nueva versión, aunque en manos de Lavaudant esta comedia sobre la tragedia del matrimonio, o viceversa, se sustenta sobre la poesía del color, la escenografía realista y expresionista y el cuidado del lenguaje. La palabra, un arma arrojadiza que atesora la desesperación de Strindberg y el relato policíaco. A priori, una magnifica fantasía que saldrá de gira con los mismos actores, ya que sería impensable una función sin ellos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Improvisando que es gerundio

2006-11-11T17:37:00.000+01:00

El único festival de teatro espontáneo de nuestro país promete muchas risas a partir del 24 de noviembre.

Sabemos que sobre las tablas cada función es siempre diferente a la anterior. Es uno de los rasgos mágicos de este arte: la instantaneidad, el hecho de que sobre el escenario se interprete algo único que pueda ser parecido pero nunca igual.

Hay muchos grupos que trabajan en una disciplina que requiere máxima concentración, agilidad mental y compenetración sobre las tablas. Son los improvisadores, responsables de piezas teatrales únicas, originales e irrepetibles.

Desde el año 1977 miles de Match de improvisación se han representado a lo largo de teatros y universidades de todo el mundo. Hasta la fecha han tenido lugar 7 copas del mundo utilizando el francés como lengua oficial por ser un espectáculo de origen francófono. Desde 2004 se celebran mundiales en castellano y por segundo año consecutivo tiene lugar en Madrid el Festival de Improvisación Teatral.

Competición y muestra de trabajos

El FESTIM 2006 propone un singular mundial con 4 conjuntos de España, México, Argentina y Colombia. Son grupos que llevan al extremo la máxima de trabajo en equipo y competirán por ser los mejores improvisadores del mundo sobre un auténtico cuadrilátero, con árbitro incluido y en el que sólo se dan golpes de humor. La lucha se escenificará ante los ojos de los asistentes a este peculiar torneo, que se celebrará del 24 de noviembre al 3 de diciembre en el Círculo de Bellas Artes.

A caballo entre el deporte intelectual –como el ajedrez- y el espectáculo teatral, la espontaneidad creativa se somete a un examen frente al público ávido de entretenimiento. Un festival donde también podemos ver las diferentes maneras de desarrollar la improvisación teatral.

La pugna por alzarse con el preciado galardón, el 'jamón' de Madrid, constituye el eje principal del FESTIM, pero el programa de actividades incluye seminarios, conferencias y un nutrido cartel con los espectáculos de las formaciones participantes: la argentina Improcrash!, la Liga de Improvisación Mexicana y Acción Impro, proveniente de Medellín, en Colombia.

Anfitriones madrileños

La gente de Impromadrid lleva ya 10 años investigando en el terreno de las técnicas de improvisación teatral. Como buenos divulgadores, transmiten sus conocimientos a través de seminarios y talleres, como el que impartirán dentro del FESTIM 2006, una actividad abierta a todos.

Veteranos en la materia, no se han olvidado de los más pequeños. A ellos les dedican por ejemplo Teatruras, una de sus 7 producciones originales, las que les avalan como una de las compañías más consolidadas de la comunidad de Madrid.

Chup Suey en el Nuevo Teatro Alcalá

La frenética actividad en la que está inmersa la representación madrileña se completa con otras iniciativas al margen del festival. Un ejemplo es el divertido batiburrillo que proponen bajo el título de Chup Suey en un espectáculo de improvisación que ocupa la sala pequeña del Nuevo Teatro Alcalá todos los viernes y sábados a partir de las 23.30.

Lo han paseado por todo el mundo (Berlín, Ámsterdam, México D.F.), acumulan premios de todo tipo y lo curioso es que somos nosotros quienes tenemos el control del espectáculo. Interpretación, música e iluminación al servicio de las propuestas que se lanzan desde el graderío.

Su entrada, un billete a lo inesperado con descuento en el precio si repite, incluye una cartulina en blanco donde cada uno escribe una frase o hace un dibujo... La idea es plantear un pequeño aprieto a los actores-improvisadores que en cuestión de segundos crearán obras breves con dos ingredientes básicos: humor e imaginación.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Turismo Madrid.

Los más pequeños... ¡a escena!

2006-11-11T17:29:00.000+01:00

Teatro, música y circo para un público muy exigente.

Los grandes recintos escénicos reservan un hueco para que los niños sean los reyes a la hora de decidir qué ver de la variada cartelera de espectáculos. Incluso algunos dedican el 100% de su programación a los más jóvenes, como el Teatro Calderón Infantil (Atocha, 18) y el Teatro Sanpol (Plaza San Pol de Mar,1).

En la ciudad de Madrid, instituciones como el Círculo de Bellas Artes y la Casa de América se transforman durante las mañanas de los fines de semana para acoger piezas de carácter infantil. En esta línea, La Casa Encendida programa para los próximos días obras como Piedra y pluma, de La Barraca, y Teatruras, una propuesta de Impromadrid, compañía madrileña que basa su trabajo en la complicada técnica de la improvisación a partir de la siguiente ecuación: creatividad y espontaneidad al servicio del humor.

Los aficionados al teatro conocen muy bien la calle Ercilla. Muy cerca de la glorieta de Embajadores, en esta vía se ubican dos de las salas que contribuyen al empuje que necesita la escena alternativa, la que invierte menos en promoción y se basta de la frescura de sus propuestas. Los adultos que conocen la Cuarta Pared y Lagrada tienen la responsabilidad de inculcar a los más pequeños el teatro, algo más que un pasatiempo.

En Lagrada se pone en escena Cuentos pillos hasta mediados de diciembre y justo en frente, la Cuarta Pared, sigue con su objetivo de ofrecer espectáculos que respetan la perspectiva del niño a la hora de tratar temas actuales. A partir del 26 de noviembre llegan dos nuevos embajadores de esta filosofía: Panzarriba y Panzabajo, dos divertidas lagartijas cuya relación ha llegado a un punto de no retorno y con la que los pequeños aprenden nociones de responsabilidad, independencia, educación y convivencia.
Había una vez...
Si hay un espectáculo que hace que los mayores se sientan como niños y estos últimos se vuelvan locos es el circo. El mes de noviembre trae a Madrid diferentes propuestas en torno a esta disciplina artística. Por primera vez en nuestro país se presenta Arturo Brachetti, un transformista cuyo espectáculo hace las delicias de los más bajitos de la casa. Ellos disfrutan de un espectáculo en el Nuevo Teatro Alcalá (Jorge Juan, 62) donde el italiano muestra algunas de sus mil caras, un montaje que recuerda a algunos números incluidos en cualquier montaje del Circo del Sol.

Precisamente los canadienses han alzado el Grand Chapiteau hasta el 3 de diciembre junto al Estadio de La Peineta. Cada tarde brincan, cantan y nos emocionan al ritmo de Alegría. Además de la propuesta de Circo del Sol, que ilusiona a niños y adultos, el Gran Circo Americano también levanta su carpa en la Plaza de Toros de las Ventas hasta el 26 de noviembre. Respondiendo a la concepción del circo más tradicional, con animales, motoristas, magos, trapecistas y payasos, la institución nacida en la década de los 50 regresa a Madrid para hacer las delicias de los más pequeños, los que se quedan boquiabiertos con serpientes, cocodrilos y fieras, como los dos tigres de Bengala y el único león albino del viejo continente.

Un apunte más para los aficionados a los números en la pista central y a las acrobacias de funambulistas y trapecistas a 12 metros del suelo y sin red: la familia del Circo Mundial también está en la capital hasta finales de mes. Les puede encontrar en la Avenida Monforte de Lemos, s/n, junto al Centro Comercial La Vaguada.

Un niño grande que cumple 250 años

Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756, en Salzburgo. Su genio ha marcado muchas de las más bellas composiciones musicales y ya es hora de que los niños conozcan, además de su obra, también su vida. Un tenor, una soprano y un piano nos invitan a entrar en el universo del compositor a partir de cartas, viajes, experiencias y, por supuesto, su música.

Descubriendo a Mozart llega al Teatro Gran Vía sábados y domingos a las 12:30 y las 17:00 horas. Un espectáculo que mezcla la música con el teatro y las proyecciones del Mozart niño escribiendo y leyendo cartas desde todos los países que recorrió en su infancia.

Los musicales han calado entre el público madrileño. Un ejemplo responde al nombre de Hoy no me puedo levantar, basado en la historia del grupo Mecano. En tu fiesta me colé, el hermano menor de este espectáculo, la versión familiar, se escenifica los domingos a las 12.00 horas en el Teatro Movistar (Gran Vía, 54).

Hablando de versiones familiares, cruzando la Gran Vía llegamos a las puertas del Teatro Lope de Vega donde hasta el mes de diciembre es posible presenciar unas sesiones muy especiales del musical que tanto gusta a los mayores: Mamma mia! Los viernes a las 18.00 horas los niños tienen la oportunidad de cantar las canciones de Abba que seguro canturrearon sus padres cuando el grupo sueco estaba en liza.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Turismo Madrid.

Avanzamos... Babel

2006-11-10T09:29:00.000+01:00

Marruecos, Japón, México... Si en una de estas zonas alguien tropieza con una piedra, un hecho que carece de importancia aparente, en las otras dos se produce un terremoto.

El mexicano Alejandro González Iñárritu ha hecho suya la teoría del caos, en concreto el efecto mariposa, revistiendo el resultado con su particular poesía. Su tercer largometraje vuelve a ahondar en la soledad, la libertad y lo complicado que es hablar entre unos y otros aún usando el mismo idioma.

Parece más fácil relacionar a los seres humanos a partir de la desgracia: cree el cineasta responsable de Amores perros y 21 gramos que no somos felices con las mismas cosas, pero sufrimos por lo mismo. Con la dura bofetada a la conciencia que es Babel, el cineasta al que Almodóvar considera genio se diploma con honores como narrador de la realidad social. En esta ocasión toca la peligrosa ecuación entre caos y soledad, otorgando protagonismo a un espacio en el que cobra fuerza el problema de las fronteras y el miedo al otro.

En su cinta más trasnacional hasta el momento, con la que cierra una trilogía, se entremezclan 4 relatos unidos a la velocidad de una bala, trozos de vidas anónimas que ya por si solos mantienen en vilo al espectador al llevarle por los intrincados caminos de la angustia, la misericordia y humanidad. Un puzzle anímico donde los hechos puntuales tienen consecuencias catastróficas, como el que una pareja reciba los balazos perdidos de unos niños que aprenden a usar una escopeta.

Un catalogo de estrellas vuelve a despojarse de su halo de soberbia y glamour de la misma manera que ocurrió con Benicio del Toro, Sean Penn y Naomi Watts en 21 gramos. Puestos al servicio del tándem formado por el director y el guionista Guillermo Arriaga, no esperamos de ellos otra cosa: Brad Pitt, Gael García Bernal y Cate Blanchett se sometieron a los deseos de un creador al que muchos tachan de torturador en el set de rodaje por su afán de extraer de los actores la materia más humana, la que sale del corazón y las entrañas.

Rodar en el norte de África a temperaturas que superan los 40º, acudir a sesiones de maquillaje para ‘envejecer’ hasta 20 años, pasar jornadas enteras tumbado en el suelo sin moverse... Las pruebas físicas se completan con el intenso caudal de emociones de una tesis central muy dura: la necesidad de ser amado por otra persona.

González Iñárritu edifica una nueva Torre de Babel ideal aunque bastante dura en la que no deberían imponerse las barreras de la raza, la religión o la lengua. Se ha rodado en 5 idiomas diferentes (entre ellos, lenguaje de signos japonés) y sus escenarios nos trasladan a 3 continentes, unidos por la música compuesta por Gustavo Santaolalla. La capacidad crítica del guionista, productor y realizador mexicano vuelve a bajarnos a la tierra: marca la diferencia entre mundos con maestría y riesgo, al usar 3 formatos distintos de filmación que, de manera metafórica, remarcan las fronteras: Marruecos, en 16 milímetros, México, en 35 milímetros; y Japón, con lentes anamórficas que deforman la imagen.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Premios Nacional de Circo, Danza y Teatro 2006

2006-11-10T09:25:00.000+01:00

Reconocimiento a la trayectoria profesional y a las nuevas aportaciones: José María Pou (teatro), Chevi Muraday y Ananda Dansa (danza) y Tony Alexis (circo) han sido reconocidos con los galardones de 2006.

El de teatro es el más veterano: comenzó a entregarse en 1978 y Teatre Lliure tiene el honor de haber recibido el primero de la lista. En 1988 Antonio Gades fue reconocido con el primer Premio Nacional de Danza, encabezando un historial al que se adscribirían más tarde los más grandes en este campo: Víctor Ullate, Cristina Hoyos, Antonio Canales, José Antonio, Cesc Gelabert, María Giménez, Sara Baras, María Pagés, Nacho Duato y Aída Gómez, entre otros. El de circo se institucionalizó en 1990 y la primera figura en recibirlo fue Cristina Segura, más conocida como Pinito del Oro.

Los 30.000 euros con los que está dotado cada premio salvan de la quema a muchos artistas. Quizá los más necesitados sean los que trabajan una disciplina que pasa desapercibida ante los ojos del público. El payaso José Antonio Ylich Muñoz, conocido como Tony Alexis, ha sido el último en recibir el Premio Nacional de Circo "por su labor en la actualización del lenguaje del payaso, heredera de la escuela humorística española y por su contribución a la difusión internacional de las artes circenses". En la decisión de reconocer al artista español que desde los años 60 ha integrado más veces el elenco de los mejores circos del mundo influyó el criterio de profesionales como el galardonado en 2005, Tony Tonito.

El Premio Nacional de Danza se concede en dos modalidades: interpretación y creación. En la primera categoría, la veterana compañía Ananda Dansa se impuso a otros candidatos "por su especial campaña creativa con sus últimas obras coreográficas, resultado de una extraordinaria labor personal de 25 años". La formación, dirigida por la coreógrafa Rosángeles Valls y el director teatral Édison Valls, fue una de las pioneras a la hora de investigar las relaciones entre danza y teatro, captando nuevos públicos, que son los que en primera instancia apoyan a los profesionales de la danza.

Chevi Muraday es un coreógrafo formado en España y alimentado en Gran Bretaña y Alemania, gracias a su paso por Transition Dance Company, Nower Tanz y S.O.A.P Dance Theatre. En 1997 decidió crear su propia compañía, Losdedae Danza, una de las más fecundas del panorama nacional. El jurado, del que formaban parte Israel Galván y Lucía Lacarra (premiados en 2005) reconocía su extraordinaria creación interpretativa y un estilo personal del que ha impregnado sus trabajos de la pasada temporada, tanto para su propio grupo como para la Compañía Nacional de Danza 2.

Josep María Pou lleva varios meses recorriendo España con La cabra o ¿quién es Silvia?. A sus 62 años ha visto reconocida su larga trayectoria en la escena y en concreto "su excepcional trabajo de traducción, dirección e interpretación de la obra de Edward Albee, que confirma una vida de pasión por el teatro". Así lo destaca el último jurado del Premio Nacional de Teatro (Laila Ripoll, Juan Mayorga y Gerardo Vera, entre otros). En ediciones han sido distinguidos el grupo Animalario y los directores José Monleón y Gustavo Pérez Puig.

Usuario asiduo del puente aéreo entre Madrid y Barcelona desde los años 60, ha trabajado a las órdenes de Adolfo Marsillach, José Luis Alonso, Miguel Narros y Pilar Miró. Pertenece a la generación de Josep María Flotats y Mario Gas, hombres de teatro que, con mayor o menos frecuencia, se han movido también delante de las cámaras. Pero las tablas tiran mucho: desde que estrenó Mar adentro y Tiovivo c.1950, Pou no se ha bajado de los escenarios con las excepciones de los rodajes de Dos y Miguel y William.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "El camino de San Diego"

2006-11-03T13:25:00.000+01:00

Carlos Sorín vuelve a modelar la materia prima de la sencillez con una historia que pone punto final a una particular trilogía sobre los olvidados habitantes de las extensiones patagónicas y la selva misionera.

El argentino se refiere a ellos con otro calificativo, el de invisibles. Son los seres que poblaban el universo de Historias mínimas (Premio Goya en 2004) y Bombón, el perro, y ahora deambulan por un itinerario impreciso pero entrañable, el de una película sobre el destino, las creencias y las dudas.

Sorín hace que el término "simple" pierda su tono peyorativo y conjuga de nuevo los elementos que han diferenciado su cine del resto: empleo de actores no profesionales, la profusión en detalles, los paisajes anímicos bien asentados en los geográficos y el desarrollo de historias exiguas, imperceptibles en la globalización a la que estamos sometidos. El camino... confirma su forma de trabajar, con una hoja de ruta en lugar de un guión cerrado.

La idea de superación personal, siguiendo la carretera, se combina aquí con una divertida aproximación al patronazgo de Diego Armando Maradona entre los argentinos, aficionados al deporte o no. El relato nos presenta a un entusiasta y fanático admirador del ídolo de tantos compatriotas: Tati (Ignacio Benítez) emprende una peregrinación, no exenta de fe, hasta el domicilio del jugador de fútbol, que acaba de ser hospitalizado por una afección cardiaca. El punto curioso radica en que este joven que tala árboles en la provincia de Misiones encontró la cara del astro en una raíz arbórea. Una historia que conmueve, como todas a las que nos tiene acostumbrados este experto en dotar de visibilidad la transparencia.

A Sorín le empiezan a acusar de explotar hasta la saciedad la fórmula naturalista, consistente en seguir como un mirón los caminos que se tuercen y enderezan gracias a los transeúntes que cruzan sus vidas, insignificantes y pequeñitas. La receta le ha dado buenos resultados hasta el momento, aunque para apaciguar las críticas ya apunta que su estilo va a cambiar. Por ahora el Festival de San Sebastián sigue siendo un excelente banco de pruebas al otro del charco para sus películas: El camino de San Diego se alzó allí con el Premio Especial del Jurado. Ahora falta saber qué opina el público.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Un cuadro de cine. Relaciones entre dos artes

2006-11-03T13:16:00.000+01:00

Las férreas relaciones entre el cine y la pintura se hacen más sólidas aún con los estrenos de Modigliani, Los fantasmas de Goya y Klimt.

Excéntricos, autodestructivos, geniales... Los artistas que le dan a la brocha y sus vidas convulsas han dado suficiente material cinematográfico para llenar un estante de títulos destacables.

Todos tenemos en nuestra retina a Kirk Douglas dando vida en 1956 a Vincent Van Gogh en El loco del pelo rojo. Unos años antes, Hollywood se quedó prendido de José Ferrer como Henri Toulouse-Lautrec en Moulin Rouge (la de John Huston de 1952).

Lo cierto es que todo gran pintor ha sido retratado por la cámara, con mayor o menor fidelidad: La joven de la perla indagó en los supuestos líos amorosos de Johannes Vermeer, y Anthony Hopkins se planteó Sobrevivir a Picasso. Salma Hayek fue su compatriota Frida, de apellido Kahlo, en su proyecto más personal, de la misma manera que Ed Harris cogió las riendas de Pollock, la vida de un creador, no sólo interpretando sino también dirigiendo.

Acaba de desembarcar en las carteleras Modigliani, con Andy García indagando en la vida de un competitivo artista en el París de comienzos del siglo XX, años de vanguardias y destrucciones creadoras. Viena era otro de los centros renovadores del arte y lo comprobaremos gracias a Klimt, producción alemana dirigida por Raúl Ruiz y con John Malkovich en la piel del autor de El beso, Las tres edades de la mujer, Dánae y La virgen.

En la línea de Yo disparé a Andy Warhol (Mary Harron) y Basquiat (Julian Schnabel), el valenciano Vicente Monsonís abogó por contextualizar la fuerza creadora en Dripping, un trabajo con Pep Munne como protagonista, donde se ironizaba sobre los intereses creados en torno al mundo de la creación artística.

Experimentos a un lado, no nos dejamos atrás El sol del membrillo donde Víctor Erice recoge el proceso pictórico de Antonio López. Tampoco le perdemos la pista a otro cineasta que pone de manifiesto la relación entre los artistas y el séptimo arte. Carlos Saura, un apasionado de la música y la fotografía, nos presentó a Ernesto Alterio en la piel de Salvador Dalí en Buñuel y la mesa del rey Salomón, y también nos relató las últimas jornadas de vida de Goya en Burdeos, interpretado por Francisco Rabal. Entre las curiosidades destaca la labor de La fura dels baus, que dotó de vida algunos cuadros de la serie Los desastres de la guerra.

El pintor aragonés llega al cine una vez más, interpretado ahora por Stellan Skarsgard (Piratas del Caribe). Gracias a Milos Forman (Amadeus), Javier Bardem, Blanca Portillo y Natalie Portman han podido entrar en un universo pictórico paralelo, poniendo rostro a nuevas versiones de cuadros de Goya.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Arranca Cinemad' 06

2006-10-28T12:21:00.000+02:00

El más reciente cine alternativo y experimental... ¡y gratis!Del 17 al 25 de noviembre, los aficionados al cine de autor tienen una cita en distintos puntos de Madrid gracias a una nueva edición de la Semana de Cine Independiente y de Culto.

Con la de este año, son ya 13 las muestras de Cinemad que han visto la luz desde que la mítica Sala Revolver acogió las primeras proyecciones de una iniciativa que nació al tiempo que su hermano musical, el Festimad.

Aseguran sus organizadores que apuestan por lo novedoso y lo que es tan arriesgado que no tiene cabida en otras programaciones. A ellos acude el talento en bruto, una materia prima que más tarde los avispados productores se encargarán de modelar a su antojo.

Ilustres participantes

El libro de visitas de Cinemad tiene firmas que hoy son conocidas en todo el mundo pero no cuando proyectaron sus cortometrajes. ¿Les suena los nombres de Alejandro Amenábar, Santiago Segura y Alex de la Iglesia? Pues mucho le deben a este trampolín desde el que han saltado otros como Jaume Balagueró (Los sin nombre, Frágiles), Óscar Aibar (Atolladero, Platillos volantes) y Paco Plaza (El segundo nombre, Romasanta).

En anteriores ediciones Cinemad presentó a Santo, el enmascarado de plata, y atendió al cine de temática homosexual antes que nadie. También se encargó de rescatar figuras olvidadas, como la de Jess Franco, y menos explotadas, en el caso de John Waters; exploró el gore ibérico y dio a conocer al Wong Kar-Wai anterior a Deseando amar y 2046, sus cintas más aplaudidas y también las más recientes.

Completa programación

Películas escandalosas, valientes, originales, olvidadas... Espacio para la sorpresa y, por supuesto, también la divulgación. El nutrido programa de proyecciones no tiene nada que envidiar al de años pasados, sólo necesitamos tiempo para cubrir todas las sesiones de un festival abierto a todos gracias a sus baratas entradas por tan sólo 0 euros.

A este precio seguro que no hay quien se pierda los acercamientos a William Burroughs, cuya creación literaria ha sido fuente de inspiración a los largo del siglo XX, y a Seijun Suzuki, renovador del cine de género japonés. Podremos conocer más acerca de la trayectoria como actriz y realizadora de Asia Argento, hija del maestro europeo del cine de terror Darío Argento, y otra mujer, Louise Brooks, protagonizará una retrospectiva singular. La actriz más adelantada a su época, la de los años 20 y 30, marcó tendencia con su peinado y su atrevido estilo de interpretación, excesivo para sus compatriotas puritanos de Estados Unidos.

Las cinematografías más remotas tienen su hueco en esta semana. Es el caso de la turca, que durante los años 60 y 70 impulsó un cine fantástico sui generis que mezclaba acción y un toque de locura. Cinemad exhibirá dos de los títulos más representativos del género hecho en Turquía: Deathless Devil, de Yilmaz Atadeniz, protagonizado por un superhéroe enmascarado, y Tarkan, de Mehmet Aslan, que narra las aventuras de una especie de Conan turco.

Como viene siendo habitual, nuevos malditos españoles acoge 5 miradas a películas únicas en su género: La lengua asesina, de Alberto Sciamma; Mamá es boba, de Santiago Lorenzo; En penumbra, de Jose Luis Lozano; Poppers, de Jose María Castellví, y Fotos, de Elio Quiroga. Y no nos olvidamos del ciclo dedicado a los agentes secretos de serie B, otro con títulos de fuerte compromiso ecológico realizados con bastante pesimismo hace más de 30 años, el que rescata las películas menos vistas de David Cronenberg y el repaso a la vida profesional de Klaus Kinski.

A por los premios...

En el marco del festival se celebra el VII Concurso Internacional de Cortometrajes, uno de los más importantes de Europa por el montante en metálico de sus galardones y la variedad de categorías: ficción, ficción en 3 minutos, temática social, terror y ciencia ficción, videoclip y videocreación. Cada una está patrocinada por reconocidas marcas, como la productora El Deseo, factoría de los hermanos Almodóvar, el canal de televisión Calle 13 y la revista musical Mondosonoro.

...y la fama

El año pasado concurrieron 522 trabajos. Algunos de sus responsables seguirán la trayectoria de Nacho Vigalondo, un caso a destacar de todos los que pasaron por esta plataforma de lanzamiento, ya que se alzó con el primer premio en 2000 por Snuff movie y se consagró con 7:35 de la mañana, corto reconocido en 2004 no sólo por el jurado del festival sino también por los académicos de Hollywood, al seleccionarlo para un Oscar.

Es posible que este año se haya quedado con las ganas de participar pero tiene 365 días por delante para concebir al ganador del concurso a celebrar en 2007. Por lo pronto, eche un vistazo a la página web de Cinemad (http://www.cinemad.org) para no perderse todo lo que se cuece en materia de cine independiente y de culto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Turismo Madrid.

De documentales va la cosa

2006-10-27T17:47:00.000+02:00

Hubo un tiempo en que llegaban a los cines con cuentagotas pero esto ha cambiado gracias al gusto del público, educado e influido por la incipiente conciencia social.

El género no lidera el desembarco de largometrajes de estreno, pero raro es el viernes que no se cuela entre la ficción un documental. En 2006 hemos podido ver aproximaciones a deportistas de fama mundial (Amando a Maradona) y a músicos como María Bethania y Javier Krahe, visiones de países lejanos (El perro mongol) e incluso una investigación ficcionada, El crimen de una novia, sobre la historia que inspiró a Lorca en Bodas de sangre.

Un fenómeno curioso es el protagonizado por directores consagrados que se adentran en el formato en función de sus intereses. El responsable de Contra la pared, Fatih Akin, nos permitió oír los sonidos de Estambul Cruzando el puente. Cada uno explora el territorio que le apetece. A Sydney Pollack por ejemplo le gusta la arquitectura y profesa desde hace años una amistad con el padre del Guggenheim de Bilbao y la Ciudad del Vino en La Rioja alavesa. Apuntes de Frank Gehry queda como un trabajo de referencia acerca de la vida y la obra de un genio contemporáneo.

La pelota vasca: la piel contra la piedra también rescató de la ficción a Julio Medem, que continúa en la brecha produciendo obras como ¿Qué tienes debajo del sombrero?, reflexión acerca del aislamiento que puede provocar una discapacidad. Dirigida por Lola Barrera e Iñaki Peñafiel, cuenta la vida de Juditt Scott, una escultora norteamericana de 62 años a la que le llega el reconocimiento internacional después de vivir 36 años en una institución psiquiátrica. Judith tiene Síndrome de Down y es sordomuda.

Los documentales suelen llevar implícitos una fuerte carga política, en ocasiones sazonada con ironía, miren a Michael Moore, ahora más aplacadito mientras estudia nuevos proyectos. De Italia nos llegó ¡Viva Zapatero! sobre un episodio de falta de libertad de expresión en medios italianos, y de reciente estreno es En la piel de Jacques Chirac, peculiar biografía del líder francés donde dos profesionales del periodismo parodian al dignatario mientras trazan un recorrido por 40 años de historia gala.

Destinados a poblar los estantes donde encontramos los DVD musicales, pasan primero por la cartelera algunas joyitas que harán felices a los incondicionales de ciertos compositores y grupos. Neil Young: Heart of Gold es una lujosa grabación de concierto realizada por Jonathan Demme (El silencio de los corderos). No es un seguimiento de la vida del artista, como lo es No direction home: Bob Dylan, realizado por Martín Scorsese, que 28 años después completa su documental The Band. The Last Waltz. Y no para, ya que acaba de anunciar el rodaje de otro sobre los Rolling Stones. En esta línea, The Devil and Daniel Johnston nos presenta a un cantautor de folk carne de productoras independientes. Creador irreverente y siempre haciendo equilibrios sobre las lindes de la esquizofrenia, el compositor tiene ya su intenso retrato después de 5 años de trabajo de Jeff Feuerzeig, un esfuerzo premiado en Sundance.

Siguiendo la estela de la Escuela Catalana de Documentales o innovando a su manera, los españoles apuestas por fórmulas que combinan géneros. Chema de la Peña (Isi/Disi. Amor a lo bestia) se anima a mezclar realidad y ficción en Sud Express, aprovechando el trazado ferroviario entre París y Lisboa. El realizador venía de relatarnos los derroteros de veteranos cineastas como Mario Camus, Carlos Saura, Manuel Summers y Basilio Martín Patino en De Salamanca a ninguna parte.

Hablando de hombres y mujeres del gremio llegamos a Cineastas en acción, con el que Carlos Benpar cierra su díptico sobre la manipulación que sufren por culpa de productores ingratos, iniciado con Cineastas contra magnates. Y pendientes estamos de otras propuestas: Una verdad incómoda, donde el ex vicepresidente Al Gore nos guía por los efectos devastadores del cambio climático, y El gran silencio, 160 minutos en el interior de un monasterio de monjes cartujos donde estaremos acompañados tan sólo por sonidos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "The Queen"

2006-10-27T17:35:00.000+02:00

Paródico y sentimental es el vistazo que echa Stephen Frears a las dependencias del Palacio de Buckingham después de la tormenta que supuso la muerte de Lady Di en 1997.

Un curioso retrato contemporáneo que se tilda también de valentía al establecer ciertos lazos entre la casa real tutelada por Isabel II y los acontecimientos políticos y sociales que se sucedieron tras aquel acontecimiento.

Vuelve a casa un antimonárquico declarado que a sus 65 años se vanagloria de haber trabajado en diferentes frentes: ha hecho comedia con tinte social (Mi hermosa lavanderíA, Café irlandés, La camioneta), ha rebuscado en intrigas palaciegas a partir de lo escrito por Choderlos de Laclos y consigue como pocos aportar una mirada bastante sutil a los problemas del siglo XXI, como la inmigración ilegal en Negocios sucios. La cintas de este estilo las desarrolla en su terreno, en su Gran Bretaña natal, donde juega con elementos que conoce bien como la crítica ideológica y la ironía constructiva, mientras se evade con historias más frívolas en sus escapadas a EE.UU. donde ha rodado, entre otras, el western moderno Hi-Lo Country y la atractiva Alta fidelidad.

Si hay un área en el que Frears se siente seguro es en el de la política actual un nexo más de conexión con su compatriota Ken Loach, formado como él en la televisión de los 60 y 70. En Gran Bretaña se conocen muy bien sus trabajos para la pequeña pantalla, como The deal en el que presenta a Tony Blair en su carrera hacía el liderato del Partido Laborista, un personaje para él con más defectos que lindezas. En su último trabajo de ficción también ha querido hablar de otras ‘amistades peligrosas’, las de Blair con la reina de una institución que en su opinión cambiará cuando Isabel II ya no esté.

Lo correcto sería apuntar que The Queen trata acerca de ésta y otras relaciones en un ejercicio de cine inédito hasta el momento porque el de la monarquía es un tema tabú, en la isla británica, aunque más en Inglaterra que en las regiones colindantes. Levantando suspicacias durante su preparación, Frears, inteligente y mordaz, se divertía al afirmar que no estaba ante su película más política, pero sí la que contenía más políticos. Y un dato curioso nos lleva a la fotografía empleada: el responsable de Héroe por accidente y Mary Reilly ha querido resaltar el aire magnánimo de la que ocupa el trono real rodando las secuencias en las que aparece en 35 milímetros, confrontados, estilística y metafóricamente, a las imágenes de Tony Blair, en 16 mm.

Quizá porque resalta el lado más humano de una reina con carisma y criticada a partes iguales, la cinta ha levantado mucho revuelo dentro y fuera de sus fronteras. En lo que no hay duda es en que el grito es unánime al hablar de la interpretación de Helen Mirren. La actriz se alzó con la Copa Volpi en el pasado Festival de Venecia, incrementando los premios a su carrera como majestad: esta londinense, nacida en 1945, parece ya una experta en este tipo de papeles ya que apareció como reina en La locura del rey Jorge y en 2005 protagonizó la miniserie Elizabeth I, galardonada con 9 premios Emmy.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El Circo del Sol levanta su carpa

2006-10-26T16:52:00.000+02:00

Con la misma Alegría, pero con ánimos renovados. Así regresan los artistas y acróbatas trotamundos que evocan la fantasía del carnaval y la magia de los circos familiares de antaño.

Alegría es otro de sus viajes oníricos por mundos fantásticos. Itinerarios repletos de referencias reales, aunque lejanas en el tiempo, por el que nos conduce el hechizo que provoca el excelente manejo de la luz y el sonido.

Entramos en su territorio: el Grand Chapiteau es su casa, una gran carpa sobre 20.000 metros cuadrados. En esta ocasión acoge el que quizá es el más circense de sus montajes, al menos en cuanto a temática se refiere. Los canadienses recuperan una de sus más queridas obras, un homenaje al mundo de la tramoya mezclado con el espíritu de la familia.

53 artistas de una veintena de nacionalidades recrean el sueño envolvente cada noche. Tres de ellos participaron en el primer Alegría, que data de 1994, y desde entonces han representado la obra durante los 12 años que ha durado una gira mundial que pronto se dará por concluida. Despiden de los escenarios un montaje donde reyes, poetas y payasos conviven de la misma forma que lo hacían quienes, con sus carromatos de ilusión, recorrían los caminos de la vieja Europa.

Con Dralion mostraron el mestizaje, la leyenda, la fuerza de Asia y África y la mitología de los cuatro elementos de la naturaleza. Dos años después regresan a la capital con un montaje que fusiona jazz, pop, tango y klezmer, el sonido de los juglares ambulantes. Alegría fue su tarjeta de presentación en 1998 y su re-estreno ratifica el carácter itinerante del espectáculo con que iniciaron a los profanos en el mundo de los sueños.

Conquistaron a grandes y pequeños, crearon afición a una manera de concebir la escena a medio camino entre el espectáculo de circo, el drama teatral y el concierto de música. Dejaron tan buen sabor de boca en Madrid que no podían hacer otra cosa que programar Quidam y Saltimbanco. Pero el que ahora se repone supuso un hito en los 22 años de historia de esta factoría de imágenes y sonidos envolventes.

Más de 9 millones de personas han disfrutado de Alegría, una metáfora al plantear una lucha artística entre dos órdenes: uno más clásico que recuerda a la corte de Versalles en el siglo XVII, poblada por viejos pájaros pendientes de intrigas y sucesiones, y otro etéreo, representado por nínfas y bronx, la nueva generación encargada de cambiar el mundo. Una historia ilustrada con números de trapecios, trampolines, contorsionismo, barras y malabares.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El mañana ya está aquí... Un recorrido por las nuevas tendencias en la ciencia ficción

2006-10-24T07:20:00.000+02:00

Nos empeñamos en no ver que el futuro tantas veces anunciado está a la vuelta de la esquina. El cine de comienzos del siglo XXI sabe rentabilizar nuestros miedos y peores augurios.

Sólo hay que echar un vistazo a recientes estrenos como Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón, y A Scanner Darkly, de Richard Linklater, basada en una novela del visionario Philip K. Dick

Nos marchamos al pasado para ver nuestro presente: vamos hasta 1982, año de estreno de Blade Runner, un clásico en el que Ridley Scott adaptaba ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968), relato también de Dick, inspirador al tiempo de películas como Desafío total, Minority report y Paycheck. Harrisson Ford hacía frente a una conspiración de autómatas revelados ante su condición de esclavos. Los replicantes no fueron los únicos con sentimientos ya que dos décadas más tarde Steven Spielberg dibujó su futuro particular en A.I. Inteligencia artificial y, con muchas dosis de acción, Will Smith correteó delante y detrás de maquinitas asesinas en Yo, robot.

La cuestión existencial mecanizada cedió ante los avances en el campo de la manipulación genética y la pérdida de derechos en función de nuestro ADN. A mediados de los 90 Gattaca nos dio un preaviso acerca de la búsqueda de la perfección humana, con Ethan Hawke, Uma Thurman y Jude Law controlando sus sentimientos para no dar que hablar. Una década más tarde, el siempre recomendable Michael Winterbottom (24 hours party people, En este mundo), respondió con Código 46, fábula trasnacional sobre inmigrantes, papeles y amores prohibidos por culpa de los genes.

Sobre los miedos que se propagan desde los mentideros políticos y el abuso de poder se puede establecer una categoría donde entran títulos míticos como 1984 y Fahrenheit 451 –apoyado en la desaparición de los libros- y V de Vendetta, con Natalie Portman. El género está lejos de apocalípticas visiones de un planeta destrozado por meteoritos (Armageddon, Deep impact) y las consecuencias del cambio climático (El día de mañana). Corremos más riesgo si no controlamos la mano del hombre, responsable de la propagación de virus como el que deja un rastro de infectados en Gran Bretaña tan sólo 28 días después de cometer un error. Un ejercicio, el de Danny Boyle, que parece inspirado en una cinta de serie B titulada La noche del cometa, acerca del paso fugaz de un astro que convertía a los seres humanos en polvo o en zombis sedientos de sangre limpia.

La trinidad mexicana formada por Del Toro, González-Iñárritu y Cuarón, ha hecho de 2006 una buena añada. Dejamos al primero como renovador del apartado fantástico con la excelente El laberinto del fauno y adelantamos que el director de Amores perros y 21 gramos traza en Babel un mundo dividido por las fronteras y las diferencias económicas. Es el día de hoy, donde se acentúan los miedos y las inseguridades. Todo ello presentado a través de la óptica de un cineasta complejo.

El tercero en discordia nos ha legado Hijos de los hombres, que condensa todo lo que queremos contar en estos párrafos. El mundo cambia a un ritmo que da vértigo y claro, influye en las formas de expresión, en el caso del cine, sugiriendo nuevos conceptos de ciencia ficción. Por lo general son películas necesarias que te quitan la venda de los ojos y avisan de que, como no paremos el rumbo del mundo, la fantasía futurista se convertirá en película histórica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

La "Alegría" del Circo del Sol

2006-10-17T09:00:00.000+02:00

La compañía canadiense monta su carpa y permanece en Madrid hasta finales de noviembre.

Sus espectáculos son como sueños que se interrumpen una vez finalizado el conjunto de piezas que lo forman. Algo más de dos horas duran sus montajes, repletos de cuidados detalles y sensaciones milimetradas.

Hace 8 años se dieron a conocer en España con este mismo espectáculo, que precedió a otros como Quidam y Saltimbanco. Les ha sido favorable la respuesta del público español y por ello querían incluir Madrid y Barcelona -a partir del 22 de febrero- en su gira de despedida de los escenarios europeos, que llega tras 12 años con un título que aúna acrobacias, cuadros oníricos y más de 200 trajes y máscaras de aves fantásticas.

Cerca de 200.000 espectadores madrileños disfrutaron de Dralión en otoño de 2004. Aquella fue la última visita de una compañía que escapa a las formas de un circo al uso. Lo bueno crea afición y muchos tienen marcada en la agenda la fecha del 27 de octubre, día del re-estreno de Alegría en Madrid.

La misma esencia, nuevos números

Sus promotores reconocen que con Alegría hubo un antes y un después en los más de 22 años de historia de una institución convertida en franquicia cultural, con espectáculos repartidos por circuitos de todo el mundo y escenarios permanentes.

Toda la gente que en el año 2000 no sabía de la existencia de esta factoría circense de sueños, y por tanto no acudió al estreno de Alegría, tiene ahora la oportunidad de ser testigos de un carnaval que recuerda los circos familiares ambulantes que recorrían el viejo continente no hace tanto tiempo.

Vuelta a los orígenes

Hay que decir que más allá del argumento, estamos ante una filosofía de vida, aunque la bohemia del circo se adapta a los tiempos que corren. La gran familia compuesta por 150 personas, entre artistas y técnicos, ya no duerme en carromatos y caravanas, sino en hoteles y apartamentos.

Desde 1994, 9 millones de espectadores de 15 países diferentes han disfrutado del más barroco de los montajes de un circo donde no aparecen fieras sino bufones, trovadores, mendigos, viejos aristócratas, niños y payasos. El más joven del medio centenar de artistas tiene 11 años y el más veterano, 64.

Todos bailan al ritmo de la música compuesta para este montaje, pura emoción que brota de la fusión entre jazz, pop, tango y klezmer, sones propios de los judíos que habitaron la Europa oriental y aprehendidos por los juglares ambulantes con acordeón incorporado. Una banda sonora que se incluye en el álbum más vendido de todos los productos de la marca Cirque du Soleil, doble garantía de éxito y calidad.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Conturmadrid.com.

El Festival de Otoño inunda de vanguardia 35 escenarios

2006-10-17T08:47:00.000+02:00

Teatro, música y danza conforman el sugerente menú de degustación escénica hasta el 9 de noviembre.

El principal evento de artes escénicas de la Comunidad de Madrid vuelve con la caída de las hojas de los árboles. El certamen otoñal está en la mente de los programadores internacionales y prueba de ello son los 7 estrenos absolutos y la visita de formaciones extranjeras, 28 en esta edición, que viajan hasta 35 espacios de la Comunidad de Madrid: 15 en la capital y 20 repartidos por otros tantos municipios.

Primeras figuras del teatro contemporáneo suben a los escenarios sus últimas creaciones. Es el caso de Robert Lepage, autor, director e intérprete que nos cuenta cómo es la dura vida de un compositor en The Andersen project, y el de Pina Bausch, considerada como la reina de la danza dramatizada, que en Nefés nos describe su Estambul particular. No olvidamos la presencia del londinense Peter Brook, quien a sus 81 años pone de manifiesto con Sizwe Banzi est mort su maestría unida a un conflicto tan sangrante como el de la inmigración.

Más vanguardia que tradición

Shakespeare, Goethe y Chejov regresan trasmutados gracias a los novedosos enfoques del siglo XXI. También se homenajea con Función Beckett al autor de piezas como Esperando a Godot en el centenario de su nacimiento. En esta época de mezcla de culturas, el término 'fusión' volverá a ser el más repetido en las reseñas de las obras y atenderemos a nuevas miradas a la danza, como las que resalta el Nuevo Ballet Español en Alma, con coreografías de Ángel Rojas y Carlos Rodríguez.

Condensar en sólo unos párrafos la actividad programada durante un mes es tarea difícil pero sí podemos destacar las claves de un certamen que casi no necesita presentación. Los gestores de los principales recintos escénicos saben que por estas fechas deben dejar hueco para acoger los montajes más atrevidos, sugerentes e incluso irreverentes. El festival, con 23 años de experiencia, se ha convertido en el mejor laboratorio escénico, sirviendo de ejemplo a otras iniciativas más alternativas como la invernal Escena Contemporánea.

Medio Madrid a escena

El espectador ávido de nuevas propuestas tiene una primera misión: la de hacerse con un programa de mano donde se reseñen los 37 títulos catalogados como música (4), danza (10) y teatro (23). Otra forma práctica de conocer la principales citas de un evento de por si principal es consultar la agenda de recintos como el Teatro de La Abadía, la Cuarta Pared, el Centro Dramático Nacional y el Teatro Albéniz, entre otros.

Las peripecias del soñador Peer Gynt, de Henrik Ibsen, serán escenificadas allí por la formación del Teatro Romea bajo la dirección de Calixto Bieito. El dramaturgo y director de escena se fue hasta la Noruega natal del autor de Casa de muñecas para rendirle tributo al cumplirse el primer centenario de su muerte. Entre la representación española, 7 compañías de las 35 que actúan, destaca Ur Teatro y el tándem formado por Helena Pimenta -una de nuestras mejores especialistas en Shakespeare- y Juan Mayorga -autor preferido por Animalario-, que presentan El chico de la última fila en el Círculo de Bellas Artes.

Coincidiendo con el festival, del 20 al 23 de octubre, tiene lugar en esta institución cultural el VII Salón Internacional del Libro Teatral bajo el lema 'El teatro también se lee'.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en Conturmadrid.com.

"Mar y Cielo" atraca en la Gran Vía

2006-10-13T10:39:00.000+02:00

Un galeón tripulado por 11 temibles piratas aborda una nave valenciana en el Mediterráneo. Lo hace casi dos décadas después de que zarpara la primera producción de Mar y Cielo.

En 1988 pocos apostaban por una fórmula escénica que tan sólo 10 años después se convertía en moda y, tras otra década, en cantera de trabajo gracias a la especialización de escuelas y creación de factorías. Los transgresores responsables de Noche de San Juan, Glups! y El Mikado, se entregaron a la aventura de poner en marcha el primer musical de producción 100% nacional, que desembarcó en 1989 en el Teatro Albéniz, donde estuvo varado durante cuatro meses.

El público es más receptivo ahora, aunque no se quejan de la trayectoria de este amor imposible a partir de un drama histórico de Ángel Guimerá ambientado en el siglo XVII, 20 años después de la expulsión de los musulmanes del reino (300.000 en pocos días de 1609). La pasión surgida entre Saïd y Blanca aboga por la difícil integración de civilizaciones, algo que dota al musical de vigencia y acucia su lado didáctico.

Inteligente faceta de Dagoll Dagom, la de fomentar la asistencia juvenil con funciones escolares, ya que además de encauzar una incipiente afición, ganan futuros espectadores. Muchos de los niños que canturreaban las canciones del primer Mar i Cel son hoy maestros que llevan a sus alumnos al teatro a ver el impresionante navío de 9 metros de alto, 3 de ancho y 10 de eslora, una pieza real de exposición en el Museo Marítimo de Barcelona.

La mítica compañía quería festejar de manera especial sus primeros 30 años en escena y para ello nada mejor que convertir en pastel su producción más conocida y celebrada, "un canto ingenuo a la tolerancia y la comprensión" . La primera temporada, en catalán, se saldó con 4 Premios Max y cerca de 1.000 representaciones desde 2004. Afrontan la segunda con un equipo de actores y músicos renovado. La representan en castellano por motivos obvios, pero también cumpliendo la cuestión lingüística y cultural que siempre han defendido, con encargos a traductores ilustres como Juan Marsé y Jaime Gil de Biedma, y la firma, en este caso, de Guillermo Ramos, Premio Nacional de Traducción.

El arco temporal se cierra con una versión que recupera artistas del montaje originario, como Carlos Gramaje, aunque en los roles ha influido el inexorable avance de la edad. La que le enamora es Julia Möller, que aparca las representaciones londinenses de Los Miserables y vuelve al Broadway madrileño cambiando de acera, ya que fue uno de los rostros de La Bella y la bestia y El fantasma de la ópera. Los protagonistas, entre los que destacan Víctor Ullate y Carlos Álvarez, se han curtido en el teatro de texto, la zarzuela, la ópera y los musicales.

Una orquesta de 30 músicos, en dos formaciones, y varios acróbatas –entre los que hay hasta un gimnasta olímpico, Raúl Grau- contribuyen a levantar cada tarde el telón en el Teatro Gran Vía de Madrid. Una buena oportunidad para ver navegando, sin zozobrar, a una de las compañías más solventes y atrevidas de nuestra tradición escénica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Hijos de los hombres"

2006-10-11T10:52:00.000+02:00

Alfonso Cuarón pone en primera línea la degradación del ser humano en un presente dominado por la corrupción, el terrorismo, el miedo al otro, la inmigración y la falta de conciencia ecológica.

Hay un nuevo género dentro de la ciencia ficción en el que incluimos títulos míticos como Fahrenheit 451 y 1984, y recientes como Gattaca, Código 46 y Aeon flux, cada una con un estilo propio. Todas ellas hablan del mañana en términos tangibles, sin teorizar acerca de androides y extraterrestres que se pelean por dominarnos. Se enmarca aquí Babel, del mexicano Alejandro González Iñárritu (Amores perros, 21 gramos) y el último trabajo de su compatriota Alfonso Cuarón, que después de dirigir Harry Potter y el prisionero de Azkabán ha viajado a ese futuro apocalíptico por desgracia no tan lejano.

Y lo ha hecho teniendo como guía a Clive Owen (Closer, Plan oculto), convertido en el cuarentón de moda: no es un galán pero tiene tipo de hombre corriente. Otra característica de este nuevo cine: las visiones que presentan el mundo que se nos avecina están llenas de hombres y mujeres ‘reales’, como Julianne Moore y Michael Caine.

Ambientada en el Londres del año 2027, la historia trata acerca de la separación entre ricos y pobres y el papel de las fronteras, algo que ya remarcó con acierto Michael Winterbottom en Código 46: ‘los que viven dentro (de la ciudad), enfrentados a los que están fuera’. La diferencia de matiz en esa sentencia es mínima pero suficiente para remover conciencias. Basada en la novela Children of men, de la británica P.D. James, la película se aleja de alienígenas invasores y robots inteligentes para acercarnos a nuestro principal verdugo: el hombre.

Dice Cuarón que más que aportar una visión negativa de lo que se nos avecina, propone una mirada bastante realista al tiempo que nos ha tocado vivir y vamos a dejar de herencia a la siguiente generación. Es de esas películas donde no sabemos si los personajes existen o sólo están en la imaginación, pero la idea que transmite es más de pesadilla que de sueño. Nuestros descendientes son seres que pululan por un terreno agónico pero cercano e identificable, lleno de campos de refugiados y con pocos toques futuristas, a diferencia de los empleados en títulos que en los 80 mostraban el siglo XXI.

En 2009 nació el último bebé pero esa no es la peor noticia: las mujeres han perdido su capacidad de engendrar niños y los salvajes efectos de la tan manida globalización han acentuado el racismo y la xenofobia en lugar de estrechar lazos. Se colocan bombas para derrocar el estado policial y la omisión de libertades, como en V de Vendetta. Y aunque pueda parecer chocante no nos extraña todo lo que narra Cuarón con imágenes que están inspiradas en los informativos que vemos a diario. Destaca el tono semi-documental apoyado en la fotografía de Emmanuel Lubezki (El nuevo mundo, Y tu mamá también), premiada en la Mostra de Venecia. Allí la película recogió buenas críticas, al igual que en San Sebastián.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Solas", un año de bienes

2006-10-10T20:57:00.001+02:00

Hace tiempo un joven sevillano condensó lo negativo de la soledad y la incomunicación y lo esperanzador de la ternura y la bondad.

La historia, con una madre, una hija y un vecino como protagonistas, se convirtió en una de las cintas más valoradas del cine de español reciente y llega ahora a Madrid tras su gira por diferentes ciudades españolas.

Lola Herrera y Natalia Dicenta comparten con María Galiana y Ana Fernández la pasión por la interpretación y su maestría, aunque a la primera pareja cuenta con algo más que las hace diferentes: madre e hija en la vida real, fueron las elegidas para llevar a escena una desgarradora historia sobre los sentimientos que se van ocultando en lo más profundo del alma para no mostrar debilidad, para no sufrir, para sobrevivir.

Una adaptación que conserva la esencia de la cinta estrenada en 1999 y transmuta gracias al espíritu formal y estético del teatro: escenas cortas, transiciones rápidas a partir del juego con las luces y el sonido, siempre al servicio del relato y otorgando importancia a los silencios.
Al frente del montaje está José Carlos Plaza, el responsable de más de 50 producciones que lleva un año entregado a este trozo de vida, "un moderno poema sobre nosotros y nuestra soledad".
A lo largo de 26 estrofas, Solas cuenta muchas cosas con la crudeza del maltrato de la mujer como telón de fondo, pero el grito desgarrador puede convertirse en llanto pausado al vislumbrarse la esperanza y el amor: la gran ciudad, cada vez más despiadada, egoísta y deshumanizada, alberga pequeñas parcelas donde sus moradores ponen el freno al ritmo vertiginoso.

Con este texto catártico, "un viaje nutritivo y cómplice", las dos actrices se reencuentran sobre el escenario después de 12 años. En el recuerdo quedarán obras como Las amargas lágrimas de Petra von Kant, de Fassbinder, representada hace casi dos décadas, y la magistral pieza del Centro Andaluz de Teatro, Pentación, que sigue camino haciendo breves paradas desde que se estrenó en febrero de 2005 en el Teatro Central de Sevilla.

Herrera da vida a Rosa, una mujer que sufre en silencio los desprecios de su marido incluso cuando éste se encuentra hospitalizado en la ciudad. Interpretar este regalo le ha permitido a la vallisoletana de 70 años dar el difícil salto a donde tiene que estar, dejándose las canas, algo que a una actriz le cuesta mucho aceptar. Por su parte Dicenta afronta cada noche un proceso de transformación física y mental que no está siendo fácil: la actriz de La zapatera prodigiosa llevaba 7 años alejada de las tablas y regresa al medio poniendo a su personaje al límite, al borde del alcoholismo, y dando un cambio brusco cuando atisba un mejor horizonte al regresar a su vida su anciana madre y conocer a un solitario vecino, con quien entablará una relación basada en el afecto y la comprensión mutua.

Carlos Álvarez-Novoa es precisamente el único actor rescatado de la película, adaptada por Antonio Onetti (autor de los guiones de Padre Coraje, El Lobo y GAL). Ambos coinciden en lo atractivo que resulta ver a todo el reparto construyendo sus personajes a pesar de tener el referente cinematográfico tan anclado en sus memorias y en la de todos nosotros.

Es esa renovación de la puesta en escena emprendida por director y la interpretación de los actores la que otorga frescura a una historia vigente de por vida al condensar sentimientos universales.

Una pequeña joya para amantes del teatro directo que además del calor del público les ha valido 5 candidaturas a los Premios Max –las actrices aspiran a un galardón junto a Nuria Espert (La celestina)- y el reciente Fotogramas de Plata a la mejor actriz de teatro para la incombustible protagonista de Cinco horas con Mario.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

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"Solas" hace un año.

Crítica: "Solas".

"El código Da vinci": del papel a la pantalla

2006-10-10T20:56:00.001+02:00

Un asesinato en el Museo del Louvre de Paris. En medio de una trama compleja aparecen implicados un experto en Simbología (Tom Hanks) y una afamada criptóloga.

Son sólo los cabezas de turco de una macro conspiración o mafia a gran escala que puede poner en tela de juicio el papel de la actual Iglesia y la propia religión católica.

El escritor Dan Brown asesta un duro golpe cuando plantea una investigación policial en medio de un debate histórico-religioso: la posible relación que habrían mantenido Jesús y María Magdalena, la prostituta a la que libró de un castigo público. Sumando a esto un análisis bastante inexacto y acelerado de las obras pictóricas de Leonardo Da Vinci (La Gioconda, La virgen de la Roca, La última cena, El hombre de Vitruvio), las críticas al Opus Dei, a la cúpula del Vaticano y otros asuntos que no deben ser descubiertas para el disfrute completo de quienes vayan a leer el libro o ver la película.

Dirigida por Ron Howard (Una mente maravillosa, Cinderella man), la película no fue concebida como un calco aunque si es muy fiel a la novela, de la que se han vendido hasta el momento 25 millones de copias en 44 idiomas diferentes. El veterano cineasta lanzaba al aire su pretensión de que El código Da Vinci, la película, se contemplase como un thriller que parte del interés que suscitó el libro desde su lanzamiento, hace más de tres años.

Hanks sólo es un reclamo menor en comparación con el propio libro y las ideas que aseguran que el personaje de Jesús fue un montaje y que María Magdalena –supuestamente enterrada bajo la pirámide cristal del Louvre- encarna la parte femenina del catolicismo, borrada por los partidarios del apóstol Pedro. El código Da Vinci está dispuesto a reventar las taquillas a partir del 19 de mayo, cuando tenga lugar su estreno mundial tras el pase en la inauguración del próximo Festival de Cannes.

La polémica vino dada durante el rodaje, bajo un secreto máximo en París, Londres, Roma, Malta… Precedida de las críticas que ya suscitó la publicación de la obra literaria de cara a su estreno, desde las altas instancias del Opus Dei se ha pedido que Sony-Columbia, la productora-distribuidora que está detrás de la cinta, puntualice que ‘cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia’. Y a finales de abril, los responsables de la Iglesia en Roma, solicitaron el desmontaje de una valla publicitaria de la cinta en un templo de la capital italiana. ¿Campaña publicitaria o verdadera polémica?

El actor norteamericano, que vuelve a trabajar con Howard (Apolo XIII, Un, dos, tres… ¡splash!), reconoce que ha hecho más de una veintena de películas, de las que sólo cinco merecen la pena. ¿Qué opinará acerca de la adaptación sobre este millonario éxito de ventas por la que ha cobrado 20 millones de euros? Lo cierto es que poco hablan los actores que durante varios meses se introdujeron en la trama. Audrey Tautou, Jean Reno, Paul Bettany, Ian McKellen, Alfred Molina... Y eso que cobraron menos (Tautou no llegó al millón).

Reparto internacional para una apuesta de 100 millones de euros que no dejará indiferente a los lectores de un libro ni a los "no-lectores", tampoco a aquellos que pensaban que esta trama era más cinematográfica que literaria. ¿Qué se esconde tras el secreto más grande jamás contado? La respuesta, en cines de todo el mundo.

Texto escrito por Daniel Galindo.

Si quieres conocer mejor a los intérpretes principales de la película, echa un ojo a estos enlaces:

Perfil de Audrey Tautou.

Perfil de Tom Hanks.

"Lola": el mito se hace carne

2006-10-10T20:54:00.000+02:00

Ni documental, ni historia exacta sobre la vida de uno de los personajes más influyentes en la cultura y la sociedad española de la segunda mitad del siglo XX.

Lola, la película no es un largometraje biográfico al uso sino una historia basada en su vida y el ambiente en que creció como mujer y artista. No se cansa al repetirlo una y otra vez su director, Miguel Hermoso. Ahonda en eso y en la idea de que ha intentado hacer la película que a Lola Flores le hubiese gustado interpretar.

A comienzos de 2007 tendrá lugar su estreno en pantallas, justificando los cinco millones de euros que ha costado este viaje audiovisual que nos lleva desde 1935 hasta 1957 de manos la niña de 8 años que decide ser bailarina, la que con 13 años actúa por primera vez junto a Manolo Caracol y la joven que se quiere dedicar al arte a pesar de las dificultades, que eran muchas. La acción termina justo cuando Lola inicia su noviazgo con el que sería padre de sus tres hijos, Antonio Gonzalez ‘El Pescaílla’, al que da vida el joven Alfonso Begara (Camarón).

Un arduo trabajo de cásting dio con la actriz que tiene el reto de encarnar, acercarse al menos, a ‘La Faraona’, un torbellino, un potro desbocado, con fuerza, sensibilidad y temperamento. Integrante hasta ahora del grupo musical Papá Levante, la gaditana Gala Évora debuta en el cine a sabiendas de que la artista a la que interpreta es irrepetible. Asegura Hermoso que el temor inicial ha servido para que la joven cimentase su papel con respeto, humildad y mucho sentimiento. El resto viene solo, a veces incluso por casualidad, y si no lo creen basta con fijarse en el parecido evidente de Évora con Lola Flores: su mirada, su nariz e incluso sus gestos son prácticamente iguales.

Sin olvidar a la protagonista absoluta no se nos puede escapar que Hermoso articula en torno a ella un vasto panorama histórico, recreando la situación de una España en plena posguerra a través de los inicios artísticos de una joven andaluza, centrándose en el lado más familiar y humano de la mujer que falleció el 16 de mayo de 1995. Esto les abre puertas a la hora de permitirse licencias con las que construir una percepción general del mito.

Kiti Manver, Antonio Dechent y Carlos Hipólito completan el reparto en el que también aparecen Ana Fernández y José Luis García Pérez, ambos incluyen este en la larga lista de proyectos que tienen pendientes, algunos además en los que vuelven a compartir más de una secuencia, como el segundo largometraje de Pablo Malo (Frío sol de invierno). La protagonista de cintas como Pasos, Morir en San Hilario y Sin ti será la madre de la artista, un personaje que le gusta por ser valiente y recordarle a las mujeres de su familia. García Pérez (Los aires difíciles, Arena en los bolsillos), sevillano como Fernández, se convierte en Manolo Caracol, un rol que le tiene abducido por el tanque de arte y vida que era como persona.

A punto de finalizar el rodaje de la cinta, el cineasta granadino se regocija al verla como un hito en su filmografía (Truhanes, Fugitivas, La luz prodigiosa). Un guión poderoso, una protagonista fortísima y un vestuario espectacular son, a su juicio, las bazas principales de su novena película, además de la acertada elección de los equipos artístico y técnico: un ejemplo es que al frente del trabajo coreográfico está la bailaora Cristina Hoyos, ilusionada ante la posibilidad de acercar la forma de bailar en aquellos años y de poner en acción a la jerezana y a Manolo Caracol.

La familia Flores conoce el proyecto desde su concepción, aunque tanto Lolita como Rosario, embarcadas en sus proyectos teatrales y musicales, no han podido estar en el rodaje todo lo que les hubiese gustado, quizás porque no comparten la dramatización de los hechos contemplados en el guión de Antonio Onetti (Padre Coraje, El Lobo, GAL). Tirando de la lengua a los responsables se atisba el deseo de las herederas de que la primera película sobre su figura sólo contase las cosas buenas de la vida de su madre, grande y única.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.